Рисунки на стенах как называется: Как называются рисунки на стенах — Ремонт в квартире

17 Дек

Содержание

Что такое живопись, как вид искусства? Что такое панно и постеры?

Чем постер отличается от фотокартины? Что такое панно и какие виды живописи существуют? Разбираемся в терминах, чтобы не ошибиться при выборе и заказе элементов декора стен.

На фото:

Живопись

Не только картины. Строго говоря, живопись – это не разновидность декора стен, а вид изобразительного искусства (наряду с графикой, скульптурой и пр.). Но сегодня в обиходе этим словом называют что угодно: и картину маслом, и рисунок, нанесенный на стену акриловыми красками. Живопись как вид искусства бывает двух типов – станковая и монументальная. К первой относят картины, то есть произведения, созданные на «станке» – мольберте художника. Монументальная живопись это роспись на стенах зданий – ее не снимешь и не перенесешь в другое место.

Украшаем дом. Что такое живопись как элемент декора? Чаще всего это картина или несколько картин в рамах, которые подвешиваются на стены.

Если живопись принадлежит кисти известного художника, то ее размещают в центре комнаты, выставляя на всеобщее обозрение. Фон для такого произведения искусства лучше выбирать нейтральный – яркая краска или разноцветные обои на стенах могут нарушить восприятие.

На фото:

Живописные полотна&nbsp– картины в рамах, подвешенные на стенах&nbsp– уместны как в классическом, так и в современном интерьере.

Фрески

Прямо на стене. Фреской называется разновидность монументальной живописи, а именно роспись по штукатурке. Это картины, написанные непосредственно на стене – внешней или внутренней. Фреска может выполняться как по сырой, так и сухой штукатурке темперой, масляными или акриловыми красками и т.д. В большинстве случаев этот вид декора становится частью классического интерьера.

На фото:

Фрески (роспись по штукатурке)&nbsp– это картины, написанные непосредственно на стене.

Панно

В пределах границ. Согласно Большой советской энциклопедии, панно – это «часть стены, выделенная обрамлением… и заполненная живописным или скульптурным изображением». Второе значение этого слова – «картина, исполненная маслом, темперой и т.д., предназначенная для постоянного или временного заполнения определённого участка стены или потолка». То есть панно может быть разновидностью как живописи, так и скульптуры. Панно – что это, из чего оно изготавливается? Его выкладывают на стене из плитки или мозаики, выполняют резьбу по дереву, лепят из гипса и пр. Можно купить готовое панно из обоев или плитки, или заказать уникальную роспись по собственному замыслу.

На фото:

Панно может быть временным (съемным) или постоянным (частью стены) и выполняется в разных техниках – живописи, скульптуры, резьбы по дереву…

Фотокартины

Принтером на холсте. В век цифровых технологий картины не всегда пишет художник. Эта услуга предполагает индивидуальный подход и большие трудозатраты, а потому очень дорога. Почти настоящую «картину маслом» можно заказать в фотомастерской: доступны и репродукции произведений знаменитых живописцев, и ваш собственный портрет (скажем, в платье XVIII века), и дружеские шаржи на коллег. Изображение распечатают на широкоформатном принтере, а материалом будет служить специальный холст. Получившуюся фотокартину покроют защитным лаком, а может быть, и состарят – если вы изъявите желание. Этот вид декора стен можно заказать для любого интерьера – и классического, и современного.

На фото:

Альтернативой живописным полотнам стали более доступные по цене фотокартины, которые распечатывают на широкоформатном принтере, на специальном холсте.

Постеры

Большим тиражом. Все слышали это слово, но не каждый задумывался о его значении. Постеры – что это такое? Слово пришло к нам из Америки, причем из области рекламы. Изначально так назывались просто плакаты, афиши, которые в большом количестве расклеивали на столбах и стенах домов. Сегодня постеры это печатные картины, используемые для декорирования стены или другой вертикальной поверхности. Их обычно издают на бумаге огромным тиражом. Поэтому самое важное, что необходимо сказать про постеры, что это самый дешевый вид декора стен. Они продаются везде и стоят недорого – от вас требуется только выбрать сюжет. Чаще всего постеры украшают интерьер в современном стиле.

На фото:

Постеры издаются на бумаге большими тиражами. Это самый недорогой вид декора стен для интерьеров в современном стиле.

Картины на фасадах многоэтажек появились в Алматы: 07 сентября 2016, 17:56

Картины на фасадах многоэтажек появились в Алматы. Сделать стены городских многоэтажек ярче решили к 1000-летию мегаполиса, передает корреспондент Tengrinews.kz.

Создавать картины на стенах домов вызвались стрит-арт-художники не только из Казахстана, но и Кыргызстана, России и Украины. Рисунки появятся на многоэтажках каждого района города. Всего организаторы планируют разукрасить порядка 13 домов. Пока полностью готовы пять работ.

«Это продолжение проекта «Любимые дети — любимому городу». Все началось с росписи плит, стен от Медеу до Шымбулака, стен парка Первого Президента, детских домов, садов. Но в этот раз мы решили добавить фасады. Художники предлагали эскизы, мы выбирали их. Главным критерием эскиза было то, чтобы он был связан с Казахстаном, с Алматы. Мы старались выбрать национальные темы — это очаг, семья, дети, спорт. Такие вот актуальные, чтобы они были интересны как жителям, так и гостям города. Акимат нас поддержал. И это очень радует, потому что во многих городах мира это искусство очень распространено», — рассказала директор ОФ «Дети рисуют мир» Молдир Бекжан.

Для рисунков выбирали наиболее смотрибельные и не заросшие деревьями многоэтажки. К примеру, в Турксибском районе на стене шестиэтажного дома появился рисунок семейного очага с национальными орнаментами. Так совпало, что в этом доме живут молодые семьи с детьми. Картину создали украинские художники с помощью красок и баллончиков за две недели.

Московский граффити-художник, известный как Zmogk, украсил стену одного из домов портретом казахской девушки и символом города — барса. В своих работах он предпочитает яркие цвета, динамику и некоторый хаос. 

Команда из Кыргызстана решила порадовать алматинцев огромным изображением космонавта и макового поля. Эта композиция пришлась по вкусу алматинцам, рисунком они активно делятся в социальных сетях.

На одну работу, рассказали художники, уходит от пяти до семи дней. Сейчас над своей работой трудится казахстанский стрит-арт- художник. На фасаде дома по улице Муратбаева он планирует нарисовать велосипедиста.

Графика на потолке, потолочная живопись

Графика на потолке – это особый вид монументального искусства, основу которого составляет не художественная композиция, а непосредственно рисунок.

С помощью графики художники нашей студии преобразят Ваш интерьер до неузнаваемости, наполнив его изысканностью и элегантностью.

В последнее время этот неприметный с первого взгляда вид рисунка на потолке стал пользоваться большой популярностью. Объясняется это тем, что графический рисунок дает только условное изображение, как бы намекая на картину, а целостный образ создается исключительно благодаря воображению зрителя. Благодаря этой особенности графика на потолке никогда не надоедает, и дает простор для воображения.

Графика – это, прежде всего, рисунок, то есть изображение, которое выполнено от руки, на глаз, с использованием всего лишь контурной линии, штриха и пятна. Именно поэтому графика разговаривает со зрителем на языке только таких выразительных средств как штрих, линия, контур, пятно. Не менее активно в создании общего впечатления участвует и фон (как правило, белый). Добиться выразительности рисунка можно даже используя один черный цвет.

Именно поэтому графику очень часто называют не иначе как искусство черно-белого. Однако это не означает, что графика не может быть цветной. Убедиться в этом можно, посмотрев графические изображения наших художников в разделе Последние работы студии.

Графика – как отдельный и законченный вид изобразительного искусства явление довольно таки молодое. Наивысшего уровня развития она достигла только лишь в конце 19 века, когда мир находился под властью модерна, основной выразительной формой которого является линия.Техническая революция и индустриализация строительства только ускорили процесс развития этого вида изобразительного искусства. Многие по достоинству оценили графику на потолке, на нее появился спрос, в свою очередь художники поспешили его удовлетворить.

Стимул для развития графика получила и с другой стороны. Усовершенствование используемых материалов привело к тому, что их большое разнообразие стало легко доступным, и можно было свободно купить абсолютно все материалы для рисования графических изображений на потолке.

Графика на потолке обеспечила себе устойчивую позицию среди других видов монументального искусства благодаря своим неоспоримым достоинствам. В ней привлекает четкость, простота и непосредственность линий и штрихов. Изображения как будто живут своей отдельной жизнью. Практически все графические изображения «работают» только как подсказки, позволяя зрителю включить воображение, доставляя ему тем самым дополнительное удовольствие. Иногда весь рисунок ограничивается всего лишь несколькими линиями, пробуждая мысли. И рядом с такой мощью полноцветные живописные полотна кажутся скучными и пресными.

Недаром великий итальянский художник Микеланджело Буанарроти в свое время написал: «Рисунок, который еще называют искусством наброска, является наивысшей точкой и архитектуры, и живописи, и скульптуры. Рисунок – это источник и корень любой науки».

Как и любая другая техника потолочная живопись графика требует предварительной подготовки поверхности. Чтобы рисунок не был искажен, необходим абсолютно ровный и чистый потолок. Естественно, что во многом качество рисунка зависит от профессионализма художника. Художник-графист должен уметь работать в самых разных техниках потолочной росписи с использованием различных материалов и красок. Не лишними будут и определенные знания архитектуры.

Графика может быть авторской и нарисованной с помощью трафаретов. Авторская работа подразумевает рисунок, который рисуется художником вручную непосредственно на потолке. И если трафаретная графика доступна практически каждому, то авторскую графику может нарисовать только настоящий профессионал. Вообще, графика – требовательный вид монументального искусства, поскольку не прощает художнику ни малейшей ошибки. Ведь она рисуется по уже подготовленному фону, и неправильно нарисованная линия может полностью испортить весь рисунок.

Сегодня графику подразделяют на два вида: цветную и черно-белую. Для нанесения рисунка на потолок могут быть использованы как кисти, так и специальные маркеры для живописи на потолке. Создавая графическое изображение художники выбирают краску исходя из общей концепции рисунка и подходящую для того или иного помещения. Это может быть и акрил, и масляные краски и темпера. Обо всех этих материалах, и о росписи потолков в целом, можно узнать в разделе Роспись потолков.

Потолочная живопись подразумевает тщательный выбор графического изображения, чтобы оно гармонично вписалось в интерьер всего помещения. Ведь нельзя себе представить черно-белую графику на потолке в интерьере стилизованном под ампир. Приведенные ниже рекомендации помогут Вам правильно подобрать рисунок под Ваш стиль.

Цветная графика идеально подойдет практически для всех стилей. Особенно для гламурного. Для классического стиля можно выбрать акварельную графику, для модерна идеально подойдут карандашные наброски. Строгий минимализм только выиграет от присутствия виртуозного карандашного рисунка, который будет ошеломляюще смотреться на потолке. Для гранжа не найти ничего лучшего чем нечто яркое и абстрактное, как пятна гуаши, разлитые по потолку. А вот техногенные стили предпочитают фотографическую, а не «живую» графику. Для таких стилей «живая» графика слишком «теплая» и чересчур «личная».

Для детской комнаты цветная графика вообще идеальный вариант. Главное – подобрать подходящий по уровню восприятия рисунок. И пускай это будет не «помпезное» масло или «гламурная» акварель, а веселый и беззаботный рисунок цветными мелками. Например, если ребенок любит фантазировать и рисовать, можно предложить ему самому нарисовать «карту волшебной страны» или «карту сокровищ», с множеством мелких деталей и рисунков. Потом эту карту можно перенести на потолок, чтобы каждую ночь, засыпая, ребенок «бродил» по своей собственной стране.

Черно-белая графика, при всей ее простоте, намного сложнее цветной, и без консультации специалиста ее очень трудно гармонично вписать в интерьер. Но можно попробовать использовать черно-белый рисунок в потолочной живописи стиля модерн. Например, неплохо будет смотреться нанесенная на часть потолка черно-белая фотография начала 20 века. Ни в коем случае нельзя использовать черно-белую графику в детских комнатах или в стиле кантри. Для них она слишком самодостаточна и сдержана.

А вот где она совершенно уместна, так это в минимализме, гранже, в молодежном стиле и в стиле хай-тек. Здесь можно экспериментировать, начиная от фотографической графики и заканчивая абстрактными или графическими рисунками. Главное, чтобы рисунок вписывался в общую концепцию интерьера и был «поддержан» в других элементах декора. Например, если на потолке нарисован черно-белый портретный снимок, то и на стенах можно развесить несколько крупных черно-белых фотографий.

Намного больше информации о возможностях графики в декорировании интерьера можно найти в разделе Декоративное оформление интерьера.

Графическая живопись не прощает неуверенности, неумения и нежелания учиться. Качественно и умело нарисованная графика на потолке не только не загромождает пространство, а наоборот, создает его. В то время как графика выполненная неопытным и непрофессиональным художником будет выглядеть инородным предметом в интерьере. Художники нашей студии, за весь свой двадцатилетний опыт работы, ни разу не допустили ошибки в работе с графическими рисунками. Это является неоспоримым доказательством того, что в нашей команде работают только профессиональные, опытные, талантливые и креативные специалисты, благодаря которым уже не один интерьер преобразился.

Говоря о наших преимуществах нельзя не отметить, что немаловажным фактором, который заставит Вас задуматься о возможности заказа у нас графического рисунка является цена. Мы придерживаемся гибкой ценовой политики, и практикуем индивидуальный подход к каждому заказчику. Ознакомиться с нашими ценами можно в разделе Роспись потолков цены.

Художники со всего мира восстановят свои рисунки на Берлинской стене

В процессе реставрации было решено часть рисунков, в том числе, рисунок Врубеля, со стены смыть, убрать неровности в бетонных блоках, восстановить недостающие части арматуры, загрунтовать поверхность. Затем предполагается, что рисунки будут нанесены заново.

Сейчас некоторые художники уже завершили работу и уехали домой, однако большинство продолжает реставрацию, а другие только собираются приехать.

Как сообщил ранее Алави, согласно условиям проекта, каждый художник получает гонорар в 3 тысячи евро, ему оплачивают билет на самолет, питание и проживание.

Художники

Томас Клингенштайн — художник из Берлина. Свою картину Detour to the japanese sector («Проезд в японский сектор») он рисовал 4 недели и почти закончил работу.

«Я считаю, что очень важно напоминать людям о существовании этой Стены. Это важно и для будущих поколений. Раньше я мечтал жить в Японии, но не мог осуществить эту мечту, потому что жил в ГДР», — рассказал он.

Родился художник в Восточном Берлине, жил в Германии, затем в Испании, США, Франции и в течение нескольких лет — в Японии. С 1995 года постоянно живет в Берлине. По мнению Клингенштайна, людям необходимо напоминать и о ценности свободы в мире.

«Свобода не является постоянным понятием, она не гарантирована. Мы видим это во всем мире», — подчеркнул он. Свой рисунок Клингенштайн тщательно прорисовывает, скрупулезно выверяя каждую линию по фотографиям двадцатилетней давности из собственного архива.

Другой «художник Стены» Габриэль Хаймлер родился в Париже, его мать — наполовину немка, наполовину австрийка, отец — венгр, поэтому Хаймлер говорит на всех трех языках. Рисунок Хаймлера называется — Der Mauerspringer, буквально — прыгун через через стену.

«Это серьезная проверка для художника — нарисовать одну и ту же картину с перерывом в 20 лет», — считает он. «Нужно постараться сделать хороший рисунок», — улыбается художник. Работу он планирует закончить примерно через две недели.

Из 118 человек, расписавших Стену в 1989-1990 годах, в Берлин приедут не все — некоторых уже нет в живых. Как рассказала РИА Новости приятельница Хаймлера, которая пришла навестить его во время работы, художник реставрирует не только свою картину, но и рисует за человека, который уже умер.

Канадский художник и скульптор Пьер-Поль Май отмечает, что благодаря этому проекту можно увидеть и сравнить, насколько изменились художники и их мастерство с течением времени.

«Мне доставляет удовольствие встречаться с этими людьми, увидеть, какими они стали через столько лет», — сказал он, добавив, что большинство как были художниками, так ими и остались.

Он также отметил, что, на его восстановленная картина будет лучше, чем первый вариант. «Моя техника с годами претерпела изменения в лучшую сторону, да и краски теперь лучше», — пояснил художник.

Кроме того, по его словам, если двадцать лет назад художники конкурировали между собой, то сейчас необходимость в этом отпала — работы каждого говорят сами за себя и художникам не нужно ничего доказывать. На рисунке Мая «Без названия» изображен огромный аквариум, картина написана на участке стены длиной в 10 метров.

Художник из Франции Эрве Морлей тоже считает, что та картина, которую он рисует сейчас, будет лучше прежней.

«Эта картина лучше. В тот момент я был простым художником и рисовал только на свои деньги. Тогда работа заняла полтора дня, сейчас — десять», — уверен он.

Братский поцелуй брежнева и Хонеккера

К реставрации своего знаменитого рисунка «Братский поцелуй», изображающего целующихся экс-генсека ЦК КПСС Леонида Брежнева и бывшего председателя Госсовета ГДР Эрика Хонеккера, приступил и российский художник Дмитрий Врубель.

Художник начал работу во вторник. Из-за обилия журналистов, которые хотят взять у него интервью, а также желающих просто пообщаться и сделать фото на память, ему постоянно приходится прерываться. Сотрудники East Side Gallery, отмечают, что картина Врубеля здесь — самая известная.

‎App Store: SketchAR: рисование это просто

Лучшее приложение для креаторов чтобы преуспеть в креативной экономике: AR+AI+NFT

Развивай свою креативность с помощью уникального интерактивного подхода AR-рисования, редактирования фотографий и геймификации. Мы объединили дополненную реальность и искусственный интеллект, чтобы ускорить процесс обучения и сделать его более увлекательным.

SKETCHAR это новая ступень развития для креаторов и тех, кто всегда хотел что-то создать, но не мог.

Вот уникальные функции, которые есть только в приложении SKETCHAR:
1. ДОПОЛНИТЕЛЬНАЯ РЕАЛЬНОСТЬ для рисования
Через камеру смартфона ты видишь AR-эскиз на поверхности перед собой. Просто возьми карандаш и шаг за шагом проводи виртуальные линии на листе бумаги. Эта функция также используется профессиональными художниками для масштабирования эскизов на таких поверхностях, как стены.

2. AI-ПОРТРЕТЫ
Преврати свои фотографии в иллюстрации одним нажатием. Теперь твой смартфон может делать то же, что и профессиональные художники, создавая свои произведения искусства.

3. AR-МАСКИ для Снапчат
Создай свою собственную маску за минуту и сразу примерий её в Снапчат.

4. МИНИ-ИГРЫ
для развития креативности. Да, ты не ослышался. В игровой форме можно и нужно развивать творческое мышление.

5. КУРСЫ с уроками рисования
Выбирай среди множества пошаговых уроков рисования. Можешь начать с набора для начинающих или углубиться в конкретную тему по своему выбору, чтобы улучшить свои навыки, например портреты или аниме. Научись рисовать животных, мультфильмы, аниме, граффити и много других интересных вещей.

6. РИСОВАЛКА с пошаговым руководством
Если по рукой нет бумаги, чтобы опробовать функцию доп. реальности, ты можешь попрактиковаться с помощью нового инструмента для рисования. Отличительной особенностью является то, что приложение подставляет нужный инструмент на каждом этапе (карандаш, маркер или кисть), чтобы ты мог сфокусироваться на творческом процессе.

7. ПЛАТФОРМА чтобы поделиться своим творчеством. Ускоренные видео автоматически сохраняются в профиле приложения. Поделись своими достижениями с друзьями.


SketchAR предлагает три варианта платных подписок с автообновлением, которые предоставляют неограниченный доступ к премиум-контенту и функциям приложения.
Подписка на 1 месяц — $ 14.99 / месяц
1 год подписки с 3-дневной пробной версией — $ 69.99 / год
Подписка на специальное предложение на 1 год — $ 44.99 / го
* Цены для разных стран могут отличаться. Цены равны значению, которое определяет Apple App Store Matrix, и эквивалентны цене подписки в долларах США.

Нам всегда интересно узнать твоё мнение, поэтому не стесняйся написать нам на [email protected]

Текст «Граффити» II — uzdevums. Krievu valoda, 9. klase.

Прочитай текст. Значение и правописание выделенных слов есть в разделе Теория.

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

Граффити                                                  


Традиция рисовать на стенах сегодня называется граффити. Граффити появились в 1967 году в США, в штате Пенсельвания. Сначала молодёжь рисовала на стенах. Потом молодые люди начали  использовать стены метро. В первые годы граффитисты рисовали маркерами, потом стали использовать баллончики с краской. Авторы называют свои рисунки  «бомбами», поэтому себя называют Бомберами. Перед тем, как сделать рисунок на большом формате (стене, доме, вагоне), они делают сначала набросок на бумаге, а потом уже переносят его на стену. Сначала бомберы рисовали надутые буквы, похожие на пузыри без острых углов. Они легче и проще всего рисуются. Позднее решили, что чем больше места занимает рисунок, тем круче! На стенах начали появляться квадратные буквы с острыми углами в 90 градусов. Через 10 лет после своего появления бомберы начали объединятся в команды и в начале 80-х годов  стали рисовать не только буквы, но и целые рисунки. Сначала они раскрашивали вагоны. 


Всё это не нравилось властям. Понятие о красоте у всех разное – это зависит от мировоззрения. Иногда рисунки бомберов очень агрессивные. А иногда это произведения искусства. В наше время отношение к граффити более положительное. Ведь уличные художники превращают серые стены в красочные галереи.

По материалам Интернета

 

 

Переведи и запиши слова в начальной форме (pamatformā).

  

1) набросок —

2) проще —

Как написать свое имя на стене спальни | Главная Путеводители

Большинство из нас придает большое значение своим именам, особенно именам, которые мы выбираем для своих детей. Прекрасный способ отпраздновать свое имя или имена тех, кого вы любите, — превратить его в произведение искусства. Украшение стен вашей спальни именем сразу же персонализирует комнату. Навыки рисования не являются обязательным условием для создания именного искусства — используйте трафареты букв и цвет, который выделяется на фоне оттенка стены, чтобы создать фреску, достойную своего тезки.

  1. Очистите область, на которую вы хотите нанести трафарет, мыльной водой и промойте чистой тряпкой. Дайте стене высохнуть.

  2. Разложите трафареты с буквами на столе, чтобы понять, какое место вы хотите разместить на стене. Если нужная вам буква уже используется, временно замените ее на букву той же ширины для наглядности. Измерьте количество места, которое занимает имя по длине, и запишите это число.

  3. Поместите линейку пузырькового уровня на стену там, где вы хотите, чтобы нижняя часть букв начиналась – это особенно важно, если вы используете как прописные, так и строчные буквы.Слегка проведите линию до длины, которую вы записали в шаге 2.

  4. Отнесите трафареты для букв в рабочее место с хорошей вентиляцией и обрызгайте их тыльную сторону спрей-клеем для переноски. Дайте высохнуть и аккуратно перенесите письма обратно в спальню.

  5. Расположите трафарет с буквами на стене, совместив направляющие на трафарете с линиями, нанесенными на стену, и разгладьте трафарет с буквами на стене.

  6. Налейте выбранный вами цвет трафарета на пластину из пеноматериала и нанесите его кистью для трафарета.Промокните кисть о бумажное полотенце, пока кисть не станет почти сухой и не останется совсем немного краски.

  7. Держите кисть прямо вверх и вниз и вращайте кисть по часовой стрелке, начиная с внешнего края трафарета и продвигаясь внутрь. Если цвет недостаточно темный, снова нанесите на кисть краску. и повторяйте круговые движения по трафарету, пока не получите желаемый цвет.

  8. Медленно снимите трафарет, чтобы не размазать края буквы, и дайте букве высохнуть в соответствии с инструкциями производителя краски.

  9. Очистите верхнюю часть трафарета влажным бумажным полотенцем, чтобы убедиться, что он снова готов к использованию, когда он вам понадобится.

  10. Совместите следующий трафарет с готовым сухим письмом. Используйте направляющие на самом трафарете, а также начерченную вами направляющую, чтобы буквы были прямыми и располагались на одинаковом расстоянии друг от друга.

  11. Продолжайте рисовать остальные буквы имени таким же образом, пока не закончите все буквы. Дайте буквам высохнуть в соответствии с инструкциями производителя краски.

Почему настенные рисунки Сола Левитта так важны? – Общественная доставка

Sol LeWitt – Настенный рисунок #1136
Настенные рисунки Сола Левитта
1350 настенных рисунков за четыре десятилетия

За свою плодотворную и влиятельную карьеру Сол Левитт (1928–2007) создал около 1350 настенных рисунков. , включающий около 3500 инсталляций на более чем 1200 площадках. Сол Левитт – Инструкции для пирамиды , Галерея OMR, Мехико, 2017

Почему Сол Левитт позволил другим рисовать свои идеи?

В начале своей карьеры Сол Левитт начал привлекать других для выполнения своих настенных рисунков. Настенный рисунок 16 был впервые нарисован чертежником, что помогло Левитту реализовать свою работу в соответствии с его инструкциями и схемами, решив практические проблемы, такие как трудоемкость рисунков.

Однако более важно то, что этот выбор сформулировал убеждение Левитта в том, что концепция идеи, а не ее воплощение, составляет произведение искусства. Он также отвергал традиционное значение, придаваемое собственной руке художника .

Художник выполнил самые ранние настенные рисунки в пределах квадрата, обычно четыре на четыре фута (122 x 122 см) в ширину, но к 1969 году он использовал всю стену, начиная с настенного рисунка 16.Сол Левитт — Настенный рисунок № 16 , сентябрь 1969 г., черный карандаш, полосы линий шириной 12 дюймов (30 см), пересекающиеся в трех направлениях (по вертикали, горизонтали, диагонали вправо).

Различные типы настенных рисунков

Формы могут казаться плоскими, уходить в пространство или проецироваться в пространство зрителя, в то время как другие сливаются со структурой самой стены. Рисунки варьируются от:

  • Слои прямых линий, тщательно нарисованных черным графитовым грифелем
  • Ряды изящно нарисованных волнистых линий цветным карандашом
  • Смелые черно-белые геометрические формы
  • Яркие плоскости акриловой краской, расположенные в виде панелей складной ширмы
  • Чувственные рисунки, созданные десятками слоев прозрачной заливки
  • Клубок вибрирующих оранжевых линий на зеленой стене
  • И многое другое
Сол Левитт – Вид инсталляции, Пирамиды , Мариан Гудман, Париж, 17 ноября 2012 г. – 19 января 2013 г.
Сол Левитт: Любой может заниматься искусством

Поскольку Сол Левитт не любил публичные выступления, когда он посещал и читал лекции в Школе Музея изящных искусств в Бостоне в 1971 году, он не хотят прочитать лекцию студентам и вместо этого решили создать с ними рисунок.Настенный рисунок, который в результате получился, включал в себя поэтические инструкции по настенному рисованию.

Сол Левитт считал, что заниматься искусством может каждый, но качество зависело от идеи, из которой возникло искусство. Таким образом, написание инструкций по интерпретации для создания собственной версии настенного рисунка было важной частью процесса создания. на бумаге, 35,6 x 35,6 см

Инструкции Сола Левитта

В начале своей карьеры Сол Левитт начал использовать инструкции для определения своих невероятных концептуальных настенных рисунков, воплощая идеи, которые сами по себе стали произведением искусства.

Следуя идее концептуализма или концептуального искусства, где главное внимание уделяется идеям художника, Сол Левитт начал свои настенные рисунки с идеи, выраженной словами в качестве инструкции. Сол Левитт сосредоточился на концепции, а не на конструкции, и поэтому создал свои самые известные произведения искусства, основанные на инструкциях.

Инструкции, открытые для интерпретации

Основываясь на этом фокусе, Сол Левитт считал, что идея художника была произведением искусства сама по себе и могла считаться чертежом, подобным тому, который был разработан архитектором и основан на идее, которую другие люди могли бы интерпретировать. это и сделать это.

Он превратил элементы художественного процесса в сами произведения искусства. Его самая узнаваемая серия, настенные рисунки, представляет собой инсталляцию, созданную по его уникальным инструкциям. Инструкции не были такими точными, как чертежи, но создатели могли их интерпретировать.

Что содержали в себе инструкции

Инструкции Сола Левитта состояли из инструкций по созданию самого произведения искусства и изысканного словаря визуального искусства, намекающего на архитектурные спецификации и математические уравнения.Таким образом, направления также включали основные цвета, линии и упрощенные формы, используемые в соответствии с его собственными изобретенными формулами.

Инструкции были относительно просты, и, поскольку они открыты для интерпретации, никакие два произведения искусства, созданные разными художниками на основе одних и тех же инструкций Сола Левитта, не были бы одинаковыми.

О художнике

Сол Левитт был известным американским художником-концептуалистом и художником, родившимся в 1928 году и умершим в 2007 году. Наиболее известен своими красочными настенными рисунками , которые представляют собой исследование между архитектурой и самой работой, которой он гордился. себя в создании искусства, а не в его значении или материальной формулировке.

Он участвовал в войне в Корее, а затем открыл студию в Нью-Йорке, работая в журнале Seventeen, чтобы изучить свой интерес к созданию дизайна. Портрет Сола Левитта с кошкой

Почему Сол Левитт важен?

Левитт, который делал упор на идею своей работы, а не на ее исполнение, широко известен как один из ведущих представителей минимализма и концептуального искусства и известен прежде всего своими обманчиво простыми геометрическими структурами и настенными рисунками в архитектурном масштабе.

Его эксперименты с последним начались в 1968 году и считались радикальными, потому что эта новая форма рисования была преднамеренно временной и из-за элемента сотрудничества.

Видео: Как работал Сол Левитт?

Сол Левитт, как он работал и каким человеком он был, по воспоминаниям его бывшего помощника Джереми Зимана и куратора коллекции Сола Левитта Джанет Пассель.

4 мин. 2 сек. , июнь 1974 г., Черный карандаш и черный мелок, Коллекция Левитта, Честер, Коннектикут. Настенный рисунок № 280 , 1976
Шестидюймовая (15 см) сетка, покрывающая желтую стену.Синие линии от четырех углов, красные линии от середины четырех сторон, белые линии от центра к точкам на сетке.

1980-е
Sol LeWitt – Настенный рисунок #340 , июль 1980Sol LeWitt – Настенный рисунок #343A,B,C,D,E,F , декабрь 1980, белый мелок на черной стенеSol LeWitt – Настенный рисунок #343G , декабрь 1980 г., белый мелок на черной стене. Сол Левитт – Настенный рисунок #354 , 1981 г., тушь, инсталляция, Fondation Beyeler, Базель, Швейцария. LeWitt — Настенный рисунок № 356 BB, Куб без куба , 1981, inkSol LeWitt — Настенный рисунок № 366 , 1982 г. вид, Галерея 399 в Метрополитен-музее, август 2014 г. Сол Левитт, Настенный рисунок № 370 , 1982 г., инсталляция, Галерея 399 в Метрополитен-музее, август 2014 г. Сол Левитт – Настенный рисунок № 386 , 1983 г. , индийская тушь и цветная тушь
Stars with thr ee-, четырех-, пяти-, шести-, семи-, восьми- и девятиточечные, нарисованные светлым тоном тушью внутри, тушью снаружи, разделенные шестидюймовым (15 см) белым группа (AG) Sol LeWitt — Настенный рисунок № 393 , 1983, Красный, желтый, синий и черный мелки с черной карандашной сеткой на белой стене, вид инсталляции, Галерея Паулы Купер, Нью-Йорк Сол Левитт — Настенный рисунок № 397 , 1983, ART, a Hotel, Denver, COSol LeWitt — Настенный рисунок № 413 , 1984, цветные чернила
Серия рисунков IV (A) (24 рисунка) Sol LeWitt — Настенный рисунок № 442 , 1985, Концертный зал Фойе, Йель-Нусский колледж, фото: Дэвид ЧжанСол Левитт — Настенный рисунок № 467 , 1985, Галерея Мариан Гудман , Настенный рисунок № 487 , Настенный рисунок № 485 в Magasin – Centre National d’Art Contemporain de Grenoble, Франция, 1986 г., фото: Qu entin BertouxSol LeWitt — Настенный рисунок № 528 G , 1987, Цветные чернила, наложенные на стену. Сол ЛеВитт — Настенный рисунок № 564 , Сложные формы с наложением цветных чернил, 1988, вид инсталляции, Галерея Паулы Купер, сентябрь 2013 г. Сол Левитт — Настенный рисунок № 579 , ноябрь 1988 г., цветные чернила, частная коллекция, Нью-Йорк Сол ЛеВитт – Настенный рисунок № 620 , 1989 г., Fundación Botín, Сантандер, Испания 1990-е годы Sol LeWitt – Настенный рисунок #631 , 1990, индийская тушьSol LeWitt – Настенный рисунок #711 , 1992, Musée de Picardie, Amiens, FranceSol LeWitt – Wall Drawing #711 , Amiens de Picard, 1992, Muséee de Picard , ФранцияSol LeWitt – Настенный рисунок #681 , август 1993 г., Цветная краска Sol LeWitt – Настенный рисунок 793B , январь 1996 г., Цветная краска Sol LeWitt – Настенный рисунок 822 , апрель 1997 г., Акриловая краскаSol LeW itt – Настенный рисунок #831, 1997 (Геометрические формы) , акрилSol LeWitt – Настенный рисунок #869 , 1998
Скопированные линии. От вершины квадрата со стороной 48 дюймов (122 см) проведите непрямую горизонтальную линию. Линия черная. Вторая линия проводится под первой линией как можно ближе, имитируя первую линию. Следующая линия рисуется под второй линией. Продолжайте копировать, пока не будет достигнута нижняя часть квадрата.
Маркер или мелок, карандашSol LeWitt – Настенный рисунок #879, 1998, Loopy Doopy (черно-белый) , акрилSol LeWitt – Настенный рисунок 880, Loopy Doopy (оранжевый и зеленый) ) , сентябрь 1998, Акриловая краска, Addison Gallery of American ArtSol LeWitt – Настенный рисунок #836 , 1998, Bonnefantenmuseum, 2011, фото: Peter CoxSol LeWitt – Настенный рисунок #915 , сентябрь 1999, Акриловая краска Sol 90 LeWitt – Настенный рисунок #614 , 1999, Fundación Botín, Santander, SpainSol LeWitt – Настенный рисунок #901 , 1999, Bonnefantenmuseum, 2011, фото: Peter Cox
2000s
Sol LeWitt – Настенный рисунок #1005 Isometric form5. Декабрь 2001 г., Акриловая краскаSol LeWitt – Настенный рисунок #1037 , Апрель 2002 г., Акриловая краскаSol LeWitt – Настенный рисунок №1042 , Май 2002 г., Акриловая краскаSol LeWitt – Настенный рисунок №1113 , 2003 г., Музей Сола Хиршхорна – 09 Рисунок № 1081 , март 2003 г., Акриловая краска Sol LeWitt — Настенный рисунок № 1138: Формы, состоящие из цветных полос , 2004 г., акриловая краска, монтажный вид, Lisson Gallery, Лондон


Sol LeWitt — Настенный рисунок № 1118 , Whirls, 2004, акриловая краска, 125 1/4 x 280 3/4 inc, район Краун-центр, Канзас-Сити, США. Hartford, ConnecticutSol LeWitt – Wall Drawing #1183 , 2005, акриловая краска, Bonnefantenmuseum, 2011, фото: Peter CoxSol LeWitt – Wall Drawing #1183 , 2005, акриловая краска, Bonnefantenmuseum, 2011, фото: Peter CoxSol LeWitt – 9052 Настенный рисунок № 1152
, Whirls and Twirls (Met), апрель 2005 г., акриловая краска, коллекция LeWitt, Честер, Коннектикут. Коллекция Алессандро Маккаферри Сола Левитта — Настенный рисунок № 1238, Whirls and Twirls , 2007 г., Образовательный центр Джона и Мэри Паппаджон, 1200 Гранд-авеню, Де-Мойн. Образовательный центр Джона и Мэри Паппаджон, 1200 Гранд-авеню, Де-Мойн. Сол ЛеВитт — Настенный рисунок № 1256, Посольство США в Берлине , Германия, февраль 2008 г., Акриловая краска, 457 x 914 см. Сол ЛеВитт — Настенный рисунок № 1261 , июль 2008 г., графит, предназначен для Художественной галереи Йельского университета

Все изображения предоставлены Estate of Sol LeWitt/ARS, если не указано иное.

Другие работы Сола Левитта

Иллюстрированное посвящение Киту Харингу, его неудержимому искусству надежды и прекрасной связи с детьми — Маргинальский

Когда я рос в Болгарии, один из моих самых дорогих предметов был также одним из первых фрагментов американской культуры, проникших в наш дом после падения Берлинской стены и поднятия железного занавеса — небольшой квадратный настольный календарь в прозрачная пластиковая раскладушка, содержащая двенадцать иллюстрированных карточек, каждая из которых ярко оживлена ​​крошечными черными фигурками, танцующими в различных ликующих построениях на фоне праздника основных цветов. Я бы посмотрел вверх, чтобы насладиться его весельем между математическими уравнениями и домашними заботами. Каким бы мрачным ни был мой день, как бы ни опустилось мое детское сердце, эти фигуры переносили меня в жизнерадостный мир залитых солнцем возможностей. Я ничего не знал об их создателе, кроме имени на задней стенке раскладушки: Кит Харинг (4 мая 1958 г. — 16 февраля 1990 г.). Я ничего не знал о сладостно-горькой красоте его мужественной жизни, ничего о цепкой деятельности его искусства, ничего об огромной непрерывной цепи человеческих фигур, связанных родственными узами, которые он нарисовал на остатках той самой стены, рухнувшей миниатюрный памятник радости на моем столе.

Почти три десятилетия спустя, променяв Болгарию на Бруклин с помощью какой-то невероятной экзистенциальной акробатики, я снова столкнулся с работой Харинга в великолепной фреске, которую он нарисовал для молодежного клуба в Нью-Йорке в последний год своего двадцатилетия, незадолго до его смерти. смерть, которую мои друзья из Pioneer Works воскресили и принесли в наш район. Тот же прилив безудержной радости вливался в сердце взрослого от двадцатипятифутовой стены, что и в сердце ребенка от пятидюймового календаря.Я настроился на отголоски его чувствительности, разносящиеся по коридору времени, сильно отражаясь в работах признанных художников в моем собственном сообществе.

Задолго до того, как он переехал в Бруклин в поисках собственного призвания, поэт Мэтью Берджесс имел параллельный опыт расширяющего мир искусства Харинга, с которым он впервые столкнулся на обложке рождественской пластинки в четырнадцать лет, живя за золотым занавесом пригородного Южного Калифорния как подающий надежды художник и молодой гей, пытающийся найти себя.«Для тех из нас, кто вырос до того, как Интернет стал повсеместным, яркий фрагмент из внешнего мира может показаться важным открытием — и призывом», — пишет Берджесс в примечании автора к тому, что стало его серенадой художнику, открывшему умы. и мир возможностей для очень многих.

После десяти лет преподавания поэзии в государственных школах Берджесс вновь столкнулся с творчеством Харинга на ретроспективе в Бруклинском музее. После гипнотических часов в галереях он забрел в музейный книжный магазин и вернулся домой с копией опубликованных журналов Харинга, которую тут же проглотил.На ее страницах он понял, что особая родовая симпатия между детьми и творчеством Харинга не случайность его линии и цвета, а в самом центре его духа. В записи от 7 июля 1986 года Харинг пишет:

.

Дети знают то, что большинство людей забыло. Дети обладают очарованием своего повседневного существования, которое является особенным и было бы очень полезно для взрослых, если бы они научились понимать и уважать его.

Ранее сочинив Огромная малость — чудесную иллюстрированную биографию Э.Э. Каммингс, еще один художник, так страстно веривший в то, что «требуется мужество, чтобы вырасти и стать тем, кто ты есть на самом деле», — Берджесс был побужден пригласить молодых людей к уникальному искусству Кита Харинга и большому сердцу, из которого оно возникло. Так родился Рисунок на стенах: история Кита Харинга ( публичная библиотека ) — прекрасное дополнение к самым вдохновляющим книжкам-биографиям культурных героев.

Нежные слова Бёрджесса, гармонирующие с бурным искусством художника-монументалиста и иллюстратора Джоша Кокрана, следуют за юным Китом из его детства в маленьком городке Пенсильвании, рисующим за кухонным столом со своим отцом и макающим ладошки своей младшей сестры в краску, чтобы сделать ее мобильным телефоном. отпечатки ладоней, его невероятный путь в Нью-Йорк.

В один роковой день, возвращаясь домой на каникулы из Питтсбурга, куда он уехал изучать коммерческое искусство, но разочаровался в предписывающей форме, жаждал «быть спонтанным и свободным», Харинг случайно наткнулся на The Art Spirit — Роберта Генри, 1923 шедевр, который оказал влияние на поколение таких разных художников, как Джорджия О’Киф и Дэвид Линч. «Вставай, если это убьет тебя», — писал Анри лучшему другу О’Киф. «Я за человека, который берет удила в зубы и идет за тем, во что он верит.Книга Анри — приглашение, заклинание «делать то, что ты делаешь интенсивно» — придала молодому художнику силы взять в зубы кусочек собственного таланта и беспримерного творческого видения и идти навстречу этой интенсивности.

Проехав автостопом по стране со своим бесценным экземпляром «Дух искусства» , он отправился в Нью-Йорк.

В двадцать лет он поступил в Школу изобразительных искусств. (Кокран, чьи иллюстрации воплощают в жизнь жизнь Харинга в редком акробатическом триумфе чествования искусства другого художника в искусстве, которое является одновременно преднамеренно референциальным и полностью оригинальным, теперь преподает в Школе визуальных искусств — прекрасное свидетельство убеждения Роберта Генри в том, что «все любой человек может надеяться сделать это добавить свой фрагмент к целому.»)

Однажды он раздобыл несколько рулонов бумаги, лежащих в канаве между шумным нью-йоркским тротуаром и оживленной нью-йоркской улицей, и спонтанно «начал делать все большие и большие картинки».

Берджесс пишет:

Киту особенно нравилось рисовать на полу у открытой двери, куда лился солнечный свет.

Люди, проходящие по улице, останавливались, чтобы посмотреть или поговорить с ним о том, что он делает.Киту понравилось!

Он не верил, что одни люди понимают искусство, а другие нет, или что искусство нужно прятать в галереях, музеях и частных коллекциях.

Кит хотел общаться с как можно большим количеством людей. «Публика имеет право на искусство… Искусство для всех».

Прослеживая манящее самопознание Харинга на пустых рекламных щитах в метро и стенах, заполненных граффити, Берджесс подтверждает это кредо, спонтанно врываясь в свою собственную художественную форму — восхитительный сюрприз единственного стиха книги:

Может быть, это заставляет их улыбаться,
может, заставляет думать,
, может быть, вдохновляет рисовать
, танцевать, писать или петь.

Тем временем мы видим, как беседка воображения молодого художника украшается переживаниями полноценной жизни — он влюбляется, открывает клуб в подвале церкви на площади Святого Марка со своими друзьями, открывает для себя яркую культуру граффити Alphabet City слушает музыку своего парня, пока он рисует, и они вместе готовят.

Подобно художнице Агнес Мартин и поразительному множеству профессий, которыми она зарабатывала на жизнь, когда произвела революцию в искусстве, он берется за череду случайных заработков, чтобы выжить в Нью-Йорке — курьером на велосипеде, изготовителем сэндвичей, помощником в галерее в Сохо и сборщиком полевых цветов в Джерси. и всегда, всегда его любимое занятие: рисовать с детьми в бруклинском детском саду.

Все это время он продолжает рисовать на стенах, наслаждаясь тем маленьким, огромным моментом, когда незнакомец останавливается на полпути в этом неудержимом городе для красочного момента непрошенного чуда. Берджесс пишет:

Для Кита это и было искусством — моментом, когда люди видят это и реагируют.

Наконец, через четыре года после того, как молодой художник Нью-Йорка прыгнул в восхитительную неопределенность жизни, произошел его большой прорыв — крупная персональная выставка в галерее Сохо.Это запустило машину возможностей и приглашений Руба Голдберга, превратив мир в его холст — от стены итальянского монастыря до Берлинской стены и снова до стены.

Берджесс пишет:

Но как бы он ни был занят и куда бы ни отправился, он всегда находил время для детей.

Кит понимал детей, и они понимали его.
Между ними была негласная связь.

А поскольку дети часто просили его рисовать на их футболках, скейтбордах и джинсах, он всегда держал под рукой черный маркер.

В оставшиеся семь лет его жизни, по мере того как мир искусства осыпал Харинга признанием и аплодисментами, его рисунки покрывали стены детских домов, больниц и детских садов. Когда он пять дней красил стену чикагской средней школы вместе с ее 500 учениками, один из них подошел к нему и сказал, что только дети способны заглядывать в суть вещей и называть то, что там есть, не задумываясь. или притворство:

Судя по тому, как ты рисуешь, ты действительно любишь жизнь.

Вскоре после этого жизнерадостность Харинга была отмечена четырьмя буквами, которые означали верную смерть для многих молодых людей его поколения. Но даже его диагноз СПИД не задушил его буйной любви к жизни — он только усилил ее. Берджесс цитирует дневник Харинга:

.

Я ценю все, что произошло, особенно подарок жизни , который я получил, что создало молчаливую связь между мной и детьми. Дети чувствуют эту «вещь» во мне.

Кит Харинг красит стену в музее Палаэкспо в Риме, 1984 год. (Фотография Стефано Фонтебассо де Мартино; используется с разрешения.)

Drawing on Walls излучает эту исключительную вещность своим чутким, смелым почтением к художнику, чья короткая жизнь пролила свет на стольких людей, рябь в пространстве и времени. Дополните его прекрасными стихами о смелости для детей Майи Анжелу, проиллюстрированными современником Харинга Жаном-Мишелем Баския, и книжками-биографиями Вангари Маатаи, Марии Митчелл, Ады Лавлейс, Луизы Буржуа, Э.Э. Каммингс, Джейн Гудолл, Джейн Джейкобс, Джон Льюис, Фрида Кало, Луи Брайль, Пабло Неруда, Альберт Эйнштейн, Мадди Уотерс и Нелли Блай, а затем вернемся к Э. Каммингсу — предмету первой книжной биографии Берджесса — о мужестве. быть собой.

Иллюстрации предоставлены Enchanted Lion Books; фотографии Марии Поповой

Фреска — История и значение

Без сомнения, фресок  существовали столько же, сколько люди, как форма ценного свидетельства жизни с доисторических времен до наших дней.От наскальных рисунков в Ласко Гроты  на юге Франции до современных фресок стрит-арта люди оставляли следы своего существования во многих местах по всему миру. Именно благодаря самым ранним царапинам, резьбе, гравюрам и картинам мы теперь обладаем бесценными знаниями о нашей истории и предшественниках, и эти фрески имеют большое значение для человечества, так как изображали жизненную деятельность, бытовые пейзажи и, как правило, религиозные традиции того времени, когда они были созданы. были созданы в России, что дает нам бесценное представление о разнообразии наших культур в разные периоды.

С течением времени фрески покрывали интерьеры и экстерьеры многих общественных зданий, таких как дворцы, храмы, гробницы, музеи, библиотеки, церкви и дома богатых меценатов, а совсем недавно распространились на улицы и архитектурные элементы, при этом сохраняя свой первоначальный смысл и назначение: нарисовать картину общества, созданную из историй, ценностей, мечтаний, перемен.


Доисторические фрески, найденные в пещерах Франции и Испании.Изображение через википедию

Что такое фреска? Определение и прогулка по известной истории

Слово фреска происходит от латинского слова «murus», что означает стена . Сегодня мы можем определить фреску как любое произведение искусства, нарисованное или нанесенное непосредственно на стену, потолок или другие большие постоянные поверхности, плоские, вогнутые или выпуклые, если быть точным. Излюбленная техника многих художников, в том числе таких мастеров, как Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонарроти , искусство мурализма процветало в 1920-х годах, после мексиканской революции.

Именно во время Мексиканского мурализма фрески приобрели новое измерение как мощный инструмент визуальной коммуникации, предназначенный для продвижения мнения людей и передачи социальных и политических сообщений, направленных на единство. Благодаря большим картинам «великой тройки»: Диего Риверы, Хосе Клементе Ороско и Давиду Альфаро Сикейросу настенная живопись стала самой важной формой выражения, часто предметом споров и всегда символом солидарности, свободы и надежды. Мексиканское настенное искусство вдохновило на создание многих других подобных движений по всему миру, самым крупным из которых было художественное движение чикано в 1960-х годах.

Фрески

также представляют собой одну из наиболее важных особенностей Северной Ирландии , изображая прошлое и настоящее политическое и религиозное разделение региона. С 1970-х годов в стране появилось почти 2000 настенных росписей, посвященных борьбе с расизмом и защите окружающей среды, среди многих других вопросов. Еще одним известным местом с политическими фресками была Берлинская стена, на западной стороне которой было много фресок между ее созданием в 1961 году и разрушением в 1989 году, в том числе работы Кита Харинга и Тьерри Нуара.

Ознакомьтесь с работами Кита Харинга на нашем рынке!


Фрагмент фрески Диего Риверы, изображающей историю Мексики, в Национальном дворце в Мехико, округ Колумбия. Изображение из Википедии

Техника росписи стен

Поскольку фрески покрывают довольно большие поверхности, которые могут иметь различную текстуру, структуру и атрибуты, художники-росписи разработали несколько техник, адаптированных к их «холстам». Одним из старейших методов, несомненно, является Фресковая живопись , при которой краска наносится на штукатурку на стенах или потолках.Смешанная с водой и пигментом на влажной штукатурке, краска взаимодействует с воздухом, вызывая химическую реакцию, которая фиксирует частицы пигмента в штукатурке.

Другими известными материалами, используемыми в росписи, являются темпера , масляная живопись (один из самых простых, но непрозрачных методов), акриловая краска , роспись кистью, валиком или аэрографом/аэрозолью. Иногда по завершении фрески можно покрыть слоями лака или защитной акриловой глазури, чтобы защитить работу от ультрафиолетовых лучей и повреждения поверхности.

Совсем недавно художники представили цифровые методы настенной росписи , такие как настенные пейзажи — большие рекламные объявления, которые можно было рисовать непосредственно или распечатывать на виниле, а затем прикреплять к поверхности. Очень часто они заказываются меценатами, государственными учреждениями или крупными корпорациями из-за требовательности работы и цены росписей, а также иногда создаются вопреки закону.


Шепард Фейри создает одну из своих фирменных фресок в Университете искусств и дизайна Санта-Фе.

Современные фрески — инструменты социальной эмансипации

Оставаясь верными своей роли выражения религиозных и политических убеждений в обществе, фрески представляют собой могущественный инструмент эмансипации , свободы слова и социальной активности и пропаганды .Настенная живопись считается важным аспектом социально привлекательного искусства и играет важную роль в отношениях между искусством и политикой.

Сегодня во многих местах по всему миру и в основном в Южной Америке фрески используются для того, чтобы говорить от имени и изображать сообщества, нации и культуры. В то же время фрески представляют собой эстетический элемент, который помогает им интегрироваться в окружающую среду и превращает их в настоящие культурные артефакты и даже монументальные произведения.Помимо их четко определенного значения, фрески создаются и с другими целями, такими как реклама или просто ради красивого изображения на стене.

Поскольку городское искусство становится все более популярным, многие крупные бренды часто сотрудничают с художниками-монументалистами в создании рекламных кампаний и дизайнов, а многие всемирно известные художники уличного искусства и граффити успешно рисуют свои муралы повсюду, демонстрируя невероятные навыки и талант, которые сформировали их собственные весьма отличительные художественные стили.Благодаря такому замечательному наследию художников, как Кит Харинг , Шепард Фейри , Ос Гемеос , ФАЙЛ и многих других, армия молодых художников создала поистине выдающиеся работы, такие как работы Никоса, Блу, Сета. Globepainter, Millo, Phlegm, Icy & Sot и многие-многие другие, создающие удивительное произведение настенного искусства, которым мир может наслаждаться и общаться.

Смотрите доступные работы Шепарда Фейри на нашей торговой площадке!

Совет редактора: Фрески Нью-Йорка: лучшие из публичных картин Нью-Йорка от Бемельманса до Пэрриша

Эта книга знакомит читателей с широким спектром культурных икон и художественных сокровищ, начиная от зданий судов и заканчивая библиотеками, школьными классами и классическими барами отелей. Полноцветные изображения работ самых известных художников мира, включая Марка Шагала, Роя Лихтенштейна, Максфилда Пэрриша и других, сопровождаются информативным и историческим комментарием. Murals Of New York City идеально подходит для любителей искусства и архитектуры и служит ресурсом для жителей Нью-Йорка и сувениром для миллионов туристов, которые посещают город каждый год. Книга содержит адреса и историческую информацию о каждой настенной росписи, художнике и месте, включая обстоятельства, при которых они были созданы, отреставрированы и сохранены.

Рекомендуемое изображение: Кит Харинг рисует фреску. Фото Хуана Риверы через Getty. In Slider — фреска JR в Париже. Изображение через lagunadirt / Фреска Os Gemeos в Лиссабоне, Португалия / Тьерри Нуар за работой над Берлинской стеной.

Все изображения использованы в иллюстративных целях.

7 древнейших наскальных рисунков в мире

После путешествия к наскальным рисункам Альтамиры на севере Испании Пикассо сказал знаменитую фразу: «После Альтамиры все пришло в упадок. Пикассо не шутил. Искусство внутри этой пещеры и в большинстве других пещер, разбросанных по частям Испании, Франции и других регионов мира, является одним из лучших произведений искусства, когда-либо созданных. Как и все великое искусство, они дадут представление о том, как думали люди того времени, хотя это происходило десятки тысяч лет назад. Вот список древнейших наскальных рисунков:

.

7. Пещера Магура

Дата: 6300 г. до н.э. – 3000 г. до н.э.
Место: Болгария
Тема: Силуэты женщин, мужчин, охотящихся и танцующих звезд, животных, растений, инструментов и масок.
Открыт: Совет Министров Болгарии

источник фото: staticflickr

В Болгарии пещера Магура является одной из крупнейших пещер в северо-западной части страны. Стены его пещеры украшены доисторическими наскальными рисунками, датируемыми от 8000 до 4000 лет назад. На стенах пещеры было обнаружено более 700 рисунков. Они расписаны экскрементами летучих мышей и изображают танцующих и охотящихся людей и различных животных.

Нарисованные знаки можно разделить на четыре группы: символические, геометрические, зооморфные и антропоморфные фигуры.К первой группе относятся битреугольные силуэты с лучниками, поднятыми округлыми руками, копулами, итифаллическими фигурами, линейными схематичными антропоморфными фигурами с «грибовидными» и поднятыми руками. Что касается зооморфных объектов, то это полорогие, каприды, собаки, крупные птицы, а также схематические линейные четвероногие. Геометрические знаки изображают вертикальные параллельные линии, Т-образные фигуры, вертикальные параллельные зигзаги, горизонтальные зигзаги, древовидные или ветвистые фигуры, ромбы, шахматные узоры, скрещенные сети, горизонтальные ступенчатые узоры, скрещенные круги и сотовые сети.Несколько фигур с лучистым кругом, прежде всего две уники календарной сцены, представляют собой изображение солнца.


6. Куэва-де-лас-Манос

Дата: 7000 г. до н.э.
Местонахождение: Аргентина
Тема: Очертания рук человека
2

источник фото: википедия

В ландшафте Патагонии на юге Аргентины Куэва-де-лас-Манос представляет собой пещеру в изолированном регионе.Он будет основываться на трафаретных очертаниях рук людей; однако есть также несколько изображений нанду, гуанако, дополнительных животных и сцен охоты. Большинство человеческих рук — левые, что позволяет предположить, что маляры держали трубы для распыления правой рукой. Считается, что эти картины были сделаны от 13 000 до 9 500 лет назад.

В Куэва-де-лас-Манос в Аргентине есть наскальное панно с ручной росписью, созданное жителями 9000 лет назад. Руки в основном были нанесены по трафарету.Кроме того, внутри пещеры есть наскальные изображения людей, нанду, гуанако, кошек и других животных, а также зигзагообразные узоры, сцены охоты, изображения солнца и геометрические фигуры.


5. Лаас Гал

Дата: 9000 г. до н.э. – 3000 г. до н.э.
Место: Сомали
Субъект: Коровы в церемониальных одеждах, домашние собаки-жирафы, которых сопровождает домашний жираф.
Открыто: Французская археологическая группа

источник фото: википедия

Лаас-Гаал — это скальное убежище и пещерный комплекс на северо-западе Сомали, в котором находятся некоторые из самых ранних известных наскальных рисунков на Африканском Роге и в целом на Африканском континенте.Предполагается, что этим доисторическим наскальным рисункам от 11 000 до 5 000 лет. На них изображены коровы в церемониальных одеждах, которых сопровождают жираф, домашние собаки и люди. Наскальные рисунки хорошо сохранились и сохраняют яркие цвета и четкие очертания.

В Африке наскальные рисунки Лаас-Гил считаются одними из самых ярких наскальных рисунков. Среди прочего на них изображен крупный рогатый скот в церемониальных одеждах, которого сопровождают люди, которые, как считается, были жителями региона.Шеи крупного рогатого скота украшены своеобразным пластроном. Также часть скота изображена в декоративных одеждах. Помимо длиннорогого скота, на наскальных рисунках изображена домашняя собака, множество рисунков псовых и жирафа. Это место хорошо сохранилось из-за расположения картин, покрытых гранитными навесами.


4. Бхимбетка

Дата: Дата: 13 000 до н.э. до 12 700 до н.э.
Расположение: Bhopal
Тема: Тема:
Животные, такие как тигр, бизон, дикий кабан, носороги, обезьяны, слоны, ящерицы, антилопы, павлины и т. Д.в изобилии были изображены внутри этих каменных укрытий.
Кем обнаружен: Доктор Вишну Ваканкар/археолог

источник фото: википедия

Бхимбетка, расположенная в центральной Индии, содержит более 600 скальных убежищ, украшенных доисторическими наскальными рисунками. В основном выполненные в белом и красном цветах с редким использованием желтого и зеленого, картины обычно изображают времена и жизнь тех, кто живет в пещерах. В некоторых пещерах также можно увидеть таких животных, как тигры, бизоны, крокодилы и львы.Считается, что его самым старым картинам около 12 000 лет.

Наскальные рисунки имеют ряд слоев, относящихся к различным эпохам времени, которые варьируются от эпохи мезолита, верхнего палеолита до раннего исторического, протоисторического и средневекового веков. Считается, что самые древние сцены здесь относятся к эпохе мезолита. Захватывающие дух картины можно увидеть даже на потолке скальных укрытий на устрашающей высоте.
Растительный покров и густой лес предохранили наскальную живопись от потери капризами природы.В основном выполненные в белом и красном цветах, с периодическим использованием желтого и зеленого цветов с темами, взятыми из повседневных событий многолетней давности, декорации обычно изображают танцы, охоту, всадников на слонах и лошадях, сбор меда, бои животных, маскировку, украшения. тел, масок и различных видов животных.


3. Картины Ласко

Дата: Дата: 17 000 лет
Расположение: Франция 9058 Тема: Олень, Лошади и быки
Обнаружены: Marcel Ravidat

источник фото: википедия

Пещеры Ласко, получившие прозвище «доисторическая Сикстинская капелла», представляют собой пещерный комплекс на юго-западе Франции, украшенный самыми известными и впечатляющими наскальными рисунками в мире.Возраст этих наскальных рисунков оценивается примерно в 17 000 лет.

Многие картины расположены далеко от входа и должны быть выполнены при помощи свечей. Самая известная картина — «Большой зал быков», на котором изображены олени, лошади и быки. Один из его быков имеет длину 17 футов, это самое большое животное, найденное до сих пор в любой пещере.


2. Серра-да-Капивара

Дата: 23 000 г. до н.э.
Местонахождение: Бразилия
Тема: Сцены охоты и ритуалов, животные и деревья.
Кем обнаружен: Люди Хлодвига

источник фото: википедия

На северо-востоке Бразилии в национальном парке Серра-да-Капивара находится несколько скальных укрытий, украшенных наскальными рисунками. Эти картины включают в себя сцены охоты и ритуалов, капивары животных и деревья. Некоторые исследователи считают, что самые старые наскальные рисунки в парке были созданы 25 000 лет назад. Тем не менее, это оспаривается многими генетиками, поскольку это противоречит принятой в настоящее время дате заселения людьми Америки.

Человеческие фигуры и дикие животные доминируют в этом наскальном искусстве и интегрированы в сложные декорации, в которых участвуют сверхъестественные существа, охота, танцы, стычки и сексуальные действия. Художники изобразили этих животных, бродивших по территории древнего заросшего лесом: броненосца, благородного оленя, ягуара, капивару, тапира, ящерицу и, среди прочих, гигантскую нанду. Из них наиболее распространенным является благородный олень. Животное иногда просто нарисовано по контуру, а иногда полностью заполнено или украшено внутри рядами точек или геометрическими узорами.Обычно крупные млекопитающие рисуются группами и обычно изображаются бегущими, как бы пытающимися убежать от охотников.


1. Пещера Альтамира

Дата: Дата: 35 600 лет назад
Расположение: Расположение: Испания
Тема: Охра и древесные изображения отдельных гратентов, бизонов и лошадей
Обнаружены: Marcelino Sanz de Sautuola

источник фото: википедия

Пещера Альтамира, открытая в 19 веке на севере Испании, была первоначальной пещерой, в которой были найдены доисторические рисунки.Картины были настолько высокого качества, что научное общество усомнилось в их подлинности и обвинило первооткрывателя в подделке.

Большинство людей не думало, что доисторические люди обладали интеллектуальными способностями к художественному самовыражению. Только в 1902 году они были признаны подлинными. Изображения отпечатков ладоней, бизонов и лошадей, выполненные охрой и углем в пещере Альтамира, являются одними из наиболее хорошо сохранившихся картин в мире.

Исследуйте стены Винвуда в Майами

Автор: Jennifer Agress

Откройте для себя историю Wynwood Walls в Майами

Помимо блеска и гламура, Большой Майами и Майами-Бич также могут похвастаться красочным и вычурным районом Уинвуд.Винвуд стал пристанищем для начинающих художников, граффити, креативщиков и молодых новаторов. Этот процветающий район находится всего в нескольких минутах от центра Майами, недалеко от Мидтауна и дизайнерского района Майами, вокруг стен Уинвуд. Коллекция гигантских настенных росписей, покрывающих шесть зданий, Wynwood Walls с тех пор стала чистым холстом для знаменитых художников со всего мира.

Фреска Тони Голдмана Шепарда Фейри на стенах Винвуда

История Винвуда

В 1970-х Винвуд представлял собой набор стареющих складов.Так было до начала 2000-х, когда предприниматель, защитник исторических памятников, девелопер, ресторатор, отельер и меценат Тони Голдман увидел в нем потенциал.

Человек, стоящий за возрождением Сохо и Саут-Бич, Тони Голдман сосредоточил свою компанию Goldman Properties на превращении этого пришедшего в упадок района в культурный оазис. Wynwood Walls, открывшийся на выставке Art Basel 2009, стал воплощением в жизнь видения Голдмана художественной галереи под открытым небом. Позже это переросло в район, в котором ценится искусство, и ежемесячные художественные прогулки Уинвуда подтвердили видение создателя района, который станет холстом для городского уличного искусства.

Сегодня Винвуд удобен для пешеходов и включает в себя произведения искусства, куда бы вы ни повернулись. В то время как сами стены Винвуда тщательно сохраняются, здания, окружающие парк, покрыты фресками, которые постоянно меняются, когда художники приезжают и уходят через Винвуд в поисках вдохновения.

Войдите в мир Wynwood Walls

Художники Wynwood

Художники-монументалисты, заработавшие себе место на стенах Винвуда, менялись с годами, но некоторые из них сделали себе имя в процессе.Одна художница, Айко, японская художница, живущая в Бруклине, собрала своих лучших друзей со всего мира, и вместе они использовали большие трафареты, созданные Айко вручную, для завершения своего проекта 2009 года. Недавно Айко обновила свою работу в 2013 году в рамках проекта «Женщины на стенах».

Другая художница, Леди Пинк, родом из Эквадора. Начав заниматься граффити в 1979 году, она годами рисовала поезда метро в Нью-Йорке и быстро стала известна как первая женщина, которая выделилась и заняла место граффити, где доминируют мужчины.

Maya Hayuk, с другой стороны, известна своими картинами космоса, украинскими поделками, аэрографическим маникюром и мандалами. Ее абстрактные картины включают в себя элементы ее непосредственного окружения, и помимо Wynwood Walls, ее культовые фрески на открытом воздухе можно найти по всему миру, в том числе в другом здании Goldman Properties: Houston Bowery Wall.

Помимо этих популярных художников, в Wynwood Walls представлены работы Avak, Cryptik/DALeast, How&Nosm, Neuzz, Swoon, OS Gemoes и других.

Фреска Шепарда Фейри Rise Above с изображением Далай-ламы

Что посмотреть и чем заняться

Когда вы посетите Wynwood Walls, вы почувствуете вкус разнообразного мира искусства Майами. Украшенный всем, от фресок Далай-ламы в натуральную величину и цитат граффити до абстрактных картин и неземных скульптур, Wynwood Walls столь же уникален, сколь и креативен.

Самое популярное время для посещения — вторая суббота каждого месяца, во время Wynwood Art Walk. Это ежемесячное мероприятие превращает весь район искусств Винвуд в ночную уличную вечеринку и фестиваль искусств с фургонами с едой, живой музыкой и художественными галереями, открытыми допоздна и раздающими напитки.

Конечно, Wynwood популярен во время Art Basel Miami Beach, ежегодной всемирной художественной ярмарки, на которую съезжаются художники и любители искусства со всего мира. Перед Art Basel художники Wynwood Walls приезжают, чтобы обновить свое искусство или создать новые произведения, призванные шокировать и вдохновлять, и любая голая стена, поверхность или структура становятся холстом для некоторых из самых неожиданных творений.

Рядом с Wynwood Walls есть множество магазинов, которыми посетители могут воспользоваться. Магазин Wynwood Walls, например, открылся в 2012 году и содержит коллекцию подарков, книг, гравюр и многого другого, вдохновленных и созданных художниками Wynwood Walls.Также доступны путеводители и книги об этом районе, которые посетители могут приобрести, чтобы лучше понять историю и развитие Уинвуд-Уоллс.

Пройдите немного дальше, и вы найдете все: от роскошных комиссионных магазинов и уникальных бутиков до ювелирных магазинов, модных домов и многого другого. Некоторые популярные магазины включают MVM Miami, Nomad Tribe, Boho Hunter и Basico.

Не пропустите местный фаворит Coyo Taco

Где пообедать

Удивительные рестораны появились по всему району, все в нескольких минутах ходьбы от Wynwood Walls, которые стали синонимом креативной кухни. Из них некоторые фавориты — Coyo Taco и Joey’s Italian Café. Joey’s открыт с 2008 года и известен во всей стране своей вкусной пиццей и пастой из региона Венето, а карта вин делает его популярным местом для неформального напитка. Чтобы отведать азиатские блюда фьюжн в стильной оригинальной обстановке, отправляйтесь в Back Door Monkey. А за аппетитной веганской едой и напитками в безмятежной обстановке отправляйтесь в Plant Miami, расположенный в Sacred Space.

Проведите день искусства и солнца в Wynwood Walls

Экскурсии и общая информация для посетителей

Wynwood Walls эволюционировали, чтобы встречать посетителей безопасным и обновленным опытом.Думайте об этом как о крутом, прогулочном музее под открытым небом. Wynwood Walls внедрила систему продажи билетов, новое программное обеспечение и дополнительные удобства, чтобы посетители могли наслаждаться стенами с большим пространством вокруг них.

Официальные экскурсии по стенам предлагаются компанией Wynwood Buggies и проводятся обученным и аккредитованным послом. Эти туры проливают свет на постоянно меняющиеся фрески в Уинвудских стенах, а также на самых легендарных граффити-райтеров и культовых уличных художников. Официальные экскурсии доступны для всех возрастов.

Wynwood Walls открыт с понедельника по четверг с 11:00 до 19:00;
пятница и суббота с 11:00 до 22:00;
и в воскресенье с 11:00 до 21:00.
Магазин Wynwood Walls открыт с воскресенья по четверг с 11:00 до 17:00 (закрыт по вторникам); а по пятницам и субботам с 11:00 до 19:00.

229 Идеи для названия бизнеса в области цифрового искусства, чтобы вас заметили в Интернете

Итак, вы хотите начать свой собственный бизнес в области цифрового искусства.Потрясающий! Не могу решить, как это назвать? Ну, не смотрите дальше. В этой статье вы найдете множество креативных идей для названий, которые вы можете использовать, чтобы найти вдохновение для названия вашего предприятия цифрового искусства.

Название вашего бизнеса может решить эту мечту или разрушить ее, поэтому вам нужно начать с хорошего, выбрав правильное название для своего бизнеса. Хорошее, привлекательное имя привлечет потенциальных клиентов к вашему бизнесу, а также повысит ценность компании.

Вы хотите что-то запоминающееся, запоминающееся и говорящее от имени вашей компании, чтобы выделить вас среди конкурентов.Что ж, этот процесс может быть довольно сложным, но именно здесь мы вступаем!

Мы составили список идей для названия бизнеса в области цифрового искусства, собранных в результате нашего общего мозгового штурма с художниками и профессионалами в этой области.

Итак, без лишних слов, приступим.

Названия компаний Catchy Digital Art

Что в имени? Много оказывается. Независимо от того, каким видом бизнеса вы занимаетесь, в 9 случаях из 10 имя, которое вы для него выберете, сформирует его репутацию и восприятие.В индустрии цифрового искусства название вашей компании имеет гораздо большее значение.

Поэтому мы придумали для вас множество броских названий, которые можно использовать для всех видов бизнеса в области цифрового искусства и интерактивного дизайна. Посмотри!

  • Digital Artwork
  • галерея пикселей
  • галерея Pixels
  • Digital Design
  • Digital The Diginal
  • Sparkle Graphics
  • цифровых оттенков
  • Art Hub
  • Цифровые произведения искусства
  • Цвет Меня цифровой
  • пиксель возможен
  • Digital Dream Art
  • Произведение искусства
  • Art Innovation
  • Digital Magic
  • Creative Galaxy
  • Pixel Perfect Performance
  • Association of Digital Artists (ADA)
  • Visual Content is King
  • Spark of Inspirational Digital Designs

  • Art Scissor
  • эскиз искусства
  • Kids Digital Art
  • New Media Group
  • New Media Group
  • Digital Art Creator
  • Magical Graphix Magicized Image
  • Magical Graphix LLC
  • Images Factory
  • цифровые шестерни
  • Studio Arts
  • Art Studio ·
  • Acticies Designs Inc.
  • Высококачественный дизайн
  • Starry Sky
  • Digital Arts Network
  • Digi Art
  • Art Endingment
  • Цифровая художественная галерея
  • Цифровой дизайн-сеть (DDN)
  • Digital Fusion
  • Art Pro
  • картина Perfect
  • Art Design Studio
  • художника Размещение
  • Flats Digital
  • Уникальная концепция
  • Art of Digital
  • Цифровые художественные Creations
  • Цифровой арт-арт
  • Цифровые арт-профессионалы
  • Цифровое художественное агентство
  • Цифровые Портфолио 9 0008
  • Штрих-коды
  • Apogee Digital
  • Часть Digital Art
  • Online Art Co.

 

Творческие названия компаний в области цифрового искусства

Создание цифрового искусства требует творчества, страсти, мотивации и решимости. Так же, как и наличие привлекательного названия для вашего бизнеса в области цифрового искусства.

Креативное и привлекательное название может иметь большое значение для вашего бренда. В современной индустрии крайне важно, чтобы ваше имя не только создавало ощущение сплоченности, но и чтобы оно отражало видение вашего искусства.

Вот длинный список креативных названий, которые вы можете использовать, чтобы назвать свой собственный бизнес цифрового искусства.Наслаждаться!

  • Цифровая палитра
  • Coyote Digital Graphics
  • Pixel Art
  • Цифровые портреты
  • Creative Pixel Studio
  • Vivid Digital Art
  • Эксклюзивные изображения
  • Virtual Art
  • Pixel Power
  • New Age Arts
  • Digital Art Art Arts
  • Услуги цифрового искусства
  • Доступные Mastempectes
  • Цифровые Creations
  • Sparkle PixeL
  • Art Critique
  • Художественные веб-дизайна
  • Hoteshop Wizard
  • онлайн Creative Studio
  • Цифровые чертежи
  • Crafty Hands Art
  • Doodle Art
  • Цифровое художественное агентство
  • Digital Creative
  • Цифровые шедевры
  • Цифровая крепость Happy Mind’s
  • Digital Dream Company
  • Digital Fun
  • Art Gear
  • Art and Design Co.
  • 123 Digital
  • 123 Hightistic Circle
  • Creative Network
  • Vivacive Pixel
  • Животные люди LLC
  • Digital IT
  • Доступное Art
  • Живые цифровые
  • Один-стоп цифровой магазин
  • Цифровая галерея
  • Форма Дизайн
  • 3D Дизайн
  • Arty Designs
  • Цифровой arty
  • Графический дизайн
  • Графический дизайн
  • Материалы изготовления
  • Материалы искусств
  • Цифровые Paintbrushes
  • Цифровые создатели
  • Digital Media Group LLC
  • Цифровая картина
  • Pixel Perfect
  • Цифровая Dreamer Art
  • Wonder Grapice, LLC
  • ART PLUS
  • Цифровые эксперты
  • Digital Arts Network
  • Искусство для ваших стен
  • Digital Indigo
  • Art Mates
  • Visual Designs
  • Digital Designer
  • Proughbox Proube
  • Cubik Цифровые изображения
  • Лучшая визуализация
  • Art Zen
  • Искусство в Интернете
  • Abstract Web Design LLC
  • Pixel Designs Inc.
  • Jet Pix
  • Digital Art Design
  • Digital Art
  • Graphic Art
  • Creative Digital Art
  • Creative Digital Art
  • Digital Digital INC
  • Digital Diving
  • Pixel Dolls
  • Цифровые Mastempectes
  • Цифровой консультант
  • Digital Aridist News
  • Digital Artist Bug
  • яркие огни
  • цифровая анимация студия
  • Impulse-o-графика
  • студия Dreams
  • The Digital Art of Dreams
  • Silky Stardust Companies
  • Silky Stardust Windows
  • цифровые выражения
  • цифровой арт-корпорация
  • Electronic Art Gallery
  • цвет Master
  • Футуристический Creative LLC
  • Fovericing Fox Digital Design
  • Цифровая рука
  • Цифровой Рука
  • Цифровая компания
  • Компания Интернет
  • Арт Облако
  • Pixel Street
  • Фантастические изображения
  • Онлайн Работа
  • Решения
  • Великие цифровые художники

 

Уникальные бизнес-названия NFT

В этом разделе мы собрали и перечислили несколько новых, творческих и свежих идей имен NFT, которые помогут вам в процессе мозгового штурма. Надеюсь, эти идеи помогут вам придумать уникальное имя, которое поможет вашему бренду выделиться из толпы.

  • New Age Designer
  • Hipster Designs
  • Hipster Desture
  • NFT Vault
  • NFT ZTH
  • Habitat NFT
  • Assire FT
  • Aperture NFT
  • Священные стены NFT
  • Цифровой арт-каркас DFT
  • Wonder
  • Digital Art Archive
  • Библиотека искусств
  • NFT Art Lounge
  • NFT BAZAAR (Рынок)
  • Bounty Hunter Art
  • Бесплатная рука Hunter Art
  • DFT Champion
  • NFT
  • Digital Swarm
  • Shinker
  • Цвет Ваша история
  • NFT Community
  • NFT Galleria
  • Arts & Crafts
  • Digital Art Agency
  • современный художник
  • рисованной стиль
  • искусства и культуры
  • Творческая душа
  • Художественный брендинг
  • NFT цифровая графика
  • Avid Artist
  • The Artistic Monkey
  • NFT Digita L картины
  • Berry Digital
  • Planet Dinky
  • Nerd Tattoo
  • Penguin Socials
  • Beary Big ink
  • Super NFT
  • Тостические чернила
  • Костюмы и галстуки
  • Простые трафареты
  • Смешанные искусства
  • за пределами поверхности
  • серый район
  • Monochrome (моно)
  • Brournism Art
  • Blurrism
  • Mode Iscection
  • stealth Mode
  • минимальный арт
  • художественный шедевр
  • арт ботов
  • Arty Doodle
  • Arty Muse
  • !
  • Цифровые портреты
  • Векторная графика
  • Bee Free Art
  • New-Wave Art

 

Как назвать свой бизнес в области цифрового искусства?

Выбор названия компании — одно из самых важных решений, которое вы примете на начальных этапах своего арт-бизнеса. Это почти так же важно, как и решение о том, какое произведение искусства вы будете делать.

Он служит лицом вашего бизнеса. Это основа брендинга вашей компании, которая отразится на ваших продуктах или услугах. Хорошее имя может привлечь к вам больше клиентов и помочь вам завоевать доверие, но плохое имя может нанести непоправимый ущерб вашему бизнесу. В конечном счете, вы хотите использовать имя, которое люди запомнят и свяжут с ними.

Таким образом, выбирая хорошее название для своего бизнеса, вы должны учитывать направление своей деятельности, узнаваемость бренда продукта, доставку сообщения, ориентацию на рынок и конкуренцию, чтобы иметь хорошее имя, которое привлечет внимание публики.

Вот несколько полезных советов по выбору хорошего названия для вашего бизнеса:

  • Вы должны стремиться к тому, чтобы имя было коротким, запоминающимся и релевантным. Это облегчит запоминание и повысит ваше присутствие в Интернете.
  • Сосредоточьтесь на том, что ваши клиенты будут говорить о вашей работе
  • Подумайте о своем основном навыке; в чем ты лучший?
  • Выберите имя, которое аудитория легко произносит и пишет по буквам
  • Избегайте использования дефисов или цифр в названии вашей компании
  • Не выбирайте имя, которое слишком длинное, слишком короткое, слишком громкое или слишком запутанное для клиентов
  • Выберите имя, которое отражает вашу миссию и заставляет вас выглядеть заслуживающим доверия
  • Учитывайте потребности и интересы вашей аудитории
  • Выберите имя, которое хорошо сочетается с вашей нишей
  • Убедитесь, что доменное имя доступно Имена

    Уф! Итак, у вас есть масса потрясающих идей для названия бизнеса в области цифрового искусства для вашего творческого предприятия! Надеюсь, вы нашли хотя бы одно, которое хорошо описывает вашу идею и соответствует всем вашим критериям хорошего бренда.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.