Какие картины можно нарисовать красками начинающим художникам: где учиться, материалы и инструменты,вдохновение, как можно заработать на рисовании

22 Фев

Содержание

Инвентарь начинающего художника

Бывает так, что в душе просыпается муза и хочется творить, а именно рисовать, да еще и попробовать сделать это в необычной для себя технике. Считаю, что многие любят выплескивать свои эмоции на холст, но не все делают это определенно масляными красками. А зря. Масляные краски имеют ряд своих преимуществ, и любой новичок, подключив свою фантазию, сможет нарисовать замечательную картину.

Предлагаю сегодня рассмотреть, какой инвентарь нужен для рисования маслом. Набор, в принципе, стандартный, как и для многих техник. Но везде есть свои нюансы.

1. Краски

Масляные краски бывают стандартными, работают с ними разбавителем, а бывают водорастворимыми. Они отличаются лишь тем, что во вторые добавлена специальная жидкость, которая позволяет взаимодействовать воде и маслу. Для многих художников такой тип масляных красок – дикость. Но на самом деле это очень хорошая альтернатива для тех, кто не хочет иметь дела с разбавителями.

Важно знать  из чего же делают масляные краски.

Обычно это пигмент, масло и скипидар. Пигменты бывают натуральными и синтетическими, конечно же, в зависимости от вида варьируется как цена, так и насыщенность цвета. Масло также имеет свои разновидности – ореховое, льняное, конопляное, софлоровое и маковое.

Новичкам лучше всего выбрать синтетические, чтобы опробовать себя в этой технике и понять, пойдет ли дело дальше.

2. Кисти

Этот пункт является одним из самых важных. Это идеальное орудие для идеального выражения задумки автора и текстуры картины. Именно от кисти зависит, будет ли ложиться краска так, как нужно, сможете ли вы выделить мелкие детали и сделать картину более глубокой, живой.

Из какого материала бывают кисти:

– из синтетического волокна;

– из натурального волокна (грубой свиной щетины, а также из пушных животных, таких как соболь).

Натуральные кисти относительно дорогие. Но их качество говорит само за себя – кисточка сохраняет форму с набранной краской и принимает точно такую же после мазков.

Какой формы бывают кисте:

плоские кисти – длина больше ширины, имеют прямоугольную форму. Если смотреть сбоку – выглядят плоскими. Являются самыми практичными: можно сделать широкий, треугольный при скручивании мазок и узкую линию. Также это основная кисть для смешивания красок.

полукруглые плоские – кисточки, которые первоначально были сделаны круглыми, а потом стали расплющенными. Позволяют контролировать точность контура, если его форма необычная и неправильная.

ретушные – плоская кисть с подрезанным под углом кончиком. Обычно делаются из синтетического волокна. Используются для цветных планов, эскизов, так как делают четкие острые углы. Отлично справляются с цветовыми переходами, делая их менее грубыми.

веерные – также плоские, имеют не очень густой пучок похожий на веер. Необходимы для создания тонких цветовых растяжек, можно использовать для снижения контраста между контурами и фактурой.

«кошачий язык» – плоская кисть купольной или овальной формы. Можно писать как обычной плоской кистью, а в перпендикулярном положении к поверхности – как круглой. Лидер среди кистей в переходах от одного цвета к другому.

трафаретные – кончик носа такой кисти тупой и плоский, а мазки нужно наносить на холст вертикальными ударами.

линейные – вариация круглых кистей с тонким и длинным волосом. Идеально подходят для тонких линий, длинных мазков и для нанесения надписей.

3. Палитра

Палитра – важная вещь для художника, в ней смешивают краски и получают новые нужные цвета. Её можно держать в руке или положить рядом на стол, как удобно. В продаже есть в трех вариациях –

стекло, плексиглас (оргстекло) или дерево.

Нужно помнить о том, что уход за палитрой зависит именно от материала, из которого она сделана. Деревянную палитру перед использованием обязательно нужно протереть льняным маслом и вытереть насухо. Сразу после использования промыть, натереть маслом и опять же вытереть.

Стекло более легко в использовании – не обязательно удалять остатки красок сразу же после рисования, так как с него они счищаются даже в засохшем виде.

Палитру из плексигласа также желательно сразу очистить, несоблюдение этого правила приведет к тому, что вы можете поцарапать материал, пытаясь отделить от него засохшую краску.

4. Разбавитель

Эта жидкость нужна для того, чтобы сделать краски менее густыми для комфортного процесса.

Используют обычно один из трех – льняное масло, петролеум или же тройник. Петролеум станет незаменим для аллергиков, а также тех, кто попросту не переносит резких запахов, так как эта жидкость его не имеет.

5. Холст

Собственно материал, на котором художник пишет картину. В наше время имеется огромное разнообразие холстов, которые могут озадачить и смутить любого новичка. Но не стоит пугаться. На самом деле все просто – обычно они изготавливаются из льна либо хлопка. Именно свойство материала придает им зернистость, бывают мелкозернистые, среднезернистые, крупнозернистые.

Если нужно четко прорисовывать каждую деталь – лучше приобрести мелкозернистый холст, этот вид также позволяет делать плавные переходы от одного цвета к другому. Если же вы решили рисовать большими мазками и просто прорисовывать контуры объектов – подойдут крупнозернистые и среднезернистые холсты.

Также холсты продаются на картоне или сразу в подрамнике, что очень упрощает процесс превращения обычной картины в картину, крепящуюся к стене.

6. Средство для снятия краски с кисточек

Нужно помнить о том, что после процесса рисования необходимо тщательно очищать не только палитру, но и кисти. Своевременная забота об этом важном орудии обеспечит вам комфорт при следующем занятии живописью.

Для этого можно купить растворитель уайт-спирит для масляных красок, либо делать это тем растворителем, которым вы разбавляли краски. Кроме того, на этикетке тюбика краски может быть указано, чем именно её нужно растворять.

7. Посудина для мытья кистей

Можно либо купить в лавке художника специальное маленькое ведерко для этого дела, либо взять то, что есть под рукой: маленькую баночку, либо старую ненужную чашку.

8. Прекрасное настроение

Картины, которые рисует художник – всегда идут из души. Этот процесс таинственный и прекрасный. Заниматься живописью означает принадлежать самому себе и всему миру одновременно. Поэтому обязательно подходите к этому замечательному занятию с хорошим настроением, расслабленными, одухотворенными. И тогда вы получите результат, который покорит любое воображение.

Творите и будьте счастливы!

Превью: Depositphotos

Читайте также

Основы рисунка: Рисуем с натуры женское тело

Как начать рисовать чернилами

Осваиваем новые инструменты: как перейти от карандаша к гуаши

Мастер класс по рисованию и живописи

Мастер-класс по рисованию проходит на протяжении 3-4х часов. За это время Вы создаете законченную картину. Во время всего мероприятия Вам помогает профессиональный художник.

Цель мастер-класса по живописи — ознакомительное занятие на котором Вы, своими руками, рисуете картину под чутким руководством профессионала-живописца. Наши преподаватели покажут по стадиям с чего начать, как нарисовать, как сделать первую прописку как создать свет и тень, какие краски размешивать.

В стоимость мастер-класс включены все необходимые материалы: холст, краски, кисти, работа преподавателя. Дополнительных платежей нет.

Для записи на мастер-класс по живописи в Киеве звоните по телефону: 044 2237490,  067 8037331, а так же используйте форму связи через чат на сайте.

 

Подарочный сертификат на мастер класс по живописи можно купить тут:

Купить сертификат

Время проведения мастер-классов обсуждается индивидуально. Возможны любые дни.

Что мы рисуем на мастер классе по рисованию в Артакадемии (Киев)?

Вам предложат разнообразие примеров из каталога.

Тематики — Италия, Испания, Франция, пейзажи и виды Фландрии, Тосканы, различные морские пейзажи и виды Сицилии, Ниццы, побережья Португалии. Вот некоторые из тематик присутствующих на наших мастер-классах по рисованию в Артакадемии.

Советы студии Артакадемия для посещения мастер класса по рисованию:

  1. Вы можете как в чате на нашем сайте так и по телефонам указанным Выше связаться с нами и обсудить ту картину которую Вы хотели бы изобразить.
  2. Фото индивидуальных примеров для картины на мастер-класс можно распечатать в копи-центрах, размер не менее А4 для удобства.
  3. Хранение картин после мастер-класса в течении недели — этого времени более чем достаточно для высыхания краски.
  4. Не бойтесь приходить без друзей, у нас очень теплая атмосфера направленная на расслабление и умиротворение.
  5. Мастер класс по живописи проходит в центре города Киева, добраться легче всего с метро  «Майдан Независимости» или «Золотые Ворота».

 

Мастер класс по живописи для взрослых (холст-масло) Мастер класс по живописи акварелью для начинающих взрослых
Мастер класс по живописи для начинающих Вот как проходит масляная живопись — мастер класс в Артакадемии Киев. Дружественная обстановка, открытые формы и цвета, 4 часа удовольствия с готовой картиной.

 

Мастер класс по живописи маслом цветы


Мастер класс по рисованию цветов

Мастер класс по живописи маслом для начинающих

Мастер класс по живописи маслом — студия Артакадемия Киев

мастер класс по живописи Киев 02 Июля


Групповые мастер классы по живописи

 

Мастер класс по живописи акрилом




Мастер класс по живописи акварелью Мастер класс по живописи акварелью натюрморт

Корпоративный мастер класс по живописи для офисов и компаний.

 

Так же студия Артакадемия организовывает мероприятия по коллективному рисованию для офисов или больших компаний.

Размер картины 1.5м на 2м как на фото. Структура мастер класса заключается в совместном написании фона картины разнообразными способами для проявления творческого начала и командных навыков сотрудников. После,  наш художник (член союза художников Украины, выпускник Академии НАОМА) заканчивает работу и приводит ее к утвержденному заранее эскизу.

В центре может быть логотип Вашей компании или любая другая композиция ведь такое произведение искусства можно повесить в холле офиса.

  • Время проведения мастер класса в Киеве- до 4х часов
  • Размер холста 1.5х2 метра
  • Количество участников до 50 человек (больше обсуждается)
  • Видеосъемка обсуждается отдельно
  • Цена мастер класса — от 8500 гривен с материалами

Программирование как изобразительное искусство / Хабр

Акварель — чистый С

Акварель проста и доступна каждому. Бумага, несколько кисточек, вода и набор красок — это все, что нужно для начала работы.

Главные особенности акварели — это прозрачность краски, отсутствие белого цвета и эффект неповторимого смешения цветов. Прозрачность краски не позволяет нам исправлять уже написанные части картины, а отсутствие белого цвета заставляет художника идти на хитрость и использовать естественный цвет бумаги вместо краски. Все это приводит к тому, что рисование акварелью требует тщательного предварительного планирования композиции произведения, а сам процесс написания картины требует высокой концентрации внимания — один неверный мазок кистью — и вот уже краска растеклась по всей картине или вылезла за отведённые ей художником рамки.

Акварель требует терпения. Прежде чем начать рисовать мелкие детали, необходимо подождать пока предыдущий слой высохнет настолько, насколько это требуется для получения задуманного художником эффекта смешения красок. Для новичка акварель непредсказуема:

Однако овладев настоящим мастерством акварели, художник получит от своих работ ни с чем не сравнимое чувство легкости, воздуха, света и цвета; пусть на это и уйдут годы тяжелых тренировок.

Масляные краски — Java

Живопись маслом — настоящий мейнстрим среди художников. Отличительная особенность данного вида живописи — возможность перекрасить любой участок полотна картины до неузнаваемости. Выбор масляных красок даёт гарантию того, что произведение не будет испорчено настолько, что его нужно было бы выбросить. Все это позволяет художнику создавать маслом настолько огромные картины, которые были бы нереализуемы при выборе других видов живописи. Живопись маслом — один из самых прибыльных видов живописи для художника; а, собственно, доступность масляных красок для населения находится на среднем уровне.

Гуашь — Pascal

Вид живописи, расцвет и упадок которой уже завершился, и было все это когда то давно в 20 веке. Сейчас используется в основном в школах на уроках рисования.

Аппликация — Basic

Технически несложный метод изобразительного искусства, используется как и гуашь в основном в школах на уроках рисования.

Настоящий художник может творить с чем угодно, и не стоит осуждать тех, кто находит здесь своё вдохновение.

Простой карандаш — Assembler

Минималистичный набор инструментов — бумага, карандаш и ластик; черно-белая палитра цветов. В основном дело ограничивается рисованием простейших геометрических фигур, нарисовать же что-то более сложное затруднительно.

Ручка — Perl

«Написано пером — не вырубишь топором» — главная здесь мудрость и философия. Другая отличительная особенность — рисунок ручкой имеет свой неповторимый и запоминающийся запах.

Где-то поговаривают, что существуют настоящие мастера жанра:

Мелки на асфальте — PHP

Вид творчества, доступный каждому, даже ребенку. Популярен среди детей, но с возрастом интерес к мелкам проходит. Произведение рисуется быстро; красиво — не красиво, а задачу свою для детей мелки выполняют.

Фломастеры — Python

Относительно новое изобретение в живописи. Людей привлекает здесь яркость красок и простота использования. При использовании раскрасок достигается невероятная скорость рисования. Кто-то может сказать, что этим
убивается творчество и исчезает грань между любителем и профессионалом, а сами фломастеры перестают быть
видом серъёзного искусства, но на самом деле всё это слишком субъективно, чтобы разводить какие-либо споры на эту тему.

Пастель — Ruby

Яркие цвета. Чем больше ты используешь мелков из готового набора, тем быстрее творчество; легче взять дополнительный набор мелков разных оттенков, чем смешивать цвета самому.

Водорастворимые карандаши — C#

Попытка достичь легкости акварели через использование водорастворимых карандашей. К сожалению производителей водорастворимых карандашей не так много, а сами карандаши не везде можно достать.

Финифть — Objective-C

Творчество требует специальной техники и материалов. Произведение с финифтью часто украшается драгоценными камнями. Итог: объективно красиво, но не доступно для широких масс.

Нестандартные техники акварели — C++

Когда при рисовании акварелью закачивается вдохновение, художник начинает искать и использовать нестандартные и извращенные техники рисования, например, использовать гуашь для получения белого цвета, рассыпать соль и сахар на бумагу для получения требуемой фактуры, использовать губки, зубные щетки, резать бумагу, коробить её наждачкой и т.д.

В основном причина этих отклонений заключается в недостатке мастерства владения акварелью; и следует предостеречь начинающих художников от следования этому скользкому пути.

Граффити — JavaScript

Граффити — новое, ещё не всеми признанное, веяние в искусстве. При должном умении выходит
красиво и со вкусом. В руках непрофессионала прекращает быть искусством.

Граффити на бумаге — Haskell

Техника рисования сначала вводит в ступор начинающего художника, а потом к ней быстро привыкаешь.

Японский кроссворд — Lua

Ограничена фантазия для творчества; правила просты, сам кроссворд — скорее головоломка, чем искусство.

Советы начинающим художникам картин по номерам

В данной статье мы постараемся ответить на самые распространенные вопросы начинающих художников картин по номерам. Развеем страхи и сомнения.

Что входит в набор рисования по номерам?

Стандартный набор рисования по номерам включает в себя: 3 кисточки (разных размеров), набор акриловых красок (пронумерованные), контрольный лист (для чего он нужен, читайте далее), крепление для картины и холст на подрамнике (или на картоне) с пронумерованными контурами.

Сложность картин по номерам

Сложность раскрашивания картин по номерам определяется с помощью звездочек — начиная от одной и заканчивая пятью звездами. Чем больше звездочек, тем больше деталей нужно раскрашивать.

На холсте, или картоне?

Сложно ответить однозначно. У холста и картона есть свои недостатки и преимущества. А какую основы выбрать, решать уже вам.

Преимущества картона:

  • Цена. Раскраски на картоне дешевле, чем на холсте.
  • Рисовать на картоне проще. Т.е. новичкам удобнее будет начать с картона.
  • Готовую картину можно поместить в фоторамку.

Недостатки картона:

  • Картина без рамки выглядит не так эффектно, как на холсте из-за маленькой толщины картона.
  • Из-за перепадов температуры может немного выгнуться.

Преимущества холста:

  • Чувствуешь себя настоящим художником.
  • Можно повесить на стену без рамки (если закрасить торцы картины).
  • Картина выглядит более объемно, чем на картоне (но если картины оформлены багетом, то разницы никакой не видно).

Недостатки холста:

  • Цена. Холст стоит дороже картона.
  • Сложнее рисовать. Краски ложаться хуже, чем на картон из-за зернистости холста.

Как рисовать картины по номерам?

Разберем сам процесс рисования по номерам. Как уже понятно из названия, нужно закрашивать области с номерами, краской с соответствующим номером. Для того, чтобы цвета на картине стали более насыщенными, рекомендуем накладывать несколько слоев краски. В раскрасках по номерам обычно используются акриловые краски, которые довольно быстро сохнут, поэтому второй, или третий слой можно накладывать уже через пару минут. Кстати, если тон краски светлый, например белый, то высока вероятность, что номера и контуры будут просвечивать, поэтому светлые тона красок нужно прокрашивать несколько раз.

Иногда получается так, что номер на области уже закрашен и непонятно с каким номером баночку нужно использовать. Тут на помощь приходит «контрольный лист»  — это небольшая копия картины с пронумерованными контурами, где можно найти нужную область картины и узнать номер.

Как правильно раскрашивать картину по номерам?

Это один из наиболее распространенных вопросов. Сверху вниз, или с верхнего угла картины? Может закрасить сначала темные тона, а потом светлые? Или начинать нужно с номеров по порядку?

На самом деле правильного ответа здесь нет. Каждый производитель раскрасок пишет свою инструкцию и часто они отличаются друг от друга. Ответ тут один — берите кисточку и начинайте раскрашивать тот участок картины, который вам нравится. И по ходу дела, уже сами определитесь в каком порядке раскрашивать.

Пару слов о кисточках

Кисточки нужно обязательно промывать после каждого использования, иначе они испортятся. При смене цвета, также следует промыть кисть.

Поговорим о красках

Как уже было выше написано, краски в раскрасках по номерам используются акриловые. Эти краски не токсичные, сохнут довольно быстро (1-2 минуты). Храниться могут до нескольких лет. Конечно если вы открыли баночку с краской, то консервация уже будет нарушена и краски могут засохнуть за месяц или быстрее. Акриловую краску можно наносить поверх другого слоя (подсохшего) другого цвета и она не будет смешиваться.

После каждого использования краски, нужно обязательно закрывать крышку. Если под крышкой образовалась засохшая краска, то следует удалить ее, чтобы не нарушать герметичность.

Если вы считаете, что краска слишком жидкая, то можно в нее добавить специальный загуститель, тогда она станет больше похожа масляную. Если же наоборот краска слишком густая, то можно в нее добавить специальный разбавитель или воду. Кстати, расскажем небольшой лайвхак:

Можно взять немного краски кисточкой и положить ее на дно крышки. Затем смочить кисточку водой и размешать краску под крышкой до состояния сметаны. Используя этот метод, можно продлить жизнь краскам в баночке, не допуская попадения воды в краску.

Мольберты

Часто задают вопросы по поводу мольбертов. Обязательно ли использовать мольберт и какой мольберт использовать? Использование мольберта не обязательное, но с ним рисовать немного удобнее. Мольберты бывают напольные и настольные и тут нужно выбирать уже индивидуально, кому-то нравится рисовать только сидя, а кто то любит стоять (как принято у многих художников). Настольный мольберт предполагает рисование только сидя, а за напольным можно стоять.

Это далеко не все советы, которые можно дать начинающему художнику, но в этой статье мы разобрали большинство важных моментов, с которыми вы можете столкнуться.

Рисуем карандашом природу. Советы начинающим художникам

Как нарисовать природу? Вопрос интересный, но еще увлекательнее сам процесс художественного изображения окружающего нас мира. Природа необъятна, она может быть разной, в зависимости от времени года, подчиняется лунному календарю, зависит от солнечной активности и многих других факторов. Как нарисовать природу, чтобы хоть частично передать ее очарование? Есть несколько способов, следуя которым, можно добиться неплохих результатов.

Творчество домашнего художника

В первую очередь нужно решить, как поэтапно природу нарисовать, чтобы художественный процесс доставил удовольствие. Ведь даже любой набросок или эскиз требует кропотливой работы, изображение появляется на чистом листе бумаги постепенно, шаг за шагом. Многое зависит от того, есть ли у мастера опыт. Например, вопрос о том, как нарисовать природу, для начинающих живописцев представляется достаточно сложным, а художники, обладающие навыками, справляются с задачей легко. Конечный результат также зависит от таланта исполнителя, его творческих способностей.

Как нарисовать карандашом природу поэтапно

Любое изображение можно условно разделить на отдельные этапы. Сначала необходимо сделать набросок, затем нарисовать дополнения, которые детально раскроют замысел художника, при этом рисунок станет более осмысленным. На следующем этапе следует объединить отдельные фрагменты в единое целое. Еще одна ступень творчества — это нанесение карандашом штрихов, оттеняющих отдельные детали картины.

Как нарисовать природу карандашом, фломастером или красками

Черно-белое или серое изображение деревьев, лугов, озера или реки может оказаться недостаточным для того, чтобы передать красоту окружающего мира.

Как нарисовать природу, чтобы на эскизе были видны все признаки ее великолепия? Возможно ли такое? Надо сказать, что это не под силу даже великим живописцам, поскольку природа бесконечно разнообразна. Принято делить сюжеты живописных полотен по временам года: тема весны содержит один набор признаков и критериев, зимняя тематика — это другой набор, лето изображается с использованием своих особых правил, а осень тоже имеет только ей одной присущие признаки.

Картины по временам года

Осенняя тематика рисунка подчиняется определенной цветовой гамме, это золото березовых опавших листьев, красная медь кленовой листвы, бурая желтизна дубового листа, усыпавшего землю. Осень изображается с помощью желтых красок всех оттенков, ярких шафрановых цветов, лимонно-желтых и багряных. Как нарисовать природу осеннего периода, уже понятно, нужно использовать все перечисленные цвета и полутона на их основе. И если удачно раскрасить элементы осеннего пейзажа, то получится хорошая картина.

Зимой природа менее красочна, цветовая гамма состоит из белого, черного, темно-коричневого и серого цветов. Яркими пятнами на рисунке могут стать птицы: снегири, зяблики, синицы. Кроме птиц, зимнюю картину органично украсят ягоды калины, рябины и замерзшего шиповника. Фантазия художника может добавить в рисунок и другие краски, например яркие цвета одежды людей, катающихся на санях с ледяной горки. Зимой на фоне снежных просторов красиво смотрятся темно-зеленые сосны и ели, их тоже можно изобразить.

Весенняя природа расцветает свежей зеленью, васильками, ландышами, сиренью, разноцветными луговыми цветами. Картины на весенние темы всегда получаются красочными и веселыми. Как поэтапно природу нарисовать, когда вокруг море весенних цветов, — задача несложная. Нужно сначала изобразить стебельки и листья, затем — контуры лепестков, и на последнем этапе все цветы раскрасить поярче. Землю можно покрыть сплошным зеленым ковром. В художественной палитре есть цвет, который так и называется — «травяная зелень».

Лето на рисунке выглядит не менее красочно, чем остальные времена года. Можно нарисовать пейзаж, в котором будет лес, поляна, луг и озеро. Летом бывает очень красивый закат и не менее впечатляющий восход солнца. Эти природные явления легко изображаются при условии правильного подбора розовых оттенков. Все облака на рисунке необходимо покрасить бледно-красным цветом в нижней их части, и таким образом мы получим настоящую утреннюю или вечернюю картину. А чтобы различать признаки восхода или заката, следует помнить, что солнце на закате изображается в виде большого красного круга, а восходящее всегда выглядит как сравнительно небольшой диск золотистого цвета.

Природные явления

Есть в природе особо красочное явление, которое называется северным сиянием. Рисунок на эту тему получится великолепным, если изобразить ледяные торосы голубого цвета, а над ними — всполохи холодных огней, охватившие все небо. На картине не будет лишним представитель северного царства — белый медведь, пробирающийся между глыбами льда. Или тюлень, лежащий на снегу у полыньи. Сюжет можно разнообразить до бесконечности.

Не менее эффектным получится рисунок ночного неба, усыпанного крупными звездами. В этом случае можно изобразить всем известное созвездие Большой Медведицы и Полярную звезду, а между звездами обозначить падающие метеориты.

Неисчерпаемые темы для творчества

Рисовать природу во всем ее многообразии всегда интересно, сюжеты не нужно искать, ведь они вокруг нас. Для творчества понадобится только лист бумаги, карандаши, акварельные краски и немного фантазии.

Абсолютно любой начинающий художник рано или поздно задумывается о том, как нарисовать осенний пейзаж. Именно это время года делает природу необычайно яркой и красивой, вдохновляя живописцев на создание по-настоящему великолепных пейзажей. Конечно же, изучать, как нарисовать осенний пейзаж поэтапно, лучше всего, делая наброски с натуры где-нибудь в парке или же за городом. Но, если такой возможности нет, то можно использовать и фотографии. А вот понять, как нарисовать осенний пейзаж поэтапно для начинающих без натуры или же фото, скорее всего, не получится. Ведь, рисуя пейзаж по воображению, можно легко допустить различные ошибки.
Перед тем как нарисовать осенний пейзаж карандашом, стоит подготовить:
1). Карандаш – можно использовать как обычный, но хорошо заточенный карандаш, так и механический;
2). Ручку, у которой гелевый черный стержень;
3). Цветные карандаши;
4). Ластик;
5). Листочек бумаги.


Если все нужное уже подготовлено, то можно приступать к изучению того, как нарисовать осенний пейзаж карандашом поэтапно:
1. Изобразите легкими линиями линию горизонта и наметьте забор;
2. Нарисуйте очертания больших деревьев и маленьких кустов;
3. Прорисуйте забор;
4. Прочертите две березы и схематично изобразите их листву. Наметьте тропинку, уходящую вдаль;
5. Обведите рисунок ручкой, уточняя детали. Рисуя кусты и деревья, избегайте излишней детализации – не стоит прорисовывать каждый листик. В небе нарисуйте крупные кучевые облака. На заборе нарисуйте птичку;
6. Используя ластик, удалите карандашный набросок;
7. Зелеными оттенками, желтым и светло-коричневым заштрихуйте траву;
8. Карандашами серо-коричневой гаммы закрасьте тропинку и камни;
9. Черным, серым и коричневым карандашами закрасьте стволы деревьев;
10. Используя карандаши ярких, насыщенных тонов, раскрасьте листву кустов и деревьев;
11. Серым и коричневым карандашами раскрасьте забор;
12. Зеленым, желтым и оранжевым тонами закрасьте лес вдали;
13. Голубым карандашом заштрихуйте небо. Голубым и фиолетовым оттенками слегка закрасьте облака.
Теперь рисунок яркого осеннего пейзажа полностью готов! Поняв, как нарисовать осенний пейзаж, можно раскрасить его и красками. Для этого лучше всего подходят такие краски как акварель и гуашь, которые имеют чрезвычайно яркие оттенки, легко смешиваются и экономно расходуются.

Глядя на картины известных художников, невольно восхищаешься их творчеством, умением изобразить в ярких красках окружающий мир. Каждый из нас также может попытаться овладеть искусством рисования и сделать это увлечение своим любимым занятием. Здесь представлены красивые рисунки гуашью для начинающих, они позволят испытать свой талант в живописи и овладеть техникой рисования красками.

Чтобы усвоить технику рисования гуашью для начинающих, необходимо иметь для работы:

  • Набор гуашевых красок из двенадцати цветов.

  • Пару плоских кистей из свиной щетины.

  • Палитру и посуду с водой.

Аромат гуашевых красок каждому знаком с детства. Как рисовать гуашью, понять не трудно, техника такого рисования довольно проста. Рисовать необходимо, начиная с наброска рисунка карандашом.

Для нанесения краски и ее смешивания используют мастихин. С его помощью можно наносить краску ровными мазками.

С раннего возраста мы рисуем гуашью в альбоме простой незатейливый пейзаж. Но, нарисовать такими красками можно и узоры, и цветы, горы, и даже городские постройки. Для начинающих работать с гуашью – просто идеальный вариант.

Прорисовывая эскиз карандашом, удается избежать ошибок и сделать работу аккуратно. Если же размазывать и смешивать краски непосредственно на холсте, то получится просто грязь на картине. Поэтому можно добавить в гуашь немного воды и она превратится в акварель.

Чтобы узнать, как научиться рисовать гуашью красиво, нужно познакомиться с поэтапной техникой. Эта методика заключается в том, что в ходе рисования гуашь наносится только горизонтально.

Первым делом нарисуем темные фрагменты картины, а уже потом светлым цветом изображаем блики. В результате получаем нужный цвет без следов грязи.

Техники рисования гуашью

Среди известных художникам техник раскрашивания картины гуашью распространенными являются следующие:

  1. Влажным слоем краски по еще не высохшему слою. В этом случае краска ложится плотно и долго сохнет. Такой метод более подходит для рисования акварелью.
  2. Сухой кистью производится нанесение гуашевых красок на высохший слой.
  3. С помощью губки создается фактурная картина. Эта техника идеально подходит, когда мы рисуем осенний пейзаж, можно легко изобразить яркие краски золотой осени.
  4. Новичку поднимет настроение и поможет побороть волнение техника разбрызгивания краски по холсту. Достаточно смочить кисть в краске и разбрызгать гуашь по бумаге или полотну. Получается яркая и красивая живопись. Обязательно научись этому способу нанесения краски, который помогает натренировать руку.

Разумеется, мы не нарисуем картину без правильно подобранной кисти. Желательно выбирать кисточки из нейлона, козьего или свиного волоса.

На видео: как красиво нарисовать небо гуашью.

Виды гуаши

Гуашь пригодна для рисования на картоне, бумаге, холсте и других поверхностях. Но не всякая гуашь обладает такими универсальными свойствами. Рассмотрим основные виды таких красок:

  • Пригодна для нанесения на поверхности, предназначенные только для рисования. Она впитывается в материал и позволяет наносить второй слой, делая краски на картине более насыщенными и яркими.

  • Обладает более насыщенным пигментом и яркими красящими способностями. Ею разукрашивают театральные декорации. Детская гуашь содержит в своем составе клей ПВА, поэтому она быстро высыхает. Такой гуашью удобно работать на фанере, керамике или холсте. А вот акриловая краска отлично ложится на любые поверхности, а после высыхания не смывается и не теряет свой первоначальный цвет.

  • Флуоресцентная гуашь. Удивительна по своим свойствам и качеству. Под воздействием ультрафиолетовых лучей она светится. Цвет является слишком ярким, что придает рисунку особую красоту.

Пошаговый способ помогает постичь основы рисования гуашью даже детям. Такие уроки позволят освоить это прекрасное творчество и научиться рисовать в определенной последовательности, правильно подобрать краски для отражения реальной красоты природы, представителей растительного и животного мира на холсте.

Создавать картины природы, как и рисунки на любую другую тему, необходимо с карандашного наброска. Проще всего рисовать, начиная с верхней части холста или листа бумаги. Как правило, вверху находится небо, которое по карандашным контурам окрашивается в синий цвет.

Облака рисуют белилами, нанеся кистью белые блики по синему небу.

Горы изображаются коричневыми красками, а растительность – зелеными тонами. Деревья внизу изображают более светлой или темно-зеленой гуашью. Главное, чтобы цвета на картине выглядели как в реальности. Краски можно смешивать прямо на листе, периодически меняя воду. Для изображения тонких линий нужно правильно подобрать кисточку.

Пользуясь гуашью, необходимо придерживаться следующих советов:

  • Приобрести гуашь можно в тюбиках или в баночках, каждый выбирает наиболее удобную для себя упаковку.
  • Цвета нужно выбирать те, которые понадобятся для работы над картиной.
  • Пробы нужно делать на палитре, только подобрав нужный цвет, переносить его на холст.
  • Если краска трескается, в нее добавляют немного гуммиарабика и тщательно размешивают.
  • Чтобы нанести следующий слой, нужно дождаться, пока высохнет предыдущий.
  • Желательно после высыхания покрыть картину лаком.

Постигнув технику рисования, можно добиться успехов в художественном творчестве. Продвигаясь пошагово, от простого к сложному, начинающие художники постепенно овладевают техникой рисования гуашью. Ниже представлены видеоуроки, задача которых — помочь максимально точно изобразить выбранный сюжет на полотне. Такой поэтапный подход позволяет быстрее научиться работать с такими красками, как гуашь.

Уроки рисования гуашью для начинающих (2 видео)

Больше идей для рисунков (27 фото)






















Многим начинающих художникам, особенно в детском возрасте, нужно уметь рисовать самую простую природу. Самые первые шаги начинающие делают безобразно, но эти рисунки достойны похвалы, так как первый раз всегда самый ответственный. Сейчас я продемонстрирую первый рисунок новичка. Небольшой пейзаж с двумя облаками и тремя холмами, так же будут присутствовать пять елочек.
Времени уйдет на это произведение порядка 3-5 минут. Самый обычный и самый легкий рисунок для начинающих, как нарисовать природу поэтапно карандашом.

Сначала изобразим три холма. Один пониже, он будет волнистый и два холма над ним, которые пересекаются между собой, тем самым будет видно что правый холм чуть дальше левого.

Затем рисуем две елочки, одну по центру, она размерами побольше. А другую поменьше справа, как будто она чуть дальше расположена.

На дальнем правом холме рисуем маленькую елочку, на нижнем холме справа тоже и на левом ближнем, размер чуть больше предыдущей.

Сверху изображаем волнистые облака. Слева тучку поменьше, а справа побольше.

Рисование пейзажа акварелью поэтапно для детей от 5 лет. Мастер-класс с пошаговым фото

Мастер класс по рисованию акварелью от 5 лет «Пейзаж». Знакомство с акварельными красками

Автор: Наталья Александровна Ермакова, преподаватель, Муниципальное бюджетное образовательное учреждение дополнительного образования детей «Детская художественная школа имени А. А. Большакова», город Великие Луки, Псковская область.
Описание: мастер-класс предназначен для детей от 5 лет и их родителей, воспитателей, педагогов дополнительного образования.
Назначение: украшение интерьера, подарок, рисунок для выставок и конкурсов.
Цель: создание пейзажа в технике акварель.
Задачи:
-познакомить детей с профессией художника, дать понятие о изобразительном искусстве и живописи;
-научить способам работы с акварелью: смачиванием красок перед рисованием, разведению водой для получения разных оттенков одного цвета, тщательному промыванию кисти.
-научить работать с цветом при создании пейзажа в технике акварель;
-упражнять в работе с разными номерами кистей;
-воспитывать интерес к изобразительному искусству.

У меня есть карандаш,
Разноцветная гуашь,
Акварель, палитра, кисть
И бумаги плотный лист,
А еще – мольберт-треножник,
Потому что я …(художник)
Здравствуйте, уважаемые гости! Замечательная профессия художник. Стоит ему взять бумагу, кисти, краски. Ничего не было на бумаге, но вот появились первые линии: одна, другая-картина готова.
Художник может нарисовать всё: дом, лес, людей, животных. А картины художник пишет. И пишет по своему замыслу, как писатель
Художник-это человек, который умеет видеть прекрасное в обыкновенном, запоминает свои впечатления и знает, как выразить на бумаге, в камне или в другом материале свои мысли и фантазии.


Художник умеет в своих картинах и рисунках создавать новые миры, невиданных красавиц и диковинных животных, а порой и нечто совершенно новое, краски на рисунки превращаются в фейерверк цветов и оттенков, они вызывают невероятные радостные эмоции.
Первые художники появились еще в каменном веке. Роль холста или бумаги тогда играли стены каменных пещер и разного рода предметы быта древних людей, а красками художникам служили уголь и минеральные красители. Труд художника был тесно связан с изготовлением красок, и люди считали это магическим действием. Гораздо позже люди стали писать иконы, портреты, натюрморты, пейзажи-а называть всё это стали миром изобразительного искусства(искусство запечатления образов).


Итак, художники-это люди, занимающиеся изобразительным искусством, существует много различных направлений в этой профессии:
-Деятель искусств-художник в широком смысле слова(он умеет всё)
-Художник-человек, занимающийся изобразительным искусством
-Художник-график-занимается графикой(рисунки карандашом, углём, фломастерами)
-Фото художник-занимается фото искусством
-Художник-мультипликатор
-Художник-иллюстратор


— Живописец- занимается живописью.
Живопись-это искусство изображать предметы красками. Один из видов изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на жёсткую или гибкую поверхность. Название получилось из двух слов «живо» (живое)и «писать»(рисовать)-вот и получается писать как живое, а художники занимающиеся живописью стали называться живописцами.


В картинной галерее
Их очень-очень много.
На этой море видим,
А вон на той — дорогу.
Маслом, акварелью
Художников творенья. (Картины)
Существует много разных направлений(тем для рисования) в живописи, рассмотрим некоторые из них:
Если видишь, что с картины
Смотрит кто-нибудь на нас,
Или принц в плаще старинном,
Или в робе верхолаз,

Лётчик или балерина,
Или Колька, твой сосед,
Обязательно картина
Называется — портрет.


Если видишь на картине
Чашку кофе на столе,
Или морс в большом графине,
Или розу в хрустале,
Или бронзовую вазу,
Или грушу, или торт,
Или все предметы сразу,
Знай, что это — натюрморт.


Если видишь на картине
Нарисована река,
Или ель и белый иней,
Или сад и облака,
Или снежная равнина,
Или поле и шалаш,
Обязательно картина
Называется — пейзаж


Свои картины и рисунки художник пишет при помощи различных красок-гуашь, акварель и многие другие краски. Настоящий художник первым делом всегда знакомится со своими красками, изучает их свойства, цвета и оттенки. Проводит опыты по смешиванию красок и получению новых цветов, разводит их водой или рисует густо, насыщенно. Сегодня мы познакомимся с акварелью, что же это за краски такие?
Их название связано с водой, потому что «Aqua» означает «вода». Когда их растворяешь водой и начинаешь рисовать, то создаётся эффект лёгкости, воздушности, тонких цветовых переходов. Прежде чем рисовать краски обязательно надо смочить водой. Обмакиваем кисть в чистую воду и стряхиваем капли на краски, не касаясь их ворсом кисти.
Прежде чем начать рисовать нужно испробовать краски. На бумаге пробуется каждый цвет, набираем краску на кисть и рисуем небольшие пятнышки цвета каждой краски. И сразу видно какая краска прозрачная, а какая сильная-насыщенная. Очень важная особенность акварельных красок-это, чем сильнее вы будете разводить их водой, тем они будут казаться прозрачнее, ну, а если меньше будете добавлять воды, то цвета будут более насыщенными. После пробы каждого цвета необходимо помыть кисть, чтобы не испачкать краски. Акварель краска звонкая, прозрачная, любит чистоту. После того как мы познакомились со всеми цветами можно провести опыты по смешиванию разных цветов, двух, или даже трёх. Запомнить какая краска дружит с какой, или наоборот их дружба заканчивается плохо и получается грязная лужица.
Три цвета, три цвета, три цвета,
Ребята, не мало ли это?
А где нам зелёный, оранжевый взять?
А если нам краски по парам смешать?
Из синей и красной (вот этой)
Получим мы цвет …(фиолетовый).
А синий мы с жёлтым смешаем.
Какой мы цвет получаем? (зелёный)
А красный плюс жёлтый, для всех не секрет,
Дадут нам конечно…(оранжевый цвет).
Данное упражнение по знакомству с красками проводится перед основным заданием, дети с радостью откликаются и проводят эксперименты с цветом. Такое упражнение можно провести на отдельном листочке, но лучше завести альбом «шпаргалочку», где детки каждый раз будут делать упражнения по знакомству с цветом и изучать различные приёмы живописи.


Материалы и инструменты:
-лист бумаги А3(для пейзажа)
-лист А4 для пробы красок(или альбом)
-акварель
-кисти трёх номеров(большая, средняя, тоненькая)
-карандаш простой, ластик(для самых маленьких детей-им можно нарисовать линию горизонта)
-стакан для воды
-тряпочка для кистей

Ход мастер-класса:

Я вижу край доселе неизвестный.
Вокруг земля ухожена.красива…
Но мне, моей душе, здесь так прелестно!
Так широка краса моей России!
Сегодня мы будем рисовать пейзаж, для малышей хорошую роль играет показ будущего рисунка и его рассмотрение-что изображено на нём.


Пейзаж начинается с границы неба и земли-это линия горизонта, там где они встречаются друг с другом. Рисуем линию горизонта кончиком кисти, затем начинаем закрашивать небо с самого верха листа в горизонтальном направлении. Рисую я всегда вместе с малышами, новый приём, новая деталь работы и дети повторяют следом это в своём рисунке.


Мазки кистью должны быть большими, плавными, используем самую большую кисть. Краску необходимо хорошо разбавить водой, и постараться создать ровный, однотонный фон.


Затем от линии горизонта рисуем землю, поле(зелёный цвет). Кисть после каждого цвета необходимо тщательно промывать. Закрашиваем поверхность в горизонтальном направлении, большой кистью, зелёным цветом с большим добавлением воды.


Теперь кисть берём среднего размера, рисуем её кончиком. Цвет краски изумрудный-рисуем холмы, краска яркая и насыщенная.


С помощью чистой кисти и воды размываем изумрудные линии холмов, от изумрудного цвета до основного зелёного. Так чтоб получился плавный переход от цвета в цвет. Работа проходит с добавлением большого количества воды, практически по сырому фону(поэтому работа отсвечивает). Излишки воды можно убрать примакиванием тряпочки.


Оставляем поле сохнуть и возвращаемся к работе над небом. Набираем на кисть красную краску и рисуем насыщенную полосу над линией горизонта.


Кисть моем, чистой кистью с водой проводим линию по нижнему краю красной полосы, размываем её.


Точно также добавляем оранжевый и жёлтый цвета.


Теперь вертикальными маленькими мазками рисуем травинки, чем дальше они от нас, тем меньше.


Затем моем кисть, отжимаем и слегка размазываем травинки, как бы растираем их кистью. Рисуем красное солнышко.


Прихлопывая кистью по листу рисуем кустарники.


По линии горизонта рисуем насыщенную синею линию-лес вдалеке. И тоненькой кистью травинки на первом плане рисунка.


Тоненькой кистью делаем вертикальные синие линии, там где лес, это деревья.


Лес вдалеке выделим тонкой линией чёрного цвета(тонкая кисть), и нарисуем ветки на кустарниках.

Рисуем вместе » Живопись — как учиться рисовать красками.

Опубликовано 17 Апр 2012 в рубрике «Уроки рисования»

Я, конечно, сторонник обучения у живого преподавателя, на курсах или в художественных студиях.

Но в то же время, я понимаю, что возможность посещать занятия в студии есть далеко не у всех (хотя бы потому, что далеко не везде есть такие студии). Поэтому очень многие учатся рисунку и живописи самостоятельно. Если вы в их числе, читайте дальше!

Обучение живописи — большая и сложная задача, и непонятно, с какой стороны к этому подступиться. Однако, если понять, каким образом разбить эту большую задачу на части, учиться рисовать будет легко и интересно. А главное, будет сохраняться мотивация!

Не так давно я писала о том, какие задачи можно ставить самому себе при рисовании натюрморта. Если вы попробовали заниматься по такому принципу, давая себе конкретные, несложные в выполнении, задания, то вы уже убедились, что рисовать натюрморт — это совершенно не скучно.

При самостоятельных занятиях живописью можно точно так же составить программу обучения.

Я набросала небольшой список заданий по живописи для самостоятельной работы. Как и в рисунке, в живописи важно, чтобы сложность нарастала постепенно. Поэтому начинать лучше с тех упражнений, которые кажутся легче. Вы сами почувствуете, когда можно двигаться дальше.

По аналогии с рисунком, я пишу задания для натюрмортов. Все же, натюрморт доступен каждому. Но, при желании, эти же задания можно применять к любому другому жанру.

Живопись: учебные натюрморты.

Ставим задачу:
  • Натюрморт в технике гризайль — передача светотени.Тренируется умение решать натюрморт тонально, не отвлекаясь на цвет, — это базовое умение, без которого в живописи не обойтись. Поэтому рисовать гризайль обязательно

    Автор: Сакума

  • Натюрморт в теплых тонах и в холодных тонах. Цвет, кстати говоря,  несколько сложнее, чем принято считать. Скажем, красный может выглядеть холодным, а зеленый — теплым. Здесь играют роль освещение — искусственный и естественный свет может менять ощущение от цвета, кроме того, на восприятие цвета влияет окружение.

Ренуар, «Яблоки и цветы»

Автор: Mary Aslin

  • Натюрморт в 2 цвета. Взять одну краску теплую, а другую холодную, ну, + еще белила и сажу по необходимости. Предметы при этом не обязательно (и даже нежелательно) подбирать в тон выбранным краскам. В этом задании очень хорошо тренируется умение чувствовать температуру цвета. Ограниченная палитра заставляет намного внимательней улавливать нюансы теплого и холодного.

    Учебный натюрморт в художественной школе

  • Монохромный натюрморт.Это не гризайль, можно использовать любые краски. Попробуйте составить постановку таким образом, чтобы в натюрморте присутствовали предметы и драпировки различных оттенков, ну, допустим, красного цвета. Можно написать целую серию таких монохромных натюрмортов разных цветов.

    Автор: Егорова А.В.

  • Декоративный натюрморт.Здесь можно включить в постановку множество ярких и красочных предметов, — это разнообразные резные подсвечники, шкатулки, хохлома, ткани с яркой набивкой. Написать подобный натюрморт так, чтобы все это великолепие не развалилось на отдельные цветовые части — задача не самая простая! Но интересная.

    Автор — Алла Хорошилова

  • Стилизация. Точно также подбираем выразительные по форме предметы,  драпировки с красивыми линиями и тому подобное. Задание похоже на предыдущее, но есть существенное различие: здесь нужна не точная передача, а достаточно условная. Выделяем основные линейные мотивы и крупные цветовые пятна.

Автор: Райдо

  • Контрастные цвета.Не обязательно в таком натюрморте должны быть черные и белые предметы, хотя такой натюрморт тоже можно сделать в качестве упражнения. Но можно постараться подобрать вещи и драпировки таким образом, чтобы их цвета лежали на разных концах диаметра цветового круга. То, что контрастные цвета не могут сочетаться между собой, и вообще не должны лежать рядом — одно из стойких заблуждений. «Посмотри на грядку клубники», как говорил Артемий Лебедев (или Рома Воронежский?). Просто нужно уметь их сочетать, потренироваться вполне можно на учебной постановке.

    Автор: Холина Света

    Это то, что касается работы с цветом. Но ведь можно еще ставить задачи на передачу фактуры (стекло, дерево, металл и т. д.), на различные материалы (акварель, гуашь, масло). Можно пробовать писать в различных техниках, скажем, в технике пуантилизм. Или сделать стилизацию под витраж или мозаику.

    В общем, полет фантазии может быть безграничен!

    P. S. Еще 2 слова про акварель. Это наиболее сложный и капризный материал, требующий особого подхода. Мои рекомендации по работе с акварелью вы можете найти в статье Акварель. Некоторые тонкости.

    Содержание

    Вернуться на главную страницу

Минимальный набор художника — { Творческая мастерская Лё } — ЖЖ

Есть у меня один товарищ — скептик, который довольно часто (и без приглашения) наведывается в гости. Его интересует многое, но советы и рекомендации — особенно. 🙂 Он настойчивый парень, что ни предложи — все предлагает проверить. «Почему бы и нет?» — соглашаюсь я, весьма заманчивое условие. Тем более таким образом я могу подтвердить или опровергнуть каждый совет или рекомендацию. 😉


Наиболее настороженно скептик относится ко всякого рода творческим подсказкам. Еще задолго до начала рисования, я стала интересоваться материалами. Мне абсолютно не верилось, что можно начать с набора цветных карандашей в 6 цветов или красок в 3 (желтый, красный, синий). Зачем смешивать цвета, если можно сразу купить огромную палитру?! 🙂 Как я могу начать зарисовку/набросок/работу не имея под рукой того, этого и еще вооооон этого? 🙂

И только перепробовав множество материалов, потратив немало (!) денег, я пришла к выводу, что таки да, можно и даже нужно! Сейчас я уже составила свой минимальный набор художника (к ним я отношу всех людей, связанных с рисованием). Кстати, да, мои советы практически не отличаются от тех, которые читала когда-то я сама. Я хочу поделиться своим списком и подтвердить личным примером (и опытом), что нужно следовать (или хотя бы прислушиваться) советам, пусть иногда и некоторым, но нужно. 😉

Материалы написаны в той последовательности, в которой приобретала бы их я. Но от смены слагаемых сумма ведь не меняется?! 🙂

Итак,

0. Бумага
Это не должна быть самая лучшая и самая дорогая, хотя вполне можно купить один-два листочка такой (или блокнот/склейку), если финансы позволяют. Практически всегда можно сразу понять, подходит бумага или нет. Конечно, она должна соответствовать материалу, тоесть акварели — акварельная, пастели — пастельная, маслу — холст. 😉 И чем больше разной вы попробуете, тем четче и яснее будет представление о том, почему она такая разная бывает и какая для каких целей лучше подойдет.

1. Графитный карандаш
Я очень долго мучилась вопросом, какой же твердости/мягкости мне нужны карандаши. Покупала и упаковку на 12 шт. (ниже на фото), и поштучно. В итоге, практически всегда пользуюсь одним-двумя. Лучше всего, попробовать карандаши на твердость/мягкость в магазине перед покупкой. Если и так сложно определиться, можно приобрести упаковку, однако практичнее будет купить два-три и попробовать дома ними порисовать. Вы быстро поймете нужны ли вам другие или вы используете только один. Себе я купила также механический карандаш HB, так как иногда нужна тонкая линия. Также его не нужно затачивать, что очень удобно в дороге.



2. Клячка* (резинка)
Я не могу без резинки. 🙂 У меня их лежит с запасом на пару десятков лет, хотя пользуюсь я двумя. Одна из них — наконечник для карандаша Faber-Castell (ниже на фото), вторая — клячка. Могу со 100%-ной уверенностью сказать, что одной клячки хватит для удовлетворения всех стирательных нужд. 😉 А самое главное ее преимущество — отсутствие любых «скатышей» (так их называют?) и остатков после стирания. Но я часто рисую карандашом с резинкой-наконечником и по привычке быстренько подправляю линии последним.

* специально очищенная резинка, которую можно легко мять (как пластилин) и придавать ей любую форму. Стандартный цвет — серый, хотя некоторые производители красят их в другие цвета, что никак не отражается на качестве.


3. Точилка
Не то, чтобы незаменимый предмет, но все же хорошо иметь под рукой. Не обязательно покупать большую или дорогую, во многих случаях хватает и самой маленькой. Сначала я сама пользовалась обычной школьной, но потом купила немного побольше (слева), а увидев серенькую (справа) не удержалась и прикупила еще и ее. 🙂 В принципе, ней теперь только и пользуюсь. Так что вполне имеет смысл купить одну, но хорошую, тем более эта еще и надежна в поездках — мусор спрятан и не рассыпается.


Следующие пункты зависят от ваших предпочтений, хотя могу предположить что все же большинство из них захочется попробовать, чтобы определится со своим материалом или даже материалами. 😉 Если честно, мой скептик именно по этим пунктам прошелся с наибольшим недоверием и придирством. Могу точно заверить, что для того, чтобы понять твой это материал или нет, достаточно всего 2-3 цветов. Поняв и приняв это, вы сможете прилично сэкономить деньги и место на полках. 😉 Если бы я свое время прислушалась к этим рекомендациям, то сейчас бы у меня не лежали некоторые материалы без дела. 🙂 Но пойдем по порядку.

На выбор (№4-8):

4. Цветные карандаши
Собственно их я купила сразу две упаковки на 24 цвета каждую. 🙂 А чего мелочиться, подумала тогда я. 🙂 И именно они лежат дальше всего в ящике. Не могу я ними совсем рисовать, вот беру в руки и совсем ничего не получается… Было бы намного разумнее купить 2-3-5 штук и попробовать. Когда не знаешь с какой стороны к ним подступиться, наличие огромной палитры только усугубляет дело. 😉



5. Маркеры
Та же ситуация, что и с карандашами. Я пока не покупала себе вообще никаких маркеров, но планирую в скором времени. А так как профессиональные маркеры стоят целое состояние :), то подходить к их выбору стоит очень ответственно.

6. Гуашь
Это те краски, с которых начинала учиться рисовать я, и мой первый набор был самый дешевый из школьных. 🙂 Зато я сразу поняла — не мое и даже обрадовалась, что могу их без сожаления выбросить. С дорогими было бы явно жалко расставаться, что также является огромным плюсом в пользу дешевых. Мне очень нравится бархатистость гуаши и со временем я купила себе маленький набор профессиональной. До гуашевых работ пока дело не дошло, но с акварелью иногда использую. 😉

7. Акрил (масло)
Я не поклонник масла, поэтому напишу только об акриле. С акрилом, конечно, немного сложнее, чем с гуашью. Он стоит в разы дороже и продается, в основном, поштучно. С одной стороны это хорошо, ведь можно купить только необходимые цвета, с другой же, это очень усложняет покупку. Я бы посоветовала купить базовые цвета (желтый, красный, синий), а также белый и еще парочку по желанию (например, фиолетовый и коричневый). Мне акрил ужасно нравится, поэтому у меня была единственная проблема — краску какой фирмы выбрать. 🙂

8. Акварель
Это была любовь с первого раза! 🙂 Честно говоря, акварель я купила ради интереса. Как-то после школьной «акварели» воспоминания остались самые преужасные, поэтому и от профессиональной я ничего не ожидала. Однако попробовав всего один раз, я полюбила ее всей душой. Изначально я купила самую дешевую из профессиональных — нижняя на фото. Для экспериментов и изучения разных техник — отличный выбор! Потом я купила краски посерьезнее 🙂 и подороже (в 4 раза!), но они того стоят. Когда я стала рисовать на улице с натуры, встал вопрос о меньшем наборе, так как два имеющих ни в одну нормальную сумку не влазят, да и плечо достаточно хорошо оттягивают. 🙂 Так появился еще один набор. 🙂 А на самом деле я использую не больше 5-7 цветов и сейчас практически ни одного чистого. Иными словами, палитра в 5-7 цветов более чем достаточна, но чтобы удовлетворить свои желания можно подобрать цветов так 12. 🙂 В принципе, можно купить уже готовую, а по мере заканчивания докупать нужные цвета.



Если выбраны краски (№9-12):

9. Кисточки
С ними было очень сложно, ведь совсем не известно какие хочется купить, а какие в итоге понадобятся. У меня кисточек как у дурачка фантиков очень много, а пользуюсь я каждый день максимум тремя. Из 25-30 (а может и больше) штук, я использую всего 3! Самое печальное в этой ситуации, кисточки стоят прилично. Поэтому я посоветовала бы для любой из красок купить одну большую (для заливок или больших поверхностей), среднюю и маленькую. Наверное, не облегчила я выбор, но так оно и есть. 🙂 Большие я использую настолько редко, что одной и вправду хватит. Средняя — сама популярная. Их у меня несколько, есть даже одинаковые, что также удобно, но по большому счету — достаточно 1-2 шт., можно, например, немного большего и меньшего размера. Маленькой также достаточно одной, так как она нужна в основном только для мелких деталей и контуров. Опять же, если вы рисуете в основном огромные работы — вам нужны и кисточки соответственные, для детальных прорисовок — несколько размеров маленьких/тоненьких.



Copyright: Asha by flickr
10. Палитра
Да, их у меня тоже штук 6-7 много, но они настолько бесполезные, что прямо жаль выкинутые деньги. Действительно жаль. 🙁 Покупала я их не просто для коллекции, а разыскивая свою, единственную. И нашла в начале месяца — фарфоровую! Чем меня не устраивали все предыдущие (пластмассовые, деревянные, железные)? Отмыть краску на 100 процентов не возможно! А я терпеть не могу грязную палитру. 🙂 Естественно, деревянную я купила всего одну и для акрила (но она сразу же не прижилась), железную — в надежде, что все же краска будет отмываться полностью. Отмывается, но не акварель. Она все же понемногу въедается и въедается. А вот с фарфоровой — то, что доктор прописал! 🙂 При чем неважно, смываю я краску сразу или через день — отмывается абсолютно полностью. Такая палитра, конечно, стоит как золотая, но если посчитать сколько я уже потратила на все остальные вместе взятые, то лучше б две фарфоровые купила. 🙂 Одно НО, смешанную краску нужно постоянно перемешивать, ибо пигменты разделяются и оседают, и тогда вместо зеленого (при смешивании желтого и синего) получаются желтый и синий. Не знав об этом, я чуть было не испортила работу.

11. Стаканчик (баночка)
Естественно, без этого атрибута не обойтись, если вы рисуете красками. Но найти баночку, стакан, чашечку можно на любой кухне, так что с этим пунктом все достаточно легко. Единственное, что могу посоветовать, так это приобрести вот такой складной стаканчик, ибо в дороге он практически не занимает места и очень практичен.



12. Бумажные полотенца (тряпочка)
Это один их самых важных составляющих прекрасной работы. При работе с красками бумажные полотенца (салфетки) или тряпочка просто необходимы. Промыв кисточку от краски ее практически всегда нужно просушить и именно бумажное полотенце будет как нельзя кстати. Тряпочка тоже хороший вариант, но мне не удобно постоянно ее сушить после рисования, особенно в дороге. Поэтому я перешла на бумажные полотенца или, в крайнем случае, салфетки. Забыв взять их с собой, например, я не могу толком работать, так как кисточку не возможно просушить об пальцы или помахав в воздухе, слишком уж опасно заляпать прохожих себя и работу. 🙂

13. Прочие материалы
Сюда можно отнести все, что не вошло в предыдущие пункты — линеры, акварельные карандаши, тушь, водные кисточки, мочалки, зубные щетки… И здесь тоже важно придерживать аппетит (да-да, я знаю как это сложно сделать в художественном магазине) и покупать новые материалы поштучно. И только убедившись, что они ваши, стоит расширять палитру или разнообразие материалов.

Вроде бы ничего не забыла.. 🙂 Если у вас есть, что добавить, буду очень рада!




А еще поделитесь, какой у вас минимальный набор для рисования? Есть ли своя минимальная палитра? Какие цвета считаете must have, а без каких смогли бы легко обойтись?

11 различных стилей и техник рисования, которые должен знать каждый художник

Стоковые фотографии с сайта PicMy/Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получить партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочитайте наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении истории способы рисования художниками и используемые ими материалы менялись. Новые технологии и меняющиеся вкусы означают, что краски, используемые художниками, продолжают расширяться. Но как узнать, какой тип краски вам подходит? Многие из нас знакомы с акварелью, маслом и акриловыми красками, но художники могут исследовать гораздо больше.

В то время как некоторые виды живописи, такие как фреска и темпера, практикуются не так часто, другие переживают возрождение. Например, возобновившийся интерес к ручным надписям и росписи вывесок сделал эмалевые краски более модными, чем когда-либо.

Как художник может выбрать правильный тип краски для своего произведения искусства? Хорошее понимание характеристик каждой краски и эстетики, которую они обеспечивают, поможет вам сузить круг выбора. Некоторые техники рисования легко освоить художникам любого уровня, в то время как другие могут потребовать более продвинутых технических навыков.

Узнайте больше о различных видах красок, чтобы понять, что лучше всего подходит именно вам. Кто знает? Вы просто можете вдохновиться, чтобы попробовать новый тип живописи.

Узнайте больше об 11 типах живописи, которые помогают художникам выражать свои творческие способности.

 

Масло

«Ночь в Венеции» Леонида Афремова. Масло на холсте. (Фото: Леонид Афремов)

На протяжении веков художники использовали масляную краску для создания своих шедевров.Эта медленно сохнущая среда состоит из цветных пигментов, взвешенных в масле. Из-за длительного времени высыхания художники могут не торопиться с работой. Масляная краска часто используется для создания замечательных фактурных эффектов благодаря ее густой консистенции. Хотя с ним может быть грязно работать и требуется осторожность при работе со средами, содержащими токсичные элементы, художники по-прежнему любят его за насыщенные цвета, которые он дает. Поэтому неудивительно, что это один из самых популярных видов живописи.

Узнайте, как правильно выбрать масляную краску, из нашего удобного руководства.

 

Акрил

«Диамела» Алисы Пасквини. 2018. Холст, акрил. (Фото: Элис Пасквини)

Существует широкий спектр акриловых красок с точки зрения текстуры и времени высыхания. Эта водорастворимая краска быстро сохнет, нетоксична и экономична, что часто делает ее предпочтительным выбором для художников всех уровней квалификации. Со временем она держится лучше, чем масляная краска, так как не растрескивается и не желтеет. Существует бесчисленное множество техник акриловой краски, и, комбинируя краску с различными средами, художники получают гибкость в окончательном виде.Хотя акрил является водостойким, когда он полностью высохнет на холсте, его водорастворимая природа во влажном состоянии облегчает очистку.

Узнайте больше о разнице между акриловой краской и масляной краской, а также о лучшей акриловой краске для художников всех уровней.

 

Акварель

«Белые корабли» Джона Сингера Сарджента. Около 1908 г. Акварель. (Фото: общественное достояние через Wikicommons)

Акварель , обычно наносимая на бумагу, изготавливается из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе.Акварельная краска, известная своими прозрачными слоями, остается растворимой даже после высыхания. Это означает, что художники могут вносить некоторые исправления, даже когда картина высохла, но это также означает, что готовую работу необходимо тщательно оберегать. Существует множество акварельных техник, которые художники используют для создания разных стилей искусства, от реалистичных портретов до размытых пейзажей. Хотя бумага является наиболее распространенной основой, акварелью можно также пользоваться на таких поверхностях, как ткань, дерево, кожа и пергамент.

Ищете акварели? Посмотрите наш путеводитель по лучшим акварельным наборам.

 

Гуашь

«Молодая женщина в кресле-качалке, этюд к картине «Последний вечер» Жака Жозефа Тиссо. ок. 1873 г. Кисть гуашью и акварелью, по графиту. (Фото: Музей Гетти)

В то время как гуашь похожа на акварель в том, что ее можно повторно смачивать, этот тип краски при высыхании становится матовым и представляет собой более тяжелую краску из-за включенного в нее мела.Гуашь также имеет характеристики, подобные акрилу, в том смысле, что это непрозрачная краска. Его часто используют вместе с акварелью, и, поскольку он растворим в воде, поверх него требуется лак, чтобы запечатать готовую картину. Более новым вариантом является акриловая гуашь, в которой используется связующее вещество на акриловой основе, которое позволяет краске становиться водостойкой при высыхании.

Blick продает широкий ассортимент профессиональной и студенческой гуаши.

 

Пастель

«Сонный ребенок» Мэри Кассат.1910. Пастель. (Фото: общественное достояние через Wikicommons)

Иногда известное как «сухая живопись», использование пастели было популярно с 16-го века. Их форма палочки и отсутствие времени высыхания делают их простым и портативным решением для художников. Самые популярные пастели, известные как мягкие пастели, содержат мел, но также доступны масляные пастели восковой консистенции. Цвета обычно смешиваются прямо на подложке, и если вы ищете эффект акварельного типа, есть также водорастворимые пастели.Эти картины хрупкие, так как пигмент может отслаиваться от поверхности, поэтому их следует помещать в раму под стекло.

Узнайте больше о том, как рисовать пастелью.

 

Энкаустика

Портрет женщины из Аль-Файюм, Египет. около 100-150 гг. н.э. Энкаустика. (Фото: общественное достояние через WikiCommons)

Эта сложная техника восходит к Древнему Египту и включает добавление пигмента в горячий пчелиный воск. Полученную пасту затем обычно наносят на подготовленную древесину, хотя можно использовать и холст.Затем используются специальные инструменты для придания формы и формы жидкости перед охлаждением. Современные художники часто используют тепловые пушки, чтобы продлить работоспособность краски. Хотя энкаустика — или рисование горячим воском — может быть трудным в освоении, можно создавать сложные картины, полные размеров и цвета.

Найдите все необходимое, чтобы начать рисовать энкаустикой.

 

Далее: Откройте для себя другие техники рисования, с которыми вы, возможно, не знакомы.

Экскурсия по новейшей серии картин Дэвида Хокни

Какие это были годы?

С 1953 по 1957 год. А потом, с 1959 по 1962 год, я учился в Королевском колледже искусств — три года, и именно тогда я действительно открыл для себя свою живопись. Я не так много рисовал в Брэдфорде — я делал модели и тому подобное, но тогда мы мало что знали о цвете. Брэдфорд был очень, очень темным городом, с черными зданиями из-за угля и всего прочего.Я оставил его в 1959 году и больше никогда не возвращался.

В школе вас учили абстракции, верно?

Ну да. На протяжении пятидесятых, шестидесятых и семидесятых годов царила абстракция, но меня она никогда особо не привлекала. Сначала казалось, что абстракция приведет ко всему, но это не так, не так ли?

Я написал письмо [недавно в The Art Newspaper ], потому что прочитал рецензию на книгу под названием «За гранью абстракции» и подумал, что же это может быть.Джакометти сказал, что абстрактное искусство — это «искусство носового платка», что мне нравится. [ Смеется. ] Но я думаю, что теперь абстракция сказала свое слово. Вы должны теперь изобразить, но это должно быть сделано по-новому. Как? Это настоящая проблема на сегодняшний день.

Если подумать, абстракция возникла на пике фотографии. Эти иллюстрированные фотожурналы появились в тридцатых годах: Life , Picture Post в Англии, Illustrated . И они закончились, когда пришло телевидение.Телевидение взяло на себя все эти картинки. Я имею в виду, Picture Post выходил каждую неделю — это была очень быстрая печать, быстрая фотография. Но когда Клемент Гринберг говорил, что главное — это абстракция, это было время, когда никто не сомневался в фотографии, правда?

В Музее современного искусства, когда я был там в последний раз, кажется, там была комната, полная абстрактных картин [Герхарда] Рихтера, написанных несколькими людьми — и это было нормально. Затем вы переходите к Филипу Гастону. Ну, я имею в виду, это был просто фантастический прыжок, и я подумал: ну, так намного, намного лучше.

Да, я думаю, что абстракция станет просто историческим произведением. Вы знаете эту книгу «Сила образов»?

Нет. Каков его тезис?

Это Дэвид Фридберг. Это действительно хорошо. Она была опубликована примерно в 1990 году. Впервые я прочитал ее тогда, а затем перечитал еще раз где-то в 2005 году. Первый абзац ошеломляет. Там говорится, что образы обладают великой силой. Мы поклоняемся им. Мы отправляемся в путешествия, чтобы увидеть их. Мы хотим их уничтожить. И ты думаешь, что это все в прошлом, а он говорит, нет, это и сегодня тоже.Он указывает, что если искусство уходит от образов, то что такое искусство? Ничего особенного, потому что сила в образах.

Как вы относились к искусству, когда были ребенком?

Раньше я рисовал там, где жил. В конце концов, я купила коляску, положила в нее краски и выкатила ее, и это было намного проще. [ Смеется. ] Есть некоторые из моих картин тех лет, которые все еще существуют, но многие из них стали совсем темными. Потому что я, вероятно, использовал слишком много белого в краске — вот почему картины становятся темными.

Вы видели Моне, когда ходили в музей? Как вы думаете, они стали темнее?

Мне было интересно, но я думал, что это освещение.

Ну, я помню, что видел их в 1960 году, то есть примерно через тридцать лет после того, как их туда положили. И я помню их очень синими. И теперь часть блюза ушла. А в Музее современного искусства эти «Нимфеи» («Водяные лилии») не такие темные.

Кто-то сказал мне, что, возможно, он покрыл их лаком.Но я так не думаю, потому что Моне умел рисовать, и все его картины до сих пор имеют цвет и не потемнели. Но некоторые картины темнеют, и я не знаю, почему. На самом деле, я крашу все свои картины до последнего.

Художник также уделяет много внимания репродукции.

Да, и я был свидетелем многих изменений в печати. Я помню, как увидел первые книги об импрессионизме в художественной школе, и вам нужно было вымыть руки, прежде чем вам разрешалось прикоснуться к ним и посмотреть.И тогда они стоили около десяти фунтов — это были большие деньги для книги в 1953 году. Когда у меня была моя первая выставка в галерее [Пола] Касмина, он просто сделал одну маленькую картинку, черно-белую, и все. там было. Я не думаю, что он когда-либо выпускал каталог. А потом каталоги стали пополняться. Я помню, как — кажется, это был Роберт Хьюз — сказал, что иногда они могут быть размером с лондонский телефонный справочник. [ Смеется. ]

Я всегда следил за печатью, меня всегда это интересовало, и я всегда знал, что изображения узнают, когда их воспроизводят.Но они также должны быть запоминающимися. Вам нужны памятные фотографии. И я нарисовал немало памятных картин, не так ли?

Как вы думаете, что делает их запоминающимися?

Никто не знает.

Даже ты?

Нет, потому что если бы кто-нибудь знал, памятных картинок было бы намного больше. [ Смеется. ] Но ты не знаешь, даже когда их рисуешь. Например, «Большой всплеск» — я нарисовал его в Беркли, Калифорния, когда преподавал там.Я понятия не имел, что это будет очень известная картина.

«Большой всплеск», 1967 год. «Я понимаю, что в реальной жизни всплеск нельзя увидеть таким образом — он происходит слишком быстро», — сказал Хокни. «И меня это позабавило, поэтому я рисовал очень, очень медленно». Работа Дэвида Хокни / Фотография © Тейт

Интересны ли вам современные художники?

Ну да, есть такие. Я не уверен, что есть какие-то подходы к моему образу мыслей, но они могут.

Я думаю, что звездная система рушится, не так ли? Я имею в виду, кинозвезды сейчас, кроме Брэда Питта — что там? Газетам, кино нужны звезды, средствам массовой информации тоже нужны звезды. Они распространяют сплетни и прочее. Но где звезды сегодня? На iPhone ваши друзья — звезды на экране. Зачем вам еще одна звезда или еще один экран, когда он у вас в руках? Я имею в виду, мы не знаем, что все это делает с нами.

Это грандиозно, что происходит.

Да, очень, очень большие эти изменения. Это, вероятно, больше, чем печатный станок. Помните, Лютер печатал свои проповеди, и именно поэтому они поначалу так широко распространялись в Германии и почему Церковь не могла их контролировать. Последний запрестольный образ, заказанный церковью довольно хорошему художнику, был сделан Делакруа в Сен-Сюльпис [в Париже]. Но после этого образы покинули церковь и попали в журналы, средства массовой информации, фильмы, телевидение. Образы оказывают на нас очень сильное влияние.

Все эти проблемы мне интересны. Я все еще на работе, занимаюсь чем-то — и мне все еще интересно. Любопытство держит вас на плаву, да. [ Смеется. ]

Студия Кехинде Вили | Бруклин, Нью-Йорк

Что вас впервые заинтересовало в живописи?

В детстве я начал изучать искусство еще в Лос-Анджелесе. Впервые я пошел в художественную школу, когда мне было около 11 лет, и посещал большие музеи Южной Калифорнии.Я вырос в Южно-Центральном Лос-Анджелесе в конце 80-х и был частью среды, в которой определяющими элементами хип-хопа были: насилие, антиобщественное поведение, улицы в огне. Мне повезло, потому что моя мать была очень сосредоточена на том, чтобы вытащить меня, моего брата-близнеца и других братьев и сестер из гетто. По выходным я ходил на уроки рисования в консерваторию. После школы мы были взаперти. Это было то, что я ненавидел, конечно, но, в конце концов, это было спасением.В художественной школе мне просто нравилось делать вещи похожими на другие вещи. Это заставляло меня чувствовать себя важным. Тогда это были простые яблоки, фрукты и понимание света и тени. Оттуда я сделал тело и много автопортретов. Многое из того, что я сейчас делаю, — это что-то вроде автопортрета. Будучи студентом Художественного института Сан-Франциско, я действительно отточил технические аспекты живописи и стал искусным художником. А потом в Йельском университете стало гораздо больше споров вокруг идентичности, гендера и сексуальности, живописи как политического акта, вопросов постмодерна и т. д.

Как вы выбираете страны для участия в The World Stage?

Мировая сцена состоит из стран, которые, как мне кажется, находятся в центре внимания в 21 веке. Многие из причин, по которым я выбираю определенные сайты, связаны с уровнем любопытства, но это также связано с их более широким, глобальным, политическим значением — стратегическим для Америки и мирового сообщества в целом. Одна из причин, по которой я выбрал Бразилию, Нигерию, Индию и Китай, заключается в том, что все эти точки беспокойства, любопытства и производства, происходящие в мире, меняют наше представление об империи.Путешествуя, я начал замечать, что многие люди в других частях мира взаимодействуют с американской культурой через самовыражение чернокожих американцев. Это интересное явление. И все чаще я хочу заниматься этим вопросом. Если я нахожу на улицах Америки совершенно незнакомых парней, как это выглядит, когда это происходит в Западной Африке, в Индии? И когда я начал это делать, мне пришлось задать себе несколько вопросов. Собираюсь ли я основывать этот проект на западной живописи? Ответ все чаще был отрицательным, потому что в каждой из этих стран была богатая история.

Вне мировой сцены, почему вы в основном рисуете афроамериканцев?

Мне нравилось, когда я в детстве зашел в LACMA и увидел великолепную картину Керри Джеймса Маршалла в парикмахерской. Но при мысли об отсутствии других черных изображений в этом музее это стало очень рельефно. Было что-то абсолютно героическое и завораживающее в том, чтобы чувствовать определенное отношение к учреждению и в том факте, что эти люди на каком-то уровне похожи на меня.Одна из причин, по которой я выбрал некоторые из этих зон, связана с тем, как вы фантазируете, будь то о ваших собственных людях или отдаленных местах, и о том, как возникает воображаемая личность и внешний вид общества, а затем есть реальность, которая иногда раздражает, как работающего артиста и время от времени путешествующего. Находясь в южной Индии, эта черная американская культура хип-хопа повсюду, и видеть ее в резком рельефе на этих коричневых телах в Южной Азии — это нечто экстраординарное, то, что я хотел понять, даже не полностью понимая весь культурный контекст.Я думаю, что важно дестабилизировать себя, и я делаю это, потому что хочу видеть людей, похожих на меня.

Как вы находите свои модели?

Я снимал всех своих моделей на улицах Нью-Йорка, а в случае с The World Stage — на улицах соответствующей страны. Со мной съемочная группа, примеры моих работ и обычно со мной привлекательная женщина, потому что во всем этом взаимодействии есть что-то гомоэротично заряженное.Я, как мужчина, разговариваю с другим мужчиной и предполагаю, что какая-то красота обменивается или желается. Обычно на американских улицах существует такая культура знаменитостей, когда люди не шокированы, но их нашли. «Конечно, вы меня открыли, пора». В то время как в таких местах, как Нигерия или Бразилия, даже на Шри-Ланке люди не знали, что происходит. Потребовалось гораздо больше объяснений, и они все равно говорили: «Ну, почему я?» В Америке это «Конечно я». Во время уличных кастингов я бы сказал, что ищу поведение и чувствительность альфа-самца, но то, как это в конечном итоге выглядит, иногда может быть противоречивым.Иногда кто-то очень крупный по виду и походке оказывается в одной фотосессии с кем-то довольно маленьким. Я не думаю, что у меня есть формула для этого, но в процессе все это проявляется.

Что обычно вдохновляет картину?

Классические европейские картины дворян, королевских особ и аристократов. Моя цель состояла в том, чтобы научиться иллюзионистски рисовать и овладеть техническими аспектами, а затем обогатить это великими идеями.Меня учили раскрашивать тело, копируя картины старых мастеров, так что каким-то странным образом это возвращение к тому, как я зарабатывал себе на жизнь — проводил много времени в музеях и пялился на белую плоть. Если вы посмотрите на мои картины, то увидите что-то о губах, глазах и слизистых оболочках. Только об этом? Нет. Спрашивается: «Что эти ребята делают?» Они принимают позы колониальных хозяев, бывших хозяев Старого Света. Всякий раз, когда я делаю фотосессии для картин, я вытаскиваю стопку книг, будь то что-то из Высокого Возрождения, или позднего французского рококо, или 19 века, все это свалено в одну большую мешанину.Я вынимаю фигурку из ее первоначального окружения и помещаю во что-то полностью выдуманное. Большинство фонов, которые я в конечном итоге использую, являются чисто декоративными элементами. Вещи, происходящие из таких вещей, как обои или архитектурное украшение фасада здания, в каком-то смысле лишают картину какого-либо чувства места или местоположения, и находятся строго в области декоративности. Для фона в серии «Мировая сцена» я ищу традиционные декоративные предметы, текстиль или религиозные предметы этой культуры, на которые можно опираться.

Почему в вашей серии «Экономика благодати» вы решили рисовать женщин?

Причина, по которой я сейчас рисую женщин, заключается в том, чтобы прийти к соглашению с изображением пола и тем, как это представлено в искусстве исторически — средство расширить разговор. Любое рассмотрение мужской силы в живописи, естественно, включает в себя присутствие женщин в этом диалоге. «Экономия благодати» — это исследование присутствия женщин в живописи, но в более широком смысле — это исследование переговоров о силе в создании изображений.Для этой части работы я искал вдохновения в светских портретах 18-го и 19-го веков. В то время для знати было обычным делом заказывать уникальную одежду для портретной живописи. Работая над этим проектом с крупным домом моды (Givenchy), мы адаптируем эту традицию к 21 веку. Я всегда был большим поклонником работ Givenchy и Риккардо Тиши, так что это была прекрасная возможность поработать с ним.

Становится трудно сказать, была ли картина создана компьютером или человеком и был включен в качестве образца изображения для тестов AAIL.Цагарис находит А.И. искусство «увлекательно» и считает алгоритм скорее равным, чем разрушительной угрозой. «Мне любопытно посмотреть, как будет развиваться этот проект по мере дальнейшего развития технологии», — говорит он. «То, как выглядят созданные человеком картины, созданные машиной, — это одно; принеся А.И. художника до уровня, на котором он может создать концепцию, ряд эмоций, на которых он будет основывать картину, которую он создаст, — это совершенно другой уровень». Он больше похож на Филипа К. Дика, чем на Клемента Гринберга: «Я хочу видеть искусство, созданное в уме и сердце А.Я. художник».

Искусствовед и критик Джеймс Элкинс менее оптимистичен. «Это раздражает, потому что [алгоритмы] создаются людьми, которые думают, что в искусстве важны стили, а не социальные контексты, смысл и выразительная цель», — говорит он. «Одним из следствий этого узкого понимания того, что интересно, является то, что оно подразумевает, что стиль картины достаточен, чтобы сделать ее шедевром». Элкинс также не верит, что художники в ближайшее время пойдут по пути сапожников и таксистов. «Если люди-художники перестанут заниматься искусством, — утверждает он, — то же самое сделают и компьютеры.

Майкл Коннор, художественный руководитель Rhizome, некоммерческой организации, предоставляющей платформу для цифрового искусства, соглашается. Он описывает разрыв между художниками, использующими кремний и углерод, как широкий и глубокий: «Создание искусства — не единственная роль художника. Это также создание коллектива, обучение, активизм, использование социальных сетей, создание бренда». Он предполагает, что картина, которую генерирует алгоритм Эльгаммала, является искусством в том же смысле, что и то, что рисует фальсификатор, является искусством: «Этот вид искусства алгоритма подобен подделке.Это странная копия человеческой культуры, которую изучает машина». Он добавляет, что это не обязательно плохое : «Как и римские статуи, которые являются копиями оригинальных греческих фигур, даже копии со временем могут приобретать внутреннюю ценность». Эльгаммаль быстро указывает, что кривая обучения его алгоритма идеально соответствует процессу взросления человека-художника. «В начале своей карьеры такие художники, как Пикассо, сознательно или бессознательно подражали или следовали стилю художников, с которыми они сталкивались.Затем, в какой-то момент, они вырвались из этой фазы имитации и исследовали новые вещи и новые идеи», — говорит он. «Они перешли от традиционных портретов к и. Это именно то, что мы пытались внедрить в алгоритм машинного обучения».

И, как у настоящего начинающего художника, у алгоритма вот-вот будет свое первое шоу на одной машине. На выставке «Нечеловеческое: искусство в эпоху искусственного интеллекта», которая пройдет в октябре этого года в Лос-Анджелесе, будут представлены 12 оригинальных произведений, созданных искусственным интеллектом и использованных в исследовании Рутгерса. И после этого дебюта у алгоритма Эльгаммала есть много возможностей для карьерного роста. Это связано с тем, что кодеры в лаборатории Рутгерса не использовали все «коллативные переменные», которые можно использовать для повышения «потенциала возбуждения» изображений, генерируемых алгоритмом. Чем выше потенциал возбуждения (до определенного предела), тем приятнее ИИ. искусство для людей (и тем более вероятно, что они его купят).

Несмотря на все усилия А.И. Скептики искусства, вот что должно заставить художников и дилеров, которые их представляют, нервничать: Эльгаммаль утверждает, что изображения, генерируемые его компьютерным кодом, со временем будут становиться только лучше.«Углубившись в историю искусства, мы сможем написать код, который заставит алгоритм исследовать новые элементы искусства», — уверенно говорит он. «Мы уточним формулировки и подчеркнем наиболее важные для эстетики свойства, вызывающие возбуждение: новизну, неожиданность, сложность и загадочность».

Неожиданность и недоумение — не совсем Артфорум модные словечки. Но дайте алгоритму время на улучшение и компиляцию работы, и они могут быть.Эльгаммаль настаивает на том, что эта технология не является чем-то одноразовым. Он предполагает, что для поддержки его вызывающего возбуждение цифрового искусства будет создана целая инфраструктура: галереи, агенты, онлайн-аукционы, даже аутентификаторы (услуга, которую, несомненно, будет оказывать еще один алгоритм AAIL).

Эта формула упрощает задачу

Оценка произведений искусства — одна из самых сложных задач, с которыми сталкиваются начинающие художники, особенно когда они только начинают работать с галереями и начинают свой арт-бизнес.Читая статьи об арт-бизнесе и книги по арт-маркетингу, легко увидеть, что мнения экспертов о том, как оценивать ваши произведения искусства, различаются.

Простая формула оценки искусства: (квадратные дюймы x ваша цена за дюйм) + (стоимость материалов / процент комиссии галереи)

Чтобы еще больше усложнить ситуацию, мы, художники, иногда оцениваем наши эмоции. Некоторые художники завышают цены на свои работы, чтобы произвести впечатление на зрителей, надеясь сделать произведение более ценным. Иногда это работает, но обычно только тогда, когда коллекционер наивен или когда произведение искусства эффектно и привлекает внимание серьезных коллекционеров.

Когда я оцениваю на эмоциях, я склонен снижать цены, потому что мне жаль, что коллекционеру приходится тратить так много. Не вините меня за это… это правда. Я чуткий тип, но мне нужно быть осторожным, чтобы не оценивать свою работу на основе того, как я к ней отношусь или коллекционеры. Другими словами, мне нужно посмотреть, как продавать и оценивать мои работы объективно.

Связанный: Как продать свое искусство и заработать деньги как художник

Otter Point, Acadia Лори Вудворд, бумага, акрил, 7 x 13.5.

Простая формула ценообразования Искусство

Оставив эмоции в стороне, позвольте мне поделиться простой формулой, которую использовали многие из моих друзей-художников, когда только начинали продавать свои работы. Я до сих пор использую эту формулу. Помните, что цена вашего произведения искусства больше отражает ваше положение и репутацию в мире продаж произведений искусства, чем то, как оно выглядит. Если вы малоизвестны среди коллекционеров и не имеете достаточного опыта, вы действительно не сможете получить те же цены, что и художники, которые выигрывали художественные конкурсы или выставлялись в галереях.

Когда вы только начинаете, хорошей идеей будет сделать вашу работу максимально доступной, но при этом иметь возможность получать небольшую прибыль. Не берите так мало, чтобы не остаться безубыточным. Помните, что галереи часто берут 50-процентную комиссию с продаж, так что вам придется принять это во внимание.


Оцените свою работу по простой формуле:

  1. Умножьте ширину картины на ее длину, чтобы получить общий размер в квадратных дюймах.Умножьте это число на установленную сумму в долларах, соответствующую вашей репутации. В настоящее время я использую 6 долларов за квадратный дюйм для картин маслом.
  2. Подсчитайте стоимость холста и рамы, а затем удвойте это число. Например: Пейзаж маслом на холсте размером 16 x 20 дюймов: 16 x 20 дюймов = 320 квадратных дюймов. Я оцениваю свои картины маслом в 6 долларов за квадратный дюйм. 320 x 6 = 1 920,00 долларов, и я округляю это до 1 900 долларов. Моя рама, холст и материалы обошлись мне в 150 долларов (я покупаю раму оптом). Я удваиваю эту стоимость, чтобы получить все назад, когда картина будет продана в галерее.В противном случае я субсидирую коллекционера, отдавая ему или ей рамку бесплатно. 150 долларов x 2 = 300 долларов.
  3. Затем я сложил все вместе: 1900 долларов + 300 долларов = 2200 долларов (розничная цена). Когда картина продается в галерее, моя доля после выплаты 50-процентной комиссии составляет 950 долларов за картину и 150 долларов за раму, что в сумме составляет 1100 долларов.

Для более крупных изделий я снижаю цену за квадратный дюйм на ступеньку ниже… может быть, на доллар или два ниже, чтобы моя работа не оценивалась выше, чем может выдержать моя репутация. В качестве альтернативы, для небольших работ я увеличу доллар за квадратный дюйм, потому что небольшие работы требуют почти столько же усилий, как и более крупные, и мне нужно компенсировать мой опыт, даже если работа миниатюрная.

Садовый сарай, холст, масло, 12″ x 16″, Лори Вудворд

Это не единственный способ оценить ваши произведения искусства, но он позволяет поддерживать постоянство моих цен. Имейте в виду, что мои цены были намного ниже 10 лет назад, когда мои работы были относительно неизвестны коллекционерам.Здесь важно отметить, что когда у меня хороший год продаж, я поднимаю цены на 10 процентов. Когда экономика плохая или мои продажи идут медленно, я вообще не поднимаю цены.

Надеюсь, это даст вам отправную точку. Если вы просто продаете на местных выставках под открытым небом и выходите на арт-рынок, я бы посоветовал вам держать свою сумму в долларах намного ниже моей. Я продаю свои работы уже 14 лет.

Лори Вудворд — талантливая художница, которая продает картины и ведет информационные блоги для арт-сообщества.


Дополнительные ресурсы для вашей творческой карьеры

Как зарабатывать деньги художнику: руководство

Ваш путеводитель по продаже произведений искусства во время праздников

Как использовать Instagram, чтобы взять под контроль свою художественную карьеру

Подкаст Art Bound, Эп. 14: Переход к штатному художнику


Пикассо закрасил работу другого художника, а затем свою собственную, раскрывается новый образ | Наука

AUSTIN— Под мазками кисти Пабло Пикассо, написанной маслом в 1902 году, La Miséreuse accroupie ( Крадущийся нищий ) скрыта работа другого художника из Барселоны, Испания.И основная работа, кажется, вдохновила некоторых артистов Пикассо. Горы на оригинальной картине — пейзажная сцена — стали контуром задней части предмета в работе Пикассо, на которой изображена присевшая женщина в плаще.

Специалистам известно о скрытом изображении с 1992 года, когда с помощью рентгенографии впервые были исследованы нижележащие слои картины. Но новая работа с использованием современных методов обработки изображений раскрывает больше деталей не только об оригинальной картине, но и о картине Пикассо.Исследователи обнаружили еще один скрытый слой: под плащом женщины Пикассо нарисовал изображение ее руки, сжимающей кусок хлеба, о чем команда объявила сегодня на ежегодном собрании AAAS, которое публикует Science .

Открытие позволяет нам «заглянуть в голову Пикассо и понять, как он принимал решения, когда рисовал холст», — говорит Марк Уолтон, специалист по культурному наследию из Северо-Западного университета в Эванстоне, штат Иллинойс, и ведущий исследователь. на учебе.«Он переработал, он трудился над покраской этого отдельного элемента, но в конце концов решил отказаться от него».

Во время недавних работ по консервации в Художественной галерее Онтарио в Торонто, Канада, где находится La Miséreuse accroupie , реставратор Сандра Вебстер-Кук заметила цвета и текстуры, «проглядывающие сквозь линии трещин», которые не соответствовали тому, что находился на поверхности картины. Ей было интересно, было ли это частью лежащего в основе пейзажного изображения или это было что-то еще, поэтому она и куратор Кеннет Браммель попросили экспертов по неинвазивным методам визуализации копнуть глубже под поверхность картины.

Пабло Пикассо создал La Miséreuse accroupie во время своего синего периода, когда он рисовал оттенками синего и сине-зеленого.

© Picasso Estate

Первым был Джон Делани, специалист по визуализации в Национальной художественной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия, который сделал снимки картины с помощью гиперспектральной инфракрасной рефлектографии, метода, при котором объект освещается светом с разной длиной волны. из которых исследуют глубже, чем другие. (Краска становится прозрачной при определенных длинах волн, в зависимости от того, из чего она сделана.) Проанализировав свет, отраженный от картины, он смог увидеть исходное изображение пейзажа, но он также впервые смог увидеть скрытую руку Пикассо. «Нам было очень интересно узнать, что Пикассо внес изменения в свою картину», — говорит Вебстер-Кук.

Чтобы получить более детальное представление о скрытой руке, Уолтон и его коллеги проанализировали картину с помощью макрорентгенофлуоресцентного изображения. Прибор, просвечивающий картину рентгеновскими лучами, позволяет исследователям увидеть, какие химические элементы — свинец, кадмий, железо — присутствуют в разных частях картины не только на поверхности, но и в более глубоких слоях.И это полезно, потому что может открыть окно в неповерхностные слои и рассказать экспертам о цветах, используемых для их окраски. Например, в белой краске, которую использовал Пикассо, много свинца, и скрытая рука, окрашенная в белый цвет, была особенно видна на изображении, показывающем, где была применена краска на основе свинца.

Исследователи установили рентгеновский флуоресцентный прибор для исследования нижних слоев картины Пабло Пикассо «Отверженность » .

© Художественная галерея Онтарио (AGO)

Этот тип изображения не нов, но инструменты. Раньше эту технику можно было проводить только в лаборатории, оснащенной дорогим оборудованием. Уолтон и его коллеги разработали «простой набор для самостоятельной сборки», который легко принести в художественную галерею и стоит всего 1000 долларов, при условии, что у исследователя уже есть портативный рентгеновский отражательный спектрометр (распространенный во многих учреждениях культурного наследия). , — говорит Уолтон). Многие учреждения «не хотят, чтобы произведение искусства путешествовало, поэтому теперь мы можем привнести технологии в музеи», — говорит он.

Это «феноменальная» работа — как с точки зрения того, что она раскрывает о мастерстве Пикассо, так и с точки зрения развития новых технологий, — говорит Дженнифер Масс, специалист по культурному наследию из Центра научного анализа изобразительного искусства в Филадельфии, штат Пенсильвания, которая сделала аналогичные изображения. работал над еще одной картиной Пикассо, но не участвовал в новом исследовании. «Это настоящий прорыв в области того, что возможно внутри музея».

Это также дало толчок к новым исследованиям в истории картины. Браммель, приехавший в Барселону 2 недели назад с исследовательской поездкой, пытается разгадать, кто нарисовал сцену, которую замазал Пикассо. Он выяснил, что на ней изображено место недалеко от Барселоны. А информация о том, какие краски использовались, которая сейчас компилируется с новыми данными, расскажет ему о палитре художника и о том, была ли это дневная или ночная сцена, — информация, которая «станет ключевой, чтобы [помочь] выяснить, кто нарисовал его и когда», — говорит он.

Ознакомьтесь со всеми нашими репортажами о AAAS 2018.

Как отправить картины | Пошаговое руководство для художников и галерей

 

Я занимаюсь галерейным бизнесом с 1993 года. Хотя теперь я владею галереей Xanadu Gallery в Скоттсдейле, штат Аризона, я начал свой бизнес с первого этажа. Моя первая работа была в подсобке, я отправлял произведения искусства в галерею западного искусства в Скоттсдейле. В галерее был большой объем продаж, поэтому я получил большой опыт в упаковке, упаковке и доставке произведений искусства любой формы и размера. Я отправлял картины и скульптуры, большие и маленькие, и узнал, что важно для того, чтобы произведения искусства доставлялись в целости и сохранности.

За прошедшие годы я, конечно, усвоил некоторые уроки на собственном горьком опыте – не все части прибыли в целости и сохранности. Иногда, несмотря на все мои усилия, компания по доставке повреждала произведение искусства, а иногда я пренебрегал незначительной деталью, что приводило к катастрофе при доставке. В конце концов я стал в этом весьма искусен, и хотя в конце концов я перешел на должность продавца и в конце концов открыл свою собственную галерею, я продолжал время от времени пробираться в отдел отгрузки, чтобы попрактиковаться.По сей день я иногда сам упаковываю и отправляю произведение искусства — есть что-то приятное в физическом акте отправки произведения искусства.

Судоходство — это и наука, и искусство, и я хотел бы поделиться с вами некоторыми уроками и методами, которые я усвоил за эти годы.

Хотя доставка для меня почти вторая натура, я знаю, что она представляет собой сложную проблему для многих художников и галеристов. Я знаю это не понаслышке: некоторые коробки, которые я получаю в галерее, ужасно упакованы.Из этих коробок видно, что многие художники либо не знают, как эффективно доставлять свои работы. Или знают, но им все равно. Я надеюсь, что смогу сделать вашу жизнь немного проще, когда в следующий раз вам нужно будет отправить картину.

В то время как этот документ посвящен отправке двухмерных произведений искусства — картин, гравюр, фотографий — я надеюсь, что в ближайшие несколько месяцев появится сопутствующий документ о доставке скульптуры.

Отказ от ответственности

Хотя советы, которыми я делюсь с вами, основаны на многолетней практике и опыте, в области доставки изобразительного искусства нет никаких гарантий.Иногда, несмотря на все ваши усилия, произведения искусства повреждаются при транспортировке. Я не могу гарантировать, что каждая вещь, которую вы отправляете с использованием описанных ниже методов, будет доставлена ​​в целости и сохранности, но они помогут вам повысить ваши шансы.

Еще одна важная вещь, о которой следует помнить, это то, что каждая картина предлагает свои уникальные задачи. Хотя эти рекомендации будут работать в большинстве случаев, иногда вам придется адаптировать их для удовлетворения потребностей вашей индивидуальной ситуации.

 

 

Прежде чем приступить к отправке произведений искусства, я преследую три основные цели.Я перечислил их здесь в порядке убывания важности.

Безопасность

Один из худших звонков в арт-бизнесе, который только можно себе представить, — это звонок от клиента, который получил произведение искусства, поврежденное при транспортировке. Каким бы великолепным ни было произведение искусства, как бы хорошо вы ни служили своему коллекционеру, если произведение искусства прибудет поврежденным, ваш покупатель будет расстроен. Позже мы обсудим, как смягчить разочарование вашего клиента и превратить катастрофу в возможность обеспечить исключительное обслуживание клиентов, но гораздо лучше, в первую очередь, избежать ущерба.

По моему опыту, большинства повреждений можно избежать при тщательном планировании и упаковке, и это должно быть целью № 1 при отправке произведений искусства.

Профессионализм

Я часто заявлял, что художники и галеристы так же заняты перформансом, как и визуальным искусством. Мы хотим донести до коллекционеров, что произведение искусства, которое они только что купили или собираются купить, является шедевром. Все, что мы делаем в связи с физическим произведением искусства, должно усиливать это послание.Обращаясь с искусством, мы должны делать это уважительно и почти благоговейно. Это относится и к способу доставки произведений искусства. Когда произведение искусства оказывается на пороге вашего клиента, вы хотите, чтобы упаковка выглядела так, как будто она достойна произведения искусства внутри, а не того, что упало с мусоровоза.

Эффективность / Экономия / Экология

Наконец, я не хочу, чтобы мои транспортные расходы съедали мою прибыль настолько, что продажа стала невыгодной. Хотя безопасность и профессионализм, безусловно, стоят на первом месте, эти заботы должны быть сбалансированы с вашими затратами.Да, вы можете зафрахтовать самолет и лично доставить произведение искусства вашему клиенту, чтобы убедиться, что оно доставлено безопасно и профессионально, но такой подход не будет ни экономичным, ни эффективным (вероятно, не таким уж и экологически чистым). В конечном счете, я хочу отправить произведение искусства с наименьшими затратами, сохраняя при этом безопасность и профессионализм. Эти факторы можно сбалансировать, и я дам вам совет, который сэкономит вам деньги.

Нам также повезло жить во времена «зеленой» революции, когда переработанные материалы и энергоэффективный транспорт становятся все более доступными.Я стараюсь использовать переработанные материалы везде, где это возможно, и многие транспортные компании позволят вам купить компенсацию выбросов углекислого газа недорого. С небольшим тщательным планированием вы можете свести к минимуму воздействие вашей деятельности по доставке произведений искусства на окружающую среду.

 

 

Мой тесть днем ​​работает адвокатом, а ночью и по выходным работает плотником. У него прекрасная столярная мастерская, где он изготавливает прекрасную мебель. Я в восторге от тонкой и точной работы, которую он выполняет в магазине.Его успех в равной степени состоит из мастерства, практики, таланта и творчества. Он может вообразить предмет мебели, а затем спроектировать и выполнить дизайн, который позволит ему воплотить мебель в точном соответствии с его видением.

Несмотря на то, что его талант, мастерство и креативность жизненно важны для выполнения его работы, все это было бы невозможно без огромного набора инструментов, которые он собрал за всю свою жизнь, работая с деревом.

К счастью, доставка гораздо менее требовательна, чем изготовление изысканной мебели, но важность наличия и использования правильных инструментов аналогична.Ваша доставка будет проще и безопаснее, если у вас есть правильные инструменты.

Примерно за 100 долларов вы можете собрать базовый набор инструментов для доставки. У меня есть пять любимых инструментов, которые я постоянно использую при доставке. Хотя время от времени может пригодиться несколько дополнительных инструментов, эти инструменты — хорошее место для начала.

Не экономьте на этих инструментах. Вы можете заплатить немного больше, чтобы получить инструменты высокого качества, но эти инвестиции быстро окупятся за счет повышения производительности и профессионализма.Хороший инструмент прослужит долгие годы; вы захотите избавиться от бедняги как можно быстрее. Другими словами, в долгосрочной перспективе вы на самом деле потратите меньше, покупая и поддерживая инструменты хорошего качества.

 

Инструменты доставки | Слева направо: Т-образный угольник, рулетка, рулетка, нож (канцелярский нож), маркер, калибратор коробок, транспортировочные весы

 

My Shipping Toolkit содержит следующее:

Нож (канцелярский нож)

Высококачественный, прочный нож для резки коробок с большим количеством лезвий — один из самых важных и часто используемых инструментов. Как только вы начнете серьезно заниматься поставками, вы будете резать картон как сумасшедшие. Если ваш нож не будет крепким и острым, ваши порезы будут грязными. Тупой или шаткий нож заставит картон смяться и согнуться, а не порезаться.

Лезвия в ноже меняю после каждых пяти упаковок, при необходимости чаще. Лезвия дешевы, особенно если вы покупаете их оптом.

Пистолет для ленты

Для моего лентопротяжного пистолета я предпочитаю пистолет с ручкой, которая удерживает 2-дюймовую упаковочную ленту.Найдите тот, который обеспечивает способ регулировки сопротивления пистолета, обычно с помощью ручки или винта на ролике ленты. Вы поймете, почему это важно, позже, когда я покажу вам, как наиболее эффективно использовать оружие.

Т-образный квадрат

Хороший Т-образный угольник поможет вам сделать прямые и ровные разрезы при модификации ваших коробок. Т-образный квадрат в основном используется строителями, которые устанавливают гипсокартон, ширина которого обычно составляет 48 дюймов. Я собираюсь порекомендовать вам купить картон шириной 48 дюймов, что делает его идеальным инструментом для измерения разрезов.

Шулер

Ничто не сравнится с маркером для маркировки картона для резки. Карандаш также работает, и некоторые могут возразить, что ошибочную карандашную пометку легче скрыть или стереть, но мне нравится быстро и смело записывать свои оценки, чтобы не было места сомнениям. Маркерную линию трудно не заметить или спутать, поэтому она идеально подходит для маркировки упаковочных материалов.

Я покупаю универсальные маркеры Sharpie десятками, чтобы не беспокоиться о том, что они закончатся.

Размер коробки

Все остальные инструменты из этого списка довольно распространены, и их легко найти в ближайшем хозяйственном магазине. Последний инструмент в моем наборе инструментов, размер коробки, является немного более специализированным, и его, возможно, придется заказывать в Интернете. Но это незаменимо, как только вы научитесь им пользоваться. По сути, это регулируемый инструмент, позволяющий делать ровные и гладкие насечки на картоне. Эти оценки затем позволяют вам складывать картон там, где вам нужно. С помощью размера коробки вы можете изменить коробки в соответствии с вашими потребностями или даже создать коробки из необработанного картона.На самом деле я гораздо чаще использую этот инструмент при упаковке скульптур, но он также часто оказывается полезным при упаковке картин.

 

 

Точно так же, как наличие нужных инструментов под рукой упрощает профессиональную упаковку произведений искусства, наличие под рукой нужных расходных материалов упростит вашу жизнь при доставке и избавит вас от хлопот при продаже.

В то время как поставщики упаковки предлагают огромное разнообразие расходных материалов — коробки любой формы и размера, ленты любой ширины, большие и маленькие пузыри, арахис — вы можете удовлетворить большинство своих потребностей в упаковке, имея лишь небольшой арсенал.

Опять же, цель состоит в том, чтобы иметь возможность сделать больше с наименьшими затратами.

Вот припасы, которые я всегда стараюсь иметь в своем инвентаре. Хотя иногда мне приходится заказывать специальную коробку для определенного произведения искусства, в девяти случаях из десяти я могу упаковать любое двухмерное произведение искусства, которое мне попадется, используя только эти материалы:

.

Коробки

Для отправки картин я использую коробки трех основных размеров.

28” x 4” x 24”

37 дюймов x 4 3/8 дюйма x 30 дюймов

36 дюймов x 6 дюймов x 42 дюйма
Размеры у вашего поставщика могут немного отличаться, но большинство из них будут иметь коробки, очень близкие к этим размерам.

Два больших размера представляют собой телескопические ящики. Телескопические коробки с картинками — это потрясающе, потому что вы можете использовать только одну, если произведение искусства подходит, или, если работа больше, чем одна коробка, вы можете сдвинуть две коробки вместе, чтобы сделать большую коробку. С небольшой операцией вы даже можете соединить четыре коробки вместе, чтобы вместить еще более крупные детали.

Коробки относительно недороги и при правильном использовании обеспечивают достаточную защиту, чтобы ваши произведения искусства были в безопасности при транспортировке.

 

Телескопическая коробка для зеркала

 

Палетная лента и обертка (ширина 4 дюйма и ширина 24 дюйма)

Эта универсальная полиэтиленовая пленка идеально подходит для защиты вашего искусства перед боксом.Он очень похож на полиэтиленовую пленку, которую вы используете на кухне, чтобы накрыть запеканки и другие продукты, которые вы хотите сохранить свежими в холодильнике. Как следует из названия, его основная функция заключается в обертывании коробок на транспортировочных поддонах, но ниже я покажу вам, как вы можете использовать обертку в качестве защитного покрытия для ваших произведений искусства от царапин и потертостей.

 

Пластиковая упаковка для поддонов

 

Картонные прокладки 48 x 96 дюймов (одинарные и двойные стенки)

Это большие плоские листы картона, которые можно использовать в любое время, когда вам потребуется дополнительная прокладка или упаковка. Вы увидите, что я использую эти прокладки, чтобы обеспечить дополнительный слой картона между вашим рисунком и миром, но вы также можете использовать их, когда вы настраиваете коробку и в конечном итоге получаете зазор, или когда вам нужно дополнительное дополнение на угол.

Пузырчатая пленка

Ваши дети (или внуки (или вы!)) обожают топать пузырчатой ​​пленкой, чтобы создать приятную маленькую «хлопушку». Может быть немного трудно поверить, что нечто, что так легко лопается, обладает невероятной силой для защиты ваших драгоценных картин. В то время как любой отдельный пузырь легко лопнуть, лист пузырей, работающих согласованно, вытягивает удивительное количество силы, распределяя давление и удар по широкой области.

Воздушно-пузырчатая пленка смягчает рисунок и заполняет пространство, предотвращая нежелательное движение внутри упаковки. При отправке картин лучше всего использовать пузырчатую пленку — никогда не используйте арахис из пенополистирола при отправке картин (подробнее об этом позже).

Я заказываю от двух до четырех булочек за раз, чтобы всегда иметь их под рукой. Иногда я использую маленькие пузырьковые рулоны, но подавляющее большинство моих поставок требуют, чтобы я использовал более крупные, 1-дюймовые пузырьковые рулоны.

Раньше я заказывал как рулоны шириной 36 дюймов, так и 24 дюйма, но обнаружил, что использую гораздо больше рулонов шириной 24 дюйма, и в интересах экономии места решил заказать только рулоны шириной 24 дюйма, полагая, что всегда можно использовать больше. листы для тех случаев, когда мне нужно больше ширины.

Я также всегда заказываю пузырчатую пленку, которая уже перфорирована с интервалом в 12 дюймов. Перфорация делает измерение и резку намного проще и чище, а стоит столько же, сколько и рулоны без перфорации.

Мы подвешиваем рулоны на проволоке к потолку в нашем складском помещении таким образом, чтобы рулон не мешался, но при этом был легко доступен и разматывался.

 

24-дюймовая пузырчатая пленка – перфорация через каждые 12 дюймов

 

Упаковочная лента

Я скажу это только один раз, но скажу решительно:

Купите самую лучшую упаковочную ленту, которую только можете себе позволить!

Я знаю, что у всех нас есть бюджеты, и нам приходится прикладывать усилия, чтобы эти бюджеты соответствовали нашим постоянно растущим потребностям. Хотя я понимаю, что каждая копейка на счету, упаковочная лента — это не та область, где вы должны экономить эти копейки.

Я уже получал посылки, в которых арт буквально выпадал из коробки, потому что лента не держалась. Дешевую ленту сложнее наклеить, сложнее разрезать и она не приклеивается. В конечном итоге вам придется использовать в два-три раза больше ленты для крепления коробок, и даже в этом случае вы рискуете, что она не будет работать эффективно.

Дешевая упаковочная лента может на самом деле стоить вам дороже, не говоря уже о клиенте, особенно если ваша работа повреждена из-за того, что лента не работает.

Я всегда использую ленту толщиной 3,5 мил (это 3,5 тысячных дюйма) в рулонах шириной 2 дюйма. Как правило, это будет самый тяжелый из доступных вариантов, но если вы сомневаетесь, спросите у своего поставщика, какая у них лучшая лента, или просто купите самый дорогой вариант.

Наклейки «Хрупкие»

Я не могу вспомнить, где я это слышал, но кто-то однажды сказал: «Наклеивание «хрупких» этикеток на всю посылку гарантирует, что компания по доставке выбросит посылку из-под руки, а не через руку.

Вероятно, это правда. Я предполагаю, что сотрудники службы доставки через некоторое время становятся довольно невосприимчивыми к этим наклейкам.

Несмотря на это, я использую большие хрупкие наклейки на каждую посылку. Транспортная компания может не обращать на них особого внимания, но они заставляют меня чувствовать себя лучше, и они дают понять моим клиентам, что я забочусь о них.

 

 

Теперь, когда у нас есть инструменты и расходные материалы, мы готовы начать упаковывать наше первое произведение искусства. В идеале у вас в студии должно быть специальное место для доставки, где вы храните все свои расходные материалы и инструменты, а также большой стол для работы.Если это не так, очистите самую большую плоскую поверхность, которую вы можете найти — ваш обеденный стол, вероятно, является следующим лучшим кандидатом, поскольку лучше работать на высоте стола, чем на полу.

Размер

Первым шагом при упаковке картины является определение коробок и материалов, которые вы собираетесь использовать, а затем планирование их оптимального использования. Этот процесс начинается с измерения вашего произведения искусства.

Я начинаю с определения того, какую внешнюю коробку я буду использовать. Мое общее эмпирическое правило заключается в том, что я хочу найти коробку, которая дает мне минимальный зазор около 2 дюймов по всему периметру произведения искусства.

В качестве иллюстрации предположим, что у нас есть картина размером 18 x 18 дюймов и глубиной 1,5 дюйма. Поэтому нам понадобится внешняя коробка размером не менее 22 x 22 дюйма и толщиной около 5,5 дюймов.

В этом случае я бы использовал свою коробку 28 x 4 x 24 дюйма. Это немного больше, чем нам нужно, но поскольку эта упаковка недостаточно велика, чтобы выдерживать габаритный вес (см. раздел «Объемный вес» ниже), мы будем платить за вес коробки, а не за ее размер. Так что эта коробка будет работать нормально.

Вы заметите, что глубина ящика не дает мне полного 2-дюймового зазора спереди и сзади, но у меня будет больше дюйма.Если деталь не очень хрупкая, ничего страшного. Глубина не такая большая проблема, как высота и ширина, потому что края и углы являются наиболее подверженными повреждениям областями произведения искусства. Мы также собираемся упаковать наши работы в двойную упаковку, что даст нам дополнительный уровень защиты.

Конечная цель масштабирования — предоставить себе достаточно места для защиты художественного произведения от внешнего мира и удовлетворить требования нашей транспортной компании к прокладке. Большинство транспортных компаний возместят ущерб только в упаковке, которая дает вам этот 2-дюймовый буфер.Обязательно ознакомьтесь с политикой вашей транспортной компании в отношении повреждений и упаковки, чтобы убедиться, что вы соответствуете их требованиям.

Габаритный вес

Другим фактором, который следует учитывать при планировании упаковки, является политика габаритного веса вашей транспортной компании. Если бы ваша компания по доставке всегда взимала с вас плату за доставку, основываясь исключительно на весе вашей посылки, рассчитать и свести к минимуму ваши расходы на доставку было бы довольно легко. К сожалению, это не случай. Поскольку размер посылки влияет на количество посылок, которые транспортная компания может перевезти, так же, как и вес, компании придумали способ учитывать оба измерения путем расчета «объемного веса» посылки.Если посылка превышает определенный порог размера, перевозчик будет взимать плату в зависимости от размера или фактического веса; в зависимости от того, что больше.

Хотя это звучит сложно, разобраться в этом довольно просто. Просто свяжитесь со своей компанией по доставке и спросите их, как они рассчитывают объемный вес и каковы их пороговые значения размеров. Многие компании размещают эту информацию на своих веб-сайтах. Формула обычно выглядит примерно так:

Д х Ш х В

166
, и компания может сказать, что для любой упаковки с общим объемом более 5 184 кубических дюймов необходимо использовать формулу объемного веса или фактический вес; в зависимости от того, что больше.

Это текущая политика UPS в отношении объемного веса, поэтому я использую ее здесь, но эти формулы могут время от времени меняться, поэтому убедитесь, что вы используете актуальную информацию.

Тогда в нашем примере мы сначала вычислим объем нашего ящика. Поскольку мы используем коробку размером 28 x 4 x 24 дюйма, мы умножаем эти три измерения, чтобы вычислить наш объем, который составляет 2688 кубических дюймов. Поскольку мы намного ниже их порога в 5 184 кубических дюйма, нам не нужно беспокоиться о большой плате за габаритный вес.

При отправке больших изображений вы часто можете столкнуться с этой проблемой. Допустим, у нас есть картина, для которой требуется коробка большего размера. Если бы мы использовали нашу коробку размером 37 x 4 3/8 x 30 дюймов, мы обнаружили бы, что наш объем составляет 5550 кубических дюймов. Поскольку мы преодолели их порог в 5 184 кубических дюйма, мы должны учитывать габаритный вес (5 550/166), который в сумме составляет 33 фунта. Таким образом, даже если картина весит всего 10 фунтов, с нас возьмут 33 фунта, поскольку размер занимает так много места в их фургоне.Думайте об этой дополнительной плате как об аренде места в фургоне.

Зная это, если вы обнаружите, что внутри коробки много пустого пространства, возможно, имеет смысл использовать коробку меньшего размера или обрезать ее с помощью калибратора коробки, чтобы избежать начисления габаритного веса. В этом случае, если бы мы взяли всего 3 дюйма длины или высоты коробки, мы получили бы 5100 кубических дюймов, и нам пришлось бы платить только за наш фактический вес.

Возможно, вам все же не стоит тратить время на то, чтобы сократить коробку или купить другую, но, по крайней мере, вы должны знать о влиянии размера на стоимость доставки.

Ограничения по размеру

Вы также должны знать, что многие из распространенных перевозчиков, включая UPS, FedEx и Почтовую службу США, имеют уникальные ограничения по размеру. Свяжитесь с ними, чтобы узнать, что это за ограничения. Превышение этих ограничений по размеру повлечет за собой дополнительные сборы и вынудит вас искать другой вариант доставки.

Размер произведения искусства определяет размер окончательной упаковки, и будут времена, когда вам просто придется превысить порог объемного веса и понести дополнительные расходы. Однако это не конец света, и вы, безусловно, никогда не должны рисковать безопасностью своего произведения искусства, просто чтобы сбрить несколько дюймов, чтобы остаться под порогом. Опять же, поврежденные произведения искусства обходятся вам гораздо дороже, чем немного более высокая стоимость доставки.

Подробнее о том, как отправлять более крупные изображения, я расскажу ниже.

Защитная оболочка из пластика

Выше я упомянул, что одним из моих основных предметов снабжения является пленка для палитры. Я использую полиэтиленовую пленку для защиты картин и рам от царапин и потертостей.В нанесении пленки нет ничего сложного, но секрет заключается в том, чтобы плотно натянуть пленку вокруг произведения искусства, оказывая давление на все время, пока вы оборачиваете картину, чтобы пленка не сбивалась и не запутывалась. В нашем примере, рисующем размером 18 x 18 дюймов, нам нужно только один раз пройтись по рисунку, чтобы покрыть всю поверхность. Однако при работе с более крупными деталями вам следует провести пленкой по поверхности несколько раз, чтобы покрыть все произведение искусства.

Следующий совет трудно объяснить на бумаге, но когда вы завернете большой кусок, вы поймете, что я имею в виду:

Начинайте оборачивать обратную сторону работы.

Ваша естественная тенденция будет начинать с лицевой стороны, но если вы начнете с обратной стороны и обернете под прямым углом до конца один раз, вы можете затем потянуть обертку по диагонали вниз с обратной стороны произведения искусства, чтобы начать следующий ряд обер. За счет того, что ваши диагонали находятся на оборотной стороне, лицевая сторона работы покрыта ровными прямыми рядами пластика, который не только защищает само произведение, но и выглядит привлекательно для клиента при вскрытии. Это мелочь, но она сделает работу по упаковке более профессиональной.

Наконец, и я не уверен, что это суеверие или наука: Аккуратно прорежьте маленькие прорези в задней части пластика, чтобы искусство могло дышать. Я не могу представить, чтобы воздухопроницаемость была серьезной проблемой в течение короткого времени, которое большинство произведений искусства проводят в пути, но можно представить, что произведение искусства, завернутое слишком долго, имеет проблемы с захваченной влагой или растрескиванием. Не знаю, доказано ли это научно, но я не вижу никакого вреда в том, чтобы дать искусству немного воздуха, поэтому я это делаю.

Упаковка произведений искусства в пластиковую палитру

 

Палитра Wrap II

 

 

Картонная прокладка

Теперь, когда мы создали обложку из плотно обернутого пластика, мы готовы добавить более толстый и жесткий слой защитного картона.Этот внутренний слой картона создаст своего рода вторую коробку, которая значительно уменьшит вероятность того, что посторонний предмет проткнет или поцарапает вашу работу. Эта коробка также поможет амортизировать удары, если посылка упадет. Большинство транспортных компаний требуют, чтобы груз был упакован в двойную коробку, прежде чем покрывать его от повреждений, и, по моему опыту, этот слой картона всегда удовлетворял требованиям для второй коробки.

Как упоминалось ранее, у меня в инвентаре всегда есть листы картона размером 48 x 96 дюймов.Я держу под рукой как одностенные, так и двустенные листы, но почти всегда использую одностенные. Его намного легче резать и складывать, и в большинстве случаев это более чем достаточная защита. Я использую картон с двойными стенками только тогда, когда имею дело с очень тяжелыми или тонкими произведениями искусства.

Вы заметите, что волокна картона имеют длину 48 дюймов. Это облегчает складывание доски параллельно 48-дюймовой стороне. Я стараюсь планировать свои складки так, чтобы они находились на этой оси. Как правило, лучший и наиболее эффективный способ добиться этого — расположить самую длинную сторону картины параллельно этой стороне 48 дюймов.Затем вы можете измерить ширину картины и удвоить ее, измерить глубину картины и удвоить ее, затем добавить несколько дюймов для точности и отметить картон с помощью Т-образного угольника и маркера. Используйте канцелярский нож, чтобы сделать разрез. Теперь измерьте длину картины, добавьте четыре дюйма и обрежьте картон до нужной длины (этот разрез будет перпендикулярен вашей исходной стороне 48 дюймов и, следовательно, против волокон картона).

Теперь положите картон ровно, поместите иллюстрацию примерно посередине и загните концы.Заклейте нахлест скотчем, чтобы закрыть картон. Картон будет естественным образом загибаться по углам вашей работы, если вы следовали моим инструкциям относительно следования волокнам.

Концы внутренней коробки будут открыты, и, поскольку мы оставили четыре дополнительных дюйма на конце, у вас должно быть около двух дюймов пустого пространства с обоих концов. Вместо того, чтобы вырезать и складывать это дополнительное пространство, просто сожмите стороны вместе, чтобы сформировать своего рода треугольник, и заклейте его скотчем. Заклеивая концы таким образом, вы создаете дополнительный буфер в конце рисунка, который будет служить отличным амортизатором.Ранее я упоминал, что края произведения искусства или рамы являются наиболее подверженными повреждениям областями, и, создав себе эту дополнительную подушку, вы создаете для двух концов своего произведения почти непроницаемый барьер.

 

Размер картонной упаковки для произведения искусстваРазмер картонной пленки для произведения искусстваРазмер картонной упаковки для произведения искусстваРазмер картонной упаковки для произведения искусстваОбертывание произведения искусства картоном для добавления дополнительного уровня защитыОбертывание изображения картоном для добавления дополнительного уровня защитыОтщипните конец картона, чтобы создать дополнительное поглощение ударовОбертывание рисунок на картоне для добавления дополнительного уровня защиты

 

Пузырчатая упаковка

Наш последний внутренний слой — пузырчатая пленка.Точно так же, как мы делали это, когда оборачивали искусство пластиком, мы хотим сохранить некоторое натяжение пузырчатой ​​пленки, когда мы накладываем ее на произведение искусства. Поддерживая плотную обертку, мы сможем сохранить чистые края и предотвратить слипание. Обычно я наношу только один слой пленки на большие плоские стороны картины — пузырчатая пленка в любом случае не дает здесь особой защиты. Затем я почти всегда наношу второй слой пузырчатой ​​пленки по краям рисунка. Я делаю это, отмеряя достаточно пузырьков, чтобы полностью обвести края рисунка.Я складываю пузырь пополам вдоль и затем приклеиваю его к краям картины. Для нашего примера изображения нам потребуется около 72 дюймов (18 дюймов x 4 дюйма), но я бы добавил дополнительный фут или два, чтобы разместить слой картона, который мы добавили, и принять во внимание тот факт, что углы будут крадут несколько дюймов. от нас из-за объема пузырьков.

 

 

Слой воздушно-пузырчатой ​​пленки обеспечивает дополнительную амортизацию и заполняет пространство между внутренним и внешним картоном. Слой воздушно-пузырчатой ​​пленки обеспечивает дополнительную амортизацию и заполняет пространство между внутренним и внешним картоном. Слой воздушно-пузырчатой ​​пленки обеспечивает дополнительную амортизацию и заполняет пространство между внутренним и внешним картоном. Внешний картонСлой пузырчатой ​​пленки обеспечивает дополнительную амортизацию и заполняет пространство между внутренним и внешним картоном

 

 

Внешний ящик

Теперь мы готовы вставить всю эту аккуратную упаковку в картонную коробку. Мы хотим заполнить эту внешнюю коробку настолько полно, насколько это возможно. Причина номер один повреждения рамок и углов произведения искусства — перемещение, допускаемое дополнительным пространством в коробке. Вы можете устранить это пространство одним из двух способов. Во-первых, вы можете обрезать коробку по размеру (как упоминалось выше в разделе о размерах) или заполнить все пустоты пузырчатой ​​пленкой. Любой вариант приемлем, если у вас нет много лишнего места. Я обычно выбираю пузырчатую пленку, потому что это занимает меньше времени, чем операция на коробке.Принимая это решение, просто помните об ограничениях по размеру оператора связи.

Если вы в конечном итоге разрежете коробку, я предлагаю вам использовать свой Т-образный угольник и маркер, чтобы сделать прямые разрезы. Ваша коробка будет выглядеть намного лучше, если все ваши разрезы будут прямыми.

Я не буду вдаваться в подробности модификации коробок, потому что каждая хирургическая операция будет отличаться в зависимости от размера и формы вашего произведения искусства. Будет легче получить хорошие результаты, если вы закроете один конец коробки скотчем, чтобы иметь дело с коробкой в ​​ее трехмерной форме, а не плоской.Если вы сведете к минимуму разрезы (я обычно делаю только один непрерывный разрез по всей коробке), вы можете сдвинуть части коробки вместе, чтобы освободить лишнее пространство. Телескопирование — это здорово, потому что оно уменьшает отходы и добавляет дополнительный слой картона там, где коробки перекрываются.

 

Внешняя коробка обернута и дополнена, произведение искусства теперь можно поместить во внешнюю коробку

 

 

Лента

Я считаю небрежное наклеивание смертным грехом и хочу посвятить теме наклеивания целый раздел этого документа.

Первый шаг к хорошей ленте — использовать хорошую ленту. Я сказал это выше, но стоит повторить: используйте ленту самого высокого качества, которую только сможете найти. Хорошая лента не только лучше приклеивается, но и легче наносится.

Следующий секрет хорошего тейпирования – натяжение. Почти каждый пистолет для упаковочной ленты позволяет контролировать натяжение с помощью ручки на колесе ленты. Я подозреваю, что многие начинающие грузоотправители (и, возможно, даже некоторые опытные) не обращают особого внимания на натяжение или ошибочно думают, что натяжение должно быть минимальным, чтобы лента легче сматывалась.Низкое натяжение приведет к тому, что ваша лента свернется и свернется, когда вы будете запечатывать коробку, а также сделает практически невозможным отрезать ленту.

Чтобы получить правильное натяжение, я сначала устанавливаю его так, чтобы оно было настолько тугим, что я не мог снять ленту с рулона, не напрягаясь, затем я немного ослабляю его, чтобы мне больше не приходилось тянуть, чтобы натянуть ленту. выключенный. Другими словами, вам нужно напряжение как раз перед тем, как оно станет «невозможным для разрядки».

Лента накладывается двумя руками.Приступая к новому шву, я держу пистолет в правой руке, а левой рукой прижимаю ленту к ее начальной точке на коробке. Я тяну пистолет назад, чтобы размотать достаточно ленты, чтобы покрыть шов, но я делаю это на несколько дюймов выше поверхности коробки. Как только у меня будет достаточно ленты, я держу ее натянутой, выравниваю ее по шву, а затем опускаю на коробку, сохраняя натяжение ленты, потянув за пистолет.

Разрезать ленту — это искусство. Если вы пробовали это безуспешно, вы понимаете, что я имею в виду.Однажды я видел, как кто-то вытаскивал ножницы каждый раз, когда нужно было разрезать ленту, потому что она не овладела искусством использования встроенного лезвия лентопротяжного устройства.

Здесь лучше всего подойдет видео или, что еще лучше, личное обучение, но, поскольку я не могу этого сделать, я сделаю все возможное, чтобы описать процедуру резки.

Я хочу сохранить это натяжение ленты, поэтому я собираюсь продолжать тянуть пистолет к себе. Конечно, вытягивание пистолета для ленты приводит к тому, что он выбрасывает больше ленты, и мы не хотим, чтобы это произошло прямо сейчас. Я использую большой палец правой руки как тормоз, удерживая рулон на месте. Теперь у меня есть пара натянутых дюймов ленты, простирающейся от коробки до пистолета. Остальное в запястье. Я хочу, чтобы нож-пила на пистолете начал резать ленту с одной стороны. Я не пытаюсь разрезать всю ширину сразу. Я делаю это, поворачивая запястье по часовой стрелке, сохраняя напряжение.

Короче говоря, процесс перерезания ленты представляет собой комбинацию напряжения, создаваемого моим большим пальцем, удерживающим катушку с лентой, пока я вытягиваю пистолет, и скручиванием запястья, чтобы лезвие могло прокусить ленту.

Легко!

Я рекомендую вам заклеить все швы вашей внешней коробки, включая короткие швы на концах каждого клапана. Это может показаться излишним, но любой непроклеенный шов является потенциальной загвоздкой, и если что-то застрянет под швом, ваша коробка может быть легко разорвана.

Я также всегда накладываю ленту по всей длине и ширине упаковки, чтобы все затянуть.

 

Запечатайте все швы внешней коробки

 

Работа со стеклом

Для тех из вас, кто отправляет акварели, фотографии, репродукции или что-либо еще за стеклянной панелью, позвольте мне сначала сказать: «Извините.«Перевозка произведений искусства за стеклом почти бесконечно сложнее, чем отправка чего-либо еще. Стекло настолько подвержено растрескиванию при транспортировке, что некоторые перевозчики отказываются страховать все, что с ним связано.

Поскольку малейший толчок или натяжение могут привести к тому, что ваше стекло разобьется, еще более важно, чтобы вы обеспечили достаточную прокладку и исключили все возможные движения.

Как бы ни была важна профилактика поломок, я считаю, что еще важнее думать о предотвращении повреждений.По сути, если стекло разобьется, вы хотите применить дополнительную защиту, чтобы оно не поцарапало, не порезало или иным образом не испортило ваше произведение искусства. Когда я отправляю что-то со стеклом, я просто предполагаю, что оно разобьется, а затем сосредотачиваюсь на том, чтобы осколки не уничтожили мою работу.

Многие транспортные компании продают малярную ленту шириной 8–12 дюймов, специально созданную для покрытия стекла (она не оставляет следов липкого клея на стекле, когда вы снимаете ее). Вы можете наклеить эту ленту на всю поверхность стекла, и, если стекло разобьется, полученные осколки прилипнут к ленте, а не порежут ваше произведение искусства в клочья.3M также производит прозрачную пленку, которая делает то же самое.

Другой подход заключается в полном выходе из бизнеса по доставке стекла. Я знаю художника, который рисует пастелью, которую, конечно, выставляют за стеклом. Когда произведение продается, художник относит произведение к своему багетчику, который снимает стекло и заменяет его листом прозрачного пластика. Он отправляет деталь местному изготовителю рам клиента, где он покрывает стоимость нового стекла. Художник заложил стоимость этого в свою цену.Я не уверен, что это сработает для всех, но это, безусловно, вариант, который следует иметь в виду.

 

 

Теперь, когда мы профессионально упаковали иллюстрацию, мы готовы отправить ее в путь. Когда дело доходит до выбора компании по доставке, есть несколько вариантов, и я не хочу поддерживать какой-то конкретный. Кажется, что каждый развивает свои фавориты, и если вы нашли тот, который работает для вас, придерживайтесь его. Если вы недовольны, продолжайте пробовать разные компании, пока не найдете ту, которая устроит вас.

Существует два основных класса компаний по доставке: обычные перевозчики, такие как FedEx и UPS, которые в основном занимаются доставкой небольших и средних посылок, и более крупные грузовые компании и экспедиторы, занимающиеся более крупными партиями.

Как правило, мы отправляем все, что имеет размеры 30 x 40 дюймов или меньше, используя одного из распространенных перевозчиков. Все, что крупнее, будет отправлено транспортной компанией или грузовым автотранспортом.

Если вы отправляете посылку нечасто, вы можете просто оставить посылку в одном из розничных магазинов перевозчика, сообщить им адрес доставки и позволить им сделать все остальное. Вы будете платить в розницу, но вы также сэкономите свое время и усилия.

Однако, если вы планируете отправлять любые объемы, вам следует создать учетную запись у перевозчика и осуществлять доставку с помощью их онлайн-сервиса. Это сэкономит вам деньги, и часто вы можете запланировать водителя, который заберет посылку из вашей студии, что также сэкономит вам диск.

Если вы начнете отгружать еще большие объемы, скажем, в среднем 10 или более штук в месяц, вам следует поговорить с торговым представителем компании и узнать, доступны ли какие-либо оптовые скидки и применимы ли они к вашей ситуации.В зависимости от вашего объема, экономия может быть значительной.

Большинство этих компаний предлагают различные варианты времени доставки. Доставка наземным транспортом может занять от пары дней до недели, в зависимости от расстояния и доступности вашего клиента. Вы также можете использовать их 3-дневные, 2-дневные и ночные экспресс-услуги.

Теоретически такие ускоренные услуги и быстрее, и безопаснее (чем меньше времени посылка находится в руках компании-перевозчика, тем меньше у них будет возможностей ее повредить!), но затраты настолько непомерно высоки, особенно для больших посылок, что в большинстве случаев наземное обслуживание является единственным практичным вариантом.

Для более крупных предметов вы можете использовать одну из транспортных линий, таких как Conway, или экспедиторов, таких как Bellair Express. Экспедиторы могут доставить искусство самолетом, грузовиком или поездом, в зависимости от ваших потребностей во времени и бюджета. К сожалению, многие из этих компаний принимают только с коммерческого адреса (а не с частного адреса) и могут не захотеть приходить в вашу студию, как бы вы ни старались убедить их, что это бизнес.

Дополнительные сведения о доставке больших картин см. в разделе ниже, посвященном работе с большими картинами.

 

 

До сих пор мы обсуждали, что вы должны сделать, чтобы безопасно и эффективно отправить свое искусство. Теперь я хотел бы обсудить некоторые практики, которых вам следует избегать.

Не допускайте прямого контакта пузырчатой ​​пленки с вашим произведением искусства

Недавно мы получили картину художника, завернутую только в пузырчатую пленку. Как я упоминал выше, пузырчатая пленка отлично подходит для упаковки ваших произведений искусства при транспортировке, но она не должна соприкасаться с ними напрямую.

Когда мы развернули картину, мы увидели, что пузырь прилип к лаку.После ее удаления на поверхности всей картины остался отпечаток пузырчатой ​​пленки. Под определенными углами можно было увидеть идеально расположенные отпечатки пузырей. Нам пришлось повторно покрыть произведение лаком, прежде чем мы смогли представить его клиенту, который уже купил его.

Иногда, доставляя произведение искусства непосредственно клиенту, я оборачиваю картину только пузырчатой ​​пленкой, но при этом я удостоверяюсь, что пузыри обращены наружу, чтобы плоская сторона пузырчатой ​​пленки была повернута к картине.

Не используйте повторно некрасивые коробки

Вторичная переработка — это экологично и экономично, но у каждой картонной коробки есть срок службы. Избегайте использования коробки по истечении этого срока, особенно если вы отправляете ее покупателю.

Даже на новой коробке будут видны следы износа, когда она окажется на пороге вашего клиента. Использование старой коробки навлекает неприятности. Как художник, вы хотите, чтобы ваш клиент чувствовал, что покупает один из ваших шедевров. Вы посылаете клиенту прямо противоположное сообщение, если показываете ему, что произведение искусства не стоит даже стоимости новой коробки.

Не используйте арахис из пенопласта при отправке картин

Как я уже говорил в разделе о процедурах доставки, пузырчатая пленка является подходящим материалом для заполнения пустот в ваших коробках. Никогда не используйте для этой цели арахис.

На это есть две основные причины. Во-первых, и я признаю, что это личное раздражение, это то, что арахис создает огромный беспорядок. Это особенно верно, когда вы отправляете двухмерные изображения. Просто невозможно достать картину, фотографию или распечатку из коробки, наполненной арахисом, не разбросав их по всему месту распаковки.Арахис очень сложно убирать — он разлетается перед веником, и часто, нахватав статического заряда, буквально выпрыгивает из мусорного ведра.

Во-вторых, и это более важно, арахис не работает в коробке для рисования и может нанести ущерб. Арахис осядет на дно коробки, и по мере того, как коробку толкают в пути, дно коробки будет изгибаться и расширяться, позволяя большему количеству арахиса сконцентрироваться там. Пространство в верхней части коробки останется незащищенным.

Арахис отлично подходит для упаковки скульптур — ему не место в коробке для рисования.

 

 

Несмотря на все ваши усилия по набивке и защите ваших работ, повреждения неизбежны. Как только ваше произведение искусства покидает ваши руки, оно попадает в обширную и сложную транспортную сеть с множеством движущихся частей. Невозможно полностью исключить возможность ущерба, поэтому вам следует планировать его возможность и подумать о покупке страховки для защиты от убытков.

Застраховаться от потери можно несколькими способами. Во-первых, вы можете покупать страховку перевозчика каждый раз, когда отправляете посылку. Компании доставки обычно предлагают минимальное покрытие по умолчанию, но обычно это всего несколько сотен долларов. За дополнительную плату вы можете добавить дополнительное покрытие. Однако вы должны знать, что некоторые компании ограничивают свою ответственность до 500 долларов за изобразительное искусство. Опять же, эти правила постоянно меняются, поэтому стоит посетить веб-сайт вашей судоходной компании или позвонить им, чтобы подтвердить их ограничения на изобразительное искусство.

Если вы отправляете грузы только изредка, страхование перевозчика, вероятно, является самым простым и эффективным способом застраховать работу с наименьшими хлопотами. Однако, если вы отправляете товары регулярно, имеет смысл иметь полис страхования бизнеса, который покрывает ваше искусство не только во время его транспортировки, но и в любое время. В долгосрочной перспективе вы будете платить гораздо меньше за этот вид страхования, чем за страховое покрытие перевозчика.

Поговорите с агентом по страхованию бизнеса, и он расскажет вам о цене.У нас есть бизнес-политика с «поплавком» в отношении изобразительного искусства, а также политика внутреннего морского права, которая дает нам дополнительное покрытие для произведений искусства. Честно говоря, я не знаю, что означает «поплавок» или как то, что называется «внутреннее море», защищает искусство, но мы тесно сотрудничали с нашим агентом, чтобы получить правильное освещение, и в редких случаях мы всегда были защищены. наше искусство понесло ущерб.

Есть, конечно, и другой вариант: Вы можете застраховаться сами. Если вы чувствуете, что вероятность ущерба достаточно мала или что стоимость страховки слишком высока, вы можете просто покрыть стоимость любого ущерба самостоятельно.

Я подозреваю, что большинство художников следуют этому пути, и я не могу винить тех, кто это делает; долларов не так много, и страховка не всегда может быть главным приоритетом. Часто повреждение можно исправить, и, поскольку вы сделали произведение искусства, у вас, вероятно, есть идеальный набор навыков, чтобы исправить его!

 

Иногда, несмотря на все ваши усилия, произведение искусства повреждается во время транспортировки

 

Работа с повреждениями

В тех редких случаях, когда происходит повреждение, то, как вы реагируете, повлияет на ваши отношения с вашим клиентом и вероятность того, что вы возместите ущерб от вашей транспортной компании или страхового полиса.

Прежде всего, важно следовать изложенным ранее процедурам, чтобы безопасно отправить произведение искусства. Вы находитесь в гораздо лучшем положении, если ваш клиент считает, что вы сделали все, что в ваших силах, чтобы защитить произведение искусства. У вас также гораздо больше шансов подать иск в судоходную или страховую компанию, если вы выполнили их требования к доставке.

Убедите вашего клиента, что вы делаете все, что в ваших силах, чтобы исправить ситуацию. Были случаи, когда мы немедленно возвращали деньги за их покупку, а затем работали над тем, чтобы получить замену от художника.

Как правило, в случае повреждения транспортная компания возвращает вам произведение искусства. Когда товар прибудет, поговорите с судоходной компанией и со своим страховым агентом, чтобы узнать, как они хотели бы, чтобы вы действовали. Задокументируйте повреждение упаковки и произведения искусства в соответствии с их инструкциями. У вас никогда не может быть слишком много фотографий или слишком много документации.

Своевременно предоставлять судоходной компании или страховому агентству всю необходимую им информацию.

Задокументируйте все повреждения вашего ящика

 

 

Как я уже упоминал во введении, мне нравится время от времени отправлять работы.Когда я впервые открывал свою галерею, я отправлял все, от самой маленькой скульптуры до самой большой картины.

Техники, которыми я здесь поделился, отлично подходят для картин размером примерно до 48 x 48 дюймов. Любое произведение искусства большего размера почти всегда требует деревянного ящика для транспортировки. В первые дни моей галереи у меня был доступ к отличной столярной мастерской, и я сам делал ящики.

Я чувствовал, что не только получаю удовольствие от доставки, но и экономлю деньги, выполняя всю работу самостоятельно. Каково же было мое удивление, когда через несколько лет после открытия галереи я попросил местный художественный кратер отправить большую картину и обнаружил, что общие расходы на его упаковку и услуги по доставке оказались меньше, чем мне стоило бы отправить картину самому.

Поскольку грузоотправитель перевозил такие большие объемы, он смог добиться экономии за счет своих материалов и получил огромную скидку на свои фрахтовые расходы. На самом деле мне стоило дороже отправить арт самому, особенно если учесть время.

Вы, вероятно, обнаружите, что это относится и к вам. При отправке больших произведений искусства вы, вероятно, в конечном итоге сэкономите деньги, если найдёте кого-нибудь на месте, чтобы отправить работу для вас. Поговорите с другими художниками в вашем районе и спросите, нашли ли они кого-то, кто делает хорошую работу по разумной цене.Если у вас еще нет инструментов и опыта работы с деревом, просто не стоит пытаться самостоятельно отправлять большие детали.

 

 

Доставка произведений искусства может быть проблемой и разочарованием, но на самом деле никогда еще это не было так легко, как сегодня. С правильными инструментами, расходными материалами и процедурами доставки вы можете безопасно и эффективно отправить свои работы.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.