Арт нуво стиль в одежде: Стиль Арт-нуво эпохи модерна ( 19-20 вв).История.Подлинники.

30 Янв

Содержание

Стиль Арт-нуво эпохи модерна ( 19-20 вв).История.Подлинники.

Период конца 19 века — начала 20- го…

 

Арт-нуво  (франц. L’Art Nouveau – Новое искусство) – французское название искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков.
 Однако, правильнее относить этот термин не в целом к искусству модерна, включающему различные течения и стили, а лишь к одному из них – «флореальному», или декоративно-орнаментальному, течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.

Моде́рн  (от фр.- moderne — современный) — художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве, наиболее распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны)


Под арт-нуво подразумевается именно культурный феномен, существовавший в период модерна и наложивший свой отпечаток на модерн в архитектуре, искусстве, моде, но не слившимся с ним окончательно,а сохранивший свою индивидуальность и узнаваемость и в наши дни.




Не стоит путать арт-нуво и арт-деко(ар деко).
Это разные направления.

Арт деко

Ар деко начался в 1925 году, уже после арт-нуво,и достиг расцвета с 1925 по 1935 гг.
 Конечно же, арт деко были заимствованы некоторые особенности предыдущей культурной эпохи,но они были интерпретированы и подведены под знаменатель новых реалий послевоенного (Первая мировая война) времени.

Стиль арт нуво

Сам стиль арт-нуво начался в интерьере, искусстве и одежде в конце XIX века и сменил стиль барокко.



Само веяние этого стиля было вызвано стремительным развитием науки и техники.

В середине XIX века начался накал страстей вокруг социальных реформ и так же обострились атаки на всю концепцию моды.
К началу XX века телефон,электричество,автомобиль и кино уже стали практической реальностью.


В интеллектуальной и художественной жизни происходили радикальные изменения: движение кубистов под предводительством Брака и Пискассо,музыка Малера,Дебюсси,Стравинского и Равелятеории Зигмунда Фрейда, революционный стиль танца Айседоры Дункан,»Русский балет Дягелева», который впервые увидели в Париже в 1909 году,а в Лондоне в 1911 году.


Энергия танца и великолепие цвета и сценографии красочных балетов,как «Жар-птица» и др. вызвали сенсацию.


Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи.
В поисках новых решений эксплуатировались все исторические периоды вместе взятые.

Неудовлетворенные окружающей жизнью и ситуацией в искусстве, когда уже перестал сущестоввать единое направление, зачинатели нового движения ставили перед собой задачу создания большого стиля.

Усилиями художников, архитекторов и критиков сознательно формировался новый стиль. Созданный стиль заключал в себе отчетливую программу общих эстетических преобразований, котрая может быть представлена как идея сотворения прекрасного.

Однако на практике оказалось не так уж и легко создать что-то из совершенно нового направления.
По-этому были заимствованы нюансы из разных эпох.



Наступил возврат к природе, что ярко отразилось в изобразительном искусстве.

Первое время арт-нуво представлял собой не совсем удачную смесь исторической и современной эпох.
Порой доходило даже до безвкусицы.
Лишь спустя длительный период начали прорисовываться черты совершенно нового направления.


Лозунгом стиля арт-нуво стал:

«Назад к природе».

Характерными чертами стали : естественные волнообразные изогнутые плавные линии, сочетающие стремление к конструктивности и веяния Востока.

В интерьере, например, причудливые изогнутые линии декора зрительно сливаются с элементами строительной конструкции конструкции.

В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительном узору, гибким текучим формам, что превращает металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов.
Создается впечатление, что сам декор создает природа, без вмешательства человека.



Еще одна характерная черта течения: единство и завершенность всех элементов.

Все воспринимается как единое целое.

Вдохновляла дизайнеров и художников природа: вьющиеся растения, бутоны, экзотические птицы, павлины, ласточки, бабочки, дамы с длинными струящимися волосами.
В пик популярности веяния декорировалось все от помещений до столовых приборов, от одежды до украшений.



Внесли свои изменения в уже практически сформировавшиеся течение представители из школы искусств Глазко.

В арт-нуво начали просматриваться выраженные геометрические формы ,а так же кривые линии.

Символы стиля арт-нуво так же запечатлели ювелиры того времени: изощренную форму цветка цикламена, лилий, ирисов и др.


Основными элементами стиля АРТ-НУВО стали:

  • цвета : черный, голубой, зеленый

  • культ линий и органической силы растений и орнаментов символизирующих структур; акцент на национальном стиле страны, подчеркнутый растительный мотив (Франция, Бельгия).линейный декор или строгая композиция, имеющая сложную символику

  • сочетание прямоугольных геометрических и растительных ,волнисто-изогнутых форм

  • мебель и декор в «растительном» стиле, который так же отображался и в одежде и ювелирных украшениях

  • в интерьере :окна и двери, украшенные растительными арками и орнаментом.

Сам стиль стал объединяющим различные направления передового искусства, универсальный, предлагаемых для всеобщего внедрения.

На основе изогнутых волнистых линий в интерьере разрабатывается концепция непрерывного «перетекающего» пространства, объединяющего утилитарную функцию архитектурных сооружений, мебели, бытовых предметов с их конструкцией.
Внешним декором и технологией обработки материала.
Эта новаторская в те времена концепция обусловила органичность и целостность «нового стиля». Начался новый стиль в Париже, затем центром стала школа Нанси во главе с Э.Галле, Л.Мажореллем и братьями Даум. Стиль арт-нуво интересен тем, что вполне рациональная идея гармонии функции,конструкции и внешней формы сочетается в нем с фантастичностью и причудливостью.

Чтобы лучше проникнуться настроением Арт-нуво, хорошо посмотреть на творчество чешского художника Альфонса мухи.
 Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа 19-20 столетий,»стиль Мухи» стал образцом для целого поколения художников и дизайнеров.




От изображал времена года, времена суток, цветы и т. д.
В женских образах этот неповторимый стиль художника известен во всем мире благодаря открытой чувственности и пленительной грациозности.

Фирменным знаком линии Арт нуво стала вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьерах 1895 г.
Сначала работа называлась «Альпийские фиалки»,но один из критиков сравнил бешеные движения стебля растения с «яростными изгибами обрушившегося бича», появился и закрепился термин «удар бича», который вскоре стал именным росчерком самого стиля Арт-нуво.




Арт- нуво возник во многих европейских странах и получил разные названия.

-во Франции так же использовался термин «метро», «стиль Гимара»

-в бельгии: «стиль Орта»,по имени архитектора


Движение за художественную реформу, которое начали еще прерафаэлиты, было подхвачено Советом Немецких женщин, такими деятелями, как Уолтер Крейн и миссис Хейвес, и ,особенно Артуром Лазенби Либерти, который открыл свой магазин на Риджент-стрит в Лондоне 17 мая 1875 г. Имя Либерти неразрывно связано с новым стилем Арт-нуро в эстетическом движении, набирающим свое влияние в обществе. 

«Эстетическое» ,или «художественное», платье базировалось на пристрастии к греческой драпировке или другим костюмам прошлого с естественной мягкой линией, а так же к японской и другим восточным культурам и цветовым гаммам, которые У.С.Гильберт иронически назвал «оранжирейно-канареечной шкалой».

Многие восточные ткани , которые в начале импортировал, а затем и стал производить сам Либерти (Хотя японские товары по-прежнему были в моде, ухудшающееся качество заставило Либерти искать других поставщиков. 


Индийские принты были не менее прекрасны, но краски на них известны своей нестойкостью. Тогда он задумался о собственном производстве — и начал импортировать чистые полотна и отдельно красители, чтобы под собственным контролем выпускать ткани с рисунками, отменного качества. ),имели очень красивые расцветки, а их мягкая, легко драпирующаяся фактура стала существенной частью эстетического стиля.



Начало ХХ века не принесло значительных изменений в силуэте женского костюма. 
Главным событием того времени стало начало эры кутюрье. 
На Всемирной выставке 1900 года в Париже избранные Дома моды, в том числе Дусе и Ворта, представили публике свои творения. 

Первым кутюрье стал англичанин Чарлз Федерик Ворт, который стал подписывать свои модели собственным именем. 
При этом разработанная им линия моды не была революционной: он лишь придал чрезмерно объемному кринолину более соразмерную форму, сделав платье плоским спереди, и собрал ткань в складки, которые переместил назад. 


Так появился турнюр, который вскоре, как и кринолин, начал приобретать все больший объем. В то время женщины по-прежнему были вынуждены придавать своему силуэту форму «песочных часов», затягивая тело в корсет. 

Они носили высокие накрахмаленные воротники-стойки, вшивные «ветчинообразные» рукава длиной до самых пальцев и длинные юбки.
Шляпы того периода имели такой вес, что женщины были вынуждены дополнительно поддерживать шею конструкцией, похожей на собачий ошейник. Обязательными были чулки, зонтик, перчатки. 

Отсутствие оригинальности в фасонах восполнялось роскошными орнаментами, тесьмой, лентами, складками, бантами, вышивкой, воланами. 
Главным украшением начала века был жемчуг. Так наряжались «femme ornee» — красотки Прекрасной эпохи. 

Но уже близилась другая эпоха – «femme liberee», женщины освобожденной. 

И главным, кто преуспел в раскрепощении дамской одежды, помимо танцовщиц Айседоры Дункан, Маты Хари и Луайе Фуллер, стал кутюрье Поль Пуаре.

«Моде необходим тиран»-Поль Пуаре

/сайт «Энциклопедия моды»

Сочетание золота с черным, белым, молочным стало культовым направлением для светского платья в стиле артнуво. 
В союзе золота и оттенка слоновой кости, светло-бежевого в нарядах из тонких тканей с ниспадающими драпировками на талии и бедрах, расшитых золотом по кромке, наблюдается поклон стиля модерн в сторону Античности. 
На ее уверенном фундаменте во многом держался стиль артнуво, который заимствовал лучшие черты древнегреческой и древнеримской одежды.


Расплывчатость узоров, которое воспринимается словно глазом, смотрящим в калейдоскоп — одна из составляющих классического арт-нуво. 
Современные дизайнеры хорошо его представляют в своих коллекциях, соединив в одном платье флористические и анимальные принты.



Традиции арт-нуво столетней давности возрождаются и сейчас. 
Этот стиль умело соединяет в одежде комфорт и декоративность. 
Стиль отрицает тесные силуэты, настаивая на просторных в талии туниках и платьях. 

Арт -нуво легко заметить как в весенне-летней моде, так и в изделиях на более холодный период.

Для этого стиля не существует ни временных ни стилевых преград.
Он хорошо уживается в одном наряде не только с античностью или этникой, но и с причудливыми жесткими формами бороко и рококо.







Подлинники прошлого века:


—————————————————————

Читайте так же:

Арт нуво в одежде: живописная мода


Арт нуво представляет собой направление в искусстве, которое объединило в себе сразу несколько направлений, сформировавшихся к концу 19 века в Европе. Арт нуво в одежде отражает черты, характерные для этого культурного феномена периода модерна. Этот тренд невероятно узнаваем, но из-за схожести с другими направлениями и существования в их рамках этот стиль иногда остается за бортом внимания, которое ошибочно приковывается к его конкурентам.

Арт нуво существовал в эпоху модерна, но нельзя считать эти понятия абсолютно синонимичными. Модерн – термин, который принят за обозначение и временной эпохи (период с 1890 по 1914), и направления в культуре. Под арт нуво подразумевается именно культурный феномен, существовавший в период модерна, наложивший свой отпечаток на модерн в искусстве, архитектуре, моде, но не слившийся с ним окончательно, сохраняя индивидуальность и узнаваемость.

В то же время нельзя путать арт нуво и арт деко (или ар деко) – это два разных направления. Начало периода ар деко было положено в 1925 году – более чем десятилетие спустя после арт нуво. Разумеется, в ар деко были заимствованы некоторые особенности предыдущей культурной эпохи, но они были интерпретированы и подведены под знаменатель новых реалий послевоенного времени.

Назад к природе

Стремление к природе, которое выражалось в изобилии растительных элементов в одежде, причудливых узоров, ткани, которые представляли собой изощренное полотно с крупными акварельными цветами с расплывающимися словно в вечерней дымке очертаниями. Лилии, цикламены, изогнутые стебли тростника, глаза хищных животных, яркое оперение диковинных птиц сплетались воедино на тканях, образуя красивейшие картины, изумляющие хитросплетением цветов и мотивов.

Расплывчатость узоров, которые воспринимаются словно глазом, смотрящим в калейдоскоп – одна из составляющих классического арт нуво. Современные дизайнеры без труда адаптируют его эклектичность в своих коллекциях, соединяя в одном платье флористические и анималистические принты, которые оставляют место геометрии, не жертвуя насыщенностью цветовой гаммы полотна.

Основные цвета и античные традиции

Подчеркнутая декоративность стала главной изюминкой арт нуво, что проявилось в одежде таким образом, что ее с трудом можно вообразить в качестве повседневного костюма. Наряду с основным для арт нуво природным зеленым цветом, который сочетался с черным, синий, красным, процветал культ золота, бьющего в глаза на картинах Густава Климта.

Сочетание золота с черным, белым, молочным стало культовым направлением для светского платья в стиле арт нуво. В союзе золота и оттенка слоновой кости, светло-бежевого в нарядах из тонких тканей с ниспадающими драпировками на талии и бедрах, расшитых золотом по кромке, наблюдается поклон стиля модерн в сторону Античности. На ее уверенном фундаменте во многом держался стиль арт нуво, который заимствовал лучшие черты древнегреческой и древнеримской одежды.

Арт нуво в современной одежде

Традиции арт нуво столетней давности нетрудно возродить в современной моде, и это делают многие дизайнеры, тоскующие по ушедшим эпохам. Арт нуво знаменует собой моду, умело соединяющую в одежде комфорт и декоративность. Стиль отрицает тесные силуэты, настаивая на просторных в области талии туникахТуника: от Древней Греции до наших дней

и платьях, фривольно обнажающих область декольте V-образным вырезом. Легче всего арт нуво обнаруживается в весенне-летней моде, которой не привыкать к разлетающимся силуэтам и бежево-золотой гамме, благородно оттеняющей сияние шелкаШелк – наследие Желтого Императора

и атласа.

Этника ложится на платья, юбки и туники не беспорядочным или ровным узором. Она перемежается разными мотивами, где один вырастает из другого, является началом и продолжением третьего. Узоры павлиньих перьев, цветочных орнаментов, соборных витражей, в которые вплетается змеиная кожа или бензиновые разводы – это новые образы арт нуво.

Для него, кажется, не существует никаких стилевых и временных преград – он успешно уживается в одном наряде не только с близкородственной ему античностью или этникой, но и с причудливыми жесткими формами, принятыми в барокко и рококо, хотя эти направления противопоставлялись образам эпохи модерн.

Теория стилей: арт-нуво vs арт-деко (2)


В одном из нынешних журналов по архитектуре этот стиль назвали в описании новейших интерьеров «оригинальным и нерастиражированным стилем ар-деко». На самом деле стиль переживает уже не первое возрождение. Т.н. «последний роскошный стиль европейских столиц» снова в моде. В свое время он подарил людям иллюзию красивой и беззаботной жизни, наполненной прекрасными вещами. Возможно, поэтому интерес к ар-деко не утихает до сих пор. Конструктивизм архитектуры Ле Корбюзье, изысканная мебель Рульмана, красочные костюмы Поля Пуаре, элегантные аксессуары Картье и Бушерона, минимализм дизайна школы Баухауза, небоскребы Америки, обтекаемый, агрессивный дизайн машин, интереры «Титаника» – все это считают приметами одного стиля, именуемого эпохой ар-деко.

Но обо всем по порядку, начиная с истории появления этого стиля.

АР-ДЕКО И АР-НУВО

Стили ар нуво и ар-деко часто путают. Изящная чувственность стиля ар нуво царила в искусстве 20 лет, начиная с 1890-х гг. до 1-й мировой войны 1914 г., а стиль ар-деко датируется 1914 — 1938 годами. Ар нуво черпал свои формы в живой природе, вдохновляясь капризными силуэтами и контурами растений, цветов, насекомых, птиц.

Война вытеснила эту чувственность. В искусстве стали использоваться новые технологии и новые материалы, мягкая линеарность уступила место стремительной геометрии. Стиль ар-деко не всегда было принято обозначать как самостоятельный. Его истоки естественным образом трансформировались из стиля ар нуво. Стиль отчасти продолжил традиции ар нуво, вместе с тем на него оказали влияние кубизм, народное американское искусство и дизайн бурно развивавшегося в то время машино- и самолетостроения.

Законы построения жилого пространства в ар-деко следуют тем же принципам, что и обстановка дома в стиле модерн. Его особенностью было и остается наличие композиционного центра интерьера. Как правило, эту роль выполняли гостиная и рабочий кабинет, позволявшие задействовать множество предметов и аксессуаров, на первый взгляд не обладающих особой функциональной значимостью. С одной стороны, ар-деко «ратовал» за очищение от декоративности «растительного» модерна, с другой – конкурировал с эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм.

Для ар-деко, как и для стиля модерн в целом, характерны сложные переходы с этажа на этаж и винтовые лестницы, наличие нескольких уровней в одном и том же помещении и обнаруживаемые внезапно потайные комнаты, замысловатой формы оконные переплеты и обязательно изломанная крыша. Что уж говорить про зимний сад в доме, который считался едва ли не обязательным элементом, или просторную застекленную террасу?

НОВЫЙ СТИЛЬ

Ар-деко, варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», название происходит от Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (Париж, 1925 г., где демонстрировались последние достижения архитектуры и прикладного искусства) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи.

Термин «ар-деко» возник спустя 30 лет после того, как сам этот стиль захватил Европу и Америку. До шестидесятых об ар-деко во Франции говорится как о «ретро», в Америке оно определяется как «джаз модерн» или «стримлайн модерн». В свое время он назывался — современный стиль, «обтекаемый модерн», шведский, голландский, итальянский, чешский, английский, позднее «стиль Риц». Через несколько лет популярность Ар-деко дошла до Голливуда и появился «стиль звезд», так произошло всемирное признание стиля. Считается, что термин «ар-деко» придумала Hilary Gelson, написавшая для The Times статью, озаглавленную «Ар-деко» и вышедшую в свет 2 ноября 1966 года.

Представлял собой синтез модерна и неоклассицизма. Данное направление пришло на смену конструктивизму. В Европе ар-деко становится популярным вместе с ростом послевоенного строительства, охватывает целые кварталы, где живут состоятельные люди. Стиль возник и развивался в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами: времени духовной растерянности, пустоты первых послевоенных лет, предчувствия ужасов 2-й мировой войны, разочарования в современной цивилизации и утраты эстетических идеалов (вспомним произведения Э. Хэмингуэя, У. Фолкнера, Э. М. Ремарка). Альтернативой этим настроениям и стал новый стиль, призванный создавать иллюзию благополучия и «роскошной жизни». Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое.

В то же время после 1-й мировой войны подъем индустрии, развитие науки и техники изменили темп жизни, ее стиль, материальное окружение и в целом мироощущение человека. Немыслимая до этого скорость машин, поездов, строительство мощных заводов, появление самолетов, радиоприемников, кинематографа – все это не могло не действовать на сознание художника, рождало новую эстетику промышленного века. Эти годы отмечены необычайной творческой активностью, смелыми новаторскими проектами в области дизайна, поисками новой художественной формы. Отсюда и противоречивые сочетания прогрессивных и классических форм в рамках одного стиля. Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

В Италии и Германии элементы стиля ар-деко, соединяясь с формами неоклассицизма, переросли в архитектуру «нового ампира» — стиля третьего Рейха. Ар-деко оказал влияние на художников французского стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. В России ар-деко проявил себя в работах скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной. «Советский ар-деко» представляли произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы, а также пышная декоративность набивных ситцевых тканей. В более поздних формах стиль сближается с геометрическим конструктивизмом. Правда в СССР это не стало течением в архитектуре, но все же некоторые образцы позднего ар-деко имеются — многие станции метро в Москве и Санкт-Петербурге выполнены именно в нем.

Стиль проявился в архитектуре коммерческих зданий, мест развлечений и отдыха, например, кинотеатрах и универмагах. Затем он стремительно распространился за море в столицы колоний, а также США. Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения 2-й мировой войны.

ОТЛИЧИТЕЛЬНЫЕ ЧЕРТЫ

Ар-деко объединил настолько разные явления в искусстве межвоенных лет, что не всегда просто свести их воедино. Потому в среде искусствоведов этот термин окончательно утвердился только в последней четверти ХХ в. Это единственный из стилей, у которого нет четких границ, его создатели черпали свое вдохновение из разных источников. Поль Ириб и Жак-Эмиль Рульманн по-новому увидели стиль Людовика XVI, Жюль Леле «приспосабливал» под европейские вкусы искусство Востока, а для Андре Гру моделью служила мебель эпохи Реставрации. Корбюзье написал об ар-деко: «Его создатели строят шикарный дворец, чтобы показать, как цветочный бутон, украшавший некогда ручку зонтика, красуется теперь на спинке кресла». Стиль представлял широкий диапазон всех возможных форм ретро и был открыт для индивидуальных решений. Здесь можно встретить элементы ампира, этнические африканские и египетские мотивы, соединение находок живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского искусства. Стиль ориентирован на индивидуальное, отрицающее все поточное и соединяющее несоединимое.

Ар-деко вобрал в себя излюбленные темы и мотивы ар нуво: извилистые линии, формы морской волны, раковины, драконов и павлинов, а также лебединые шеи, изображение фантастических существ, стрекоз и бабочек. Вместе с тем не исключалось использование геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей «чистого» цвета.

Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы. Для стиля характерно использование натуральных материалов. Мебель обтекаемых силуэтов изготовлена из пальмового дерева проко, эбена, палисандра и многослойной фанеры. Для отделки используются бамбук, слоновая кость, перламутр, кокос. Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, серебро, эмаль, инкрустации по дереву, экзотические виды кожи – ящерицы, акулы, ската, крокодила и зебры. Декору была отдана почти автономная роль. Декор был крайне персонализированным (у каждой вещи — свое лицо) и насыщенным, что часто создавало «перенаселенность» предметов в замкнутом пространстве.

Мебель украшалась орнаментом из треугольников, прямых линий, зигзагов, декоративными элементами в виде солнц. Один из самых популярных узоров — египетский полукруг, символизирующий восходящее солнце. Подлокотники кресел составляют единую изогнутую линию с передними ножками, декорируются вставками из меди и бронзы. Кровати украшаются египетскими орнаментами (мотив солнца), вместо столбиков изголовья – статуэтки богов. Каждая вещь созданная в этом стиле превращается в произведение искусства.

Для ар-деко «роскошь» — это не только дорогие материалы, но и визуальное богатство: яркие, насыщенные цвета. Как правило, используется более чем 3 цвета, и это выглядит целостно и неожиданно красиво. На фоне шахматного контраста черного и белого — горящие вкрапления красного и золотого, хромированные предметы интерьера.

Интерьеры ар-деко выглядят не как композиция, а как подборка отдельных предметов, «стильных вещей». Особое место в интерьере занимают мелкие предметы. Скульптуры кабинетного формата, изысканные статуэтки героев античности, танцовщиков, спортсменов. Создаются различные эстетические модели из функциональных бытовых вещей: ваз, часов, светильников, мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника».

В отличие от классической линии модерна, для которой был характерен главным образом флористический декор, ар-деко тяготел к линейным геометрическим формам, которые максимально соответствовали новой эстетике архитектуры и промышленных технологий того времени. С одной стороны, ар-деко «ратовал» за очищение интерьера от декоративности «растительного» модерна, с другой – открыто конкурировал с конструктивизмом, с его эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм.

Для этого стиля традиционными считаются изображения окружностей и других геометрических фигур. Поэтому для напольного покрытия стал идеальным геометрический орнамент из прямых линий с мотивами треугольника и круга.

ФРАНЦИЯ

В 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств, после нее термин ар-деко стал общеупотребительным. Одними из первых фактуру древесины подчеркнули при помощи перламутра и слоновой кости отец и сын Жайо, чьи предметы были представлены в пяти павильонах Парижской выставки. Тенденция ввода новых материалов — металла и пластмассы — наблюдается в работах семьи уже после 1925 г.

Во Франции проектировщики мебели в большинстве продолжали следовать традициям создания декоративных предметов, используя технику маркетри и другие виды инкрустации из экзотических пород дерева. Если ар нуво был последним проявлением декаданса, то ар-деко говорил о новых временах. В геометрических формах и стремительных линиях он отражал (в основном в изделиях массового производства) прогресс в развитии новых технологий. Традиционные материалы — дерево, стекло, глина — заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями. Вершиной ар-деко в дизайне мебели явилось творчество Жака Эмиля Рульмана, в работах которого самые изысканные материалы сочетались с первоклассным мастерством. Функционализм и рационализм в мебели предвоенного периода оставались ведущими направлениями в Европе. Стиль характерен для интерьеров Деламара, архитектурно-дизайнерских разработок Малле-Стевенса, ювелирных изделий фирмы «Картье».

В 20–30-х годах Париж был центром мира керамического искусства. Французскую керамику отличало высокое качество изделий, большая декоративность, стилизованный рисунок. Произведения отдельных мастеров, студий, продукция фабрик внешне вылились в ослепительный поток керамических изделий всех мыслимых цветов, текстур, форм и стилей. При этом обращает на себя внимание большое количество анималистической пластики и декора в керамике этого периода. Многие мастера вдохновлялись мощью, объемными диспропорциями архаического искусства. Анималистическая тема предполагала воплощение в материале различных состояний: стремительного движения, мерного шествия или покоя. Недаром очень популярны в эпоху ар-деко скульптуры львов, бизонов, медведей, пантер. В то же время создаются удивительно изысканные, лиричные образы оленей, ланей, птиц.

Эталоном ар-деко в 1920-е годы были интерьеры первоклассных отелей, дорогих ресторанов и прочих респектабельных общественных мест, в т.ч. дорогой парижский отель Ritz (www.ritzparis.com) на Вандомской площади, отчего стиль именовали еще и «стилем Риц». Это о нем Хемингуэй говорил, что когда представлял себе сцены райской жизни, они всегда происходили именно в этом отеле. В книге «Праздник всегда с тобой» он писал: «Я забираюсь в одну из тех огромных кроватей, которые можно найти в Рице, и голова моя покоится на подушках размером с Цеппелин».
Привожу несколько интерьеров отеля, правда, насколько он сохранил свою идентичность после реставрации Мохаммеда Аль-Файеда (ссылка больше не работает), не могу сказать. .. Нашла только один старый вид отеля:

Остальное все новое:

Еще несколько интерьеров «Ритца» в виде кликабельных превью:

И просто старая фотография отеля, а также вид на президентский люкс — один из самых дорогих номеров в мире:

Рене Лалик (1860-1945 гг.), один из центральных мастеров 20-30-х годов по стеклу и ювелирным изделиям, получил признание уже на Всемирной выставке в Париже в 1900 г. К 1925 г. его творчество эволюционировало от причудливых изящных форм к более простым геометрическим, с референцией на индейские орнаменты. Его украшения в форме павлинов, морских коньков, стрекоз и мышей, выполнялись из камней со стеклом, эмали и даже пластика. Отдельные произведения были выполнены в десяти цветах и украшены эмалью.

АРХИТЕКТУРА

Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно.

Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг.

В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, появление и массовое производство которых совпало по времени с расцветом ар-деко, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Даже на декоративных плитках того времени изображались лайнеры:

Нельзя говорить об ар-деко в проектировании как о стиле в полном смысле слова, однако легко заметить, что архитектура 1920-30-х гг. использует достаточно характерный для этой манеры набор приемов: тонкая линия, ведущая свой род от модерна, но более жестко и схематично очерчивающая растительные формы, придающая им угловатость. Здания простых и строгих очертаний, оштукатуренные и покрашенные в светлые цвета, украшались фризами, полосами, изобразительными вставками, выполненными из цемента или песчаника и образующими ритмические композиции.

США

На американцев выставка в Париже 1925 г. произвела сильнейшее впечатление, и владельцы крупных универсальных магазинов «Мейсиз» и «Лорд и Тейлор» решили стимулировать спрос на современную мебель с помощью публичных экспозиций. Их шоу имели в США большой успех и спровоцировали в стране, и в первую очередь в Голливуде, моду на интерпретацию модерна в духе ар-деко. Так родился знаменитый «стиль звезд» 1930-40-х гг. Шуточный рисунок на тему:

Стиль получил в США необыкновенный расцвет из-за качества и количества созданных произведений и того неповторимого отпечатка, который они наложили на городской пейзаж (только в одном Манхэттене насчитывается около 150 небоскребов, возведенных в течение одного десятилетия).

Ар-деко обрел за океаном иное лицо, обратившись к местной архитектурной традиции, от самых архаических ее образов до Чикагской школы, и стал символическим выражением эмансипации от Европы и высокого уровня технологического прогресса Нового мира.

Сразу после посещения парижской выставки несколько ведущих членов Лиги архитекторов Нью-Йорка подписали документ о необходимости архитектуры, точно соответствующей требованиям их страны, но обращающейся к европейскому опыту в поисках технических и стилистических решений. Особенно характерен для ар-деко Крайслер Билдинг, построенный между 1928 и 1930 г. архитектором Уильямом ван Аленом как американский вариант Эйфелевой башни: его очертания стройны и динамичны, высокое и компактное основание постепенно уменьшается и тянется вверх, заканчиваясь башней с шестью полукруглыми ярусами и стальной иглой над ними. Это была передовая с точки зрения технологии конструкция, которая в то же время не отказывается от изысканно-элегантной декоративности.

Использование причудливых орнаментальных, металлических решеток, разнообразного декора из облицовочной керамической плитки отличают Шанин Билдинг, созданный Дж. Слоуном и М.Т. Робертсоном в 1929 г. Гостиница «Уолдорф Астория», по проекту Л. Шультце и Дж. Уивера, представляет собой современный вариант храма с большими куполами и является одним из самых выдающихся произведений ар-деко в США. Высочайшее здание Нью-Йорка Эмпайр Стейт Билдинг также построено в этом стиле:

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно и близко примыкало к ар-деко, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете).

Это влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий, произрастающих из массового производства. Потому в произведениях этого стиля заметны очертания самолетов или револьверных пуль — предметов, для которых важны линии обтекания.

Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Air-Flo» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники.

Самая популярная мебель стала выглядеть как обтекаемый автомобиль. Эффект обычно достигался довольно простыми средствами: массивные прямоугольные формы покрывались светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком. Плавные силуэты создавались с помощью гнутой фанеры. Ручки делали из бронзы или заменяли их углублениями для пальцев. Популярным было сочетание черного и светлого лака.

Именно такую мебель выбирал Голливуд для съемок интерьеров высшего общества. Такая мебель находилась на печально известном Титанике, подборку интерьеров которого предлагаю здесь:

Интерьеры «Титаника» из фильма

А это настоящая мебель с «Титаника» в наши дни, снятая с борта перед тем трагическим рейсом:

В фильмах того времени видны представительные американские интерьеры 30-х гг. Это рациональный, тяготеющий к графичности так называемый стиль «чикагского кабинета»: мебель и панели из красного дерева с черными лаковыми вставками, солидная кожаная мебель, художественная роспись на тему городских пейзажей Нью-Йорка. Эти интерьеры можно видеть, например и в более позднем сериале о сыщике Ниро Вульфе, который жил как раз в эпоху ар-деко. Обратите внимание на характерную для ар-деко ступенчатость углов стола:

Светильники:

Обивка кресла с рисунком:

Светильник, драпировка занавеси:

Нарочито изломанный рисунок сводов:

Еще пара интерьеров из фильма:

Рисунок галстука Арчи, который, как известно, следил за модой. 🙂

К началу 2-й мировой войны ар-деко в чистом виде сохранился только в Америке, где большинство интерьеров оформлялось в этом стиле.

Кстати, в фильме о Ниро Вульфе также виден отход в сторону от ар-деко:

БАУХАУЗ

Хотя ар-деко был прямым наследником модерна, не забывал он и о классицизме, присматривался к примитивному этническому искусству, учитывал открытия промышленного дизайна. В ар-деко можно выделить два основных направления. Традиционное, для которого важна была красота линий и выразительность дорогих и экзотических материалов с инкрустацией. Модернисты, как представители другого направления ар-деко, применяли достижения индустриальной эры: например, мебель из стальных трубок, что производила фурор — стильно и недорого! Девиз модернистов – «прекрасное в полезном», причем это прекрасное должно быть доступным. Благодаря им в поздних формах стиль сблизился с геометрическим конструктивизмом. Считается, что проектировщики ар-деко — наследники венской архитектурной школы — оказали влияние на формирование программы немецкого Баухауза.

«Стиль звезд» научил человечество ценить эклектику. Ар-деко смешал взятые у модерна цветы с одолженной у конструктивизма геометрией, добавил к ним свою собственную страсть к экзотическим материалам и архаичным культурам и получил формулу роскоши, не потерявшую актуальность до сих пор.

СТИЛЬ ВО ВТОРОЙ ПОЛОВИНЕ ХХ ВЕКА

Взрывы популярности ар-деко спустя полвека (после мебельного аукциона в Париже в ноябре 1972 года, когда цены на предметы этого стиля неожиданно взлетели вверх) и с 1990-х годов, скорее всего, обусловлены усталостью человека от индустриальной неволи, сухих линий минимализма, оставляющих мало пространства для воображения, в то время как ар-деко наиболее ярко демонстрирует соединение искусства, роскоши и технологии.

Привлекательность Ар-деко прежде всего в его эмоционально-образном психологическом содержании. Этот стиль дает возможность человеку эмоционально отгородиться от всепроникающей индустриализации и, несмотря на тотальность научно-технического прогресса, создавать красивый и уютный частный интерьер. Популярность Ар-деко в начале прошлого века вызвана подавляющим воздействием машинного производства, в наши дни растущей глобализации и информатизации этот стиль привлекает своей способностью помочь человеку защититься от шквала прогресса и суеты проблем, особенно в больших городах.

В период нового противоречивого искусства появилась потребность в спокойном и понятном. Как и в прошлом веке, сегодня Ар-деко доступен не каждому. Этот стиль и сейчас позиционируется как стиль, который предпочитают состоятельные люди. Хотя новые технологии производства делают его доступным все большим слоям населения.

Стиль ар-деко вернулся в Европу в 1990-е и стал весьма популярен. Прогресс в развитии новых технологий открыл эру массового производства мебели. Наряду с оформлением частных домов растет число проектов интерьеров отелей, банков. Традиционные материалы в архитектуре и интерьерах заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями.

Сейчас этот стиль переживает очередной взрыв своей популярности, вновь обратив на себя внимание дизайнеров и модельеров. Их привлек авангардистский взгляд на роскошь: простота линий, качество материалов, идеальные пропорции, смелые контрасты и яркие цвета этого стиля. Ориентируясь на ар-деко, создаются интерьеры отелей и ресторанов, бутиков, квартир, вновь вошли в моду «ателье художника», «павильон коллекционера». Ар-деко возрождается не только в оформлении интерьеров, но и в ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике.

О том, что такое стиль ар-деко в наши дни, с помощью каких приемов и материалов достигаются его эффекты, надо рассказывать отдельно…

ССЫЛКИ

При подготовке материала использовались следующие источники:
http://ru. wikipedia.org/wiki/%D0%90%D1%80-%D0%B4%D0%B5%D0%BA%D0%BE
http://www.neopoliscasa.ru/news.phtml?item_id=10482
http://www.trianon.ru/history/id/268/
http://text.uuu.ru/antik/Style/20040512172453Style.html
http://www.masterovoi.ru/art_40.shtml
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/antique/article.jsp?number=484&rubric_id=306&pub_id=469553
http://www.dom.999.by/index.php?id=5&id2=232&id3=3472&ses999=ce917c6f1c12a4613d033ebd3386a3b5
http://www.zagorod.spb.ru/articles/1666/
http://vitavet.ru/forum/index.php?showtopic=522&mode=threaded
http://www.sovinterior.ru/stat1.php?n=76&t=24
http://www.2282234.ru/news126.html
http://www.countries.ru/library/twenty/mat.htm
http://www.mnogomebel.ru/articles/detskaja-eto-serezno-20/ar-deko-stil-pokorivshij-mir?&forum_ext=1
http://cih.ru/ae/ae87.html
http://www.antiq.info/glass/6628.html
http://www.azastro.ru/designproject/styles/ardeko/
http://www.salon.ru/article. plx?id=4004&path=dict
http://www.primedesign.ru/links/furn_access/building_articles/650/
http://titanic.pottsoft.com/home/titanic/film_interiors.html
http://www.titanic-titanic.com/titanic_first_class_interiors.shtml
http://www.euronet.nl/users/keesree/palace.htm


Стиль модерн в одежде – новое слово в истории моды. Стиль модерн

Арт нуво представляет собой направление в искусстве, которое объединило в себе сразу несколько направлений, сформировавшихся к концу 19 века в Европе. Арт нуво в одежде отражает черты, характерные для этого культурного феномена периода модерна. Этот тренд невероятно узнаваем, но из-за схожести с другими направлениями и существования в их рамках этот стиль иногда остается за бортом внимания, которое ошибочно приковывается к его конкурентам.

Арт нуво существовал в эпоху модерна, но нельзя считать эти понятия абсолютно синонимичными. Модерн – термин, который принят за обозначение и временной эпохи (период с 1890 по 1914), и направления в культуре. Под арт нуво подразумевается именно культурный феномен, существовавший в период модерна, наложивший свой отпечаток на модерн в искусстве, архитектуре, моде, но не слившийся с ним окончательно, сохраняя индивидуальность и узнаваемость.

В то же время нельзя путать арт нуво и арт деко (или ар деко) – это два разных направления. Начало периода ар деко было положено в 1925 году – более чем десятилетие спустя после арт нуво. Разумеется, в ар деко были заимствованы некоторые особенности предыдущей культурной эпохи, но они были интерпретированы и подведены под знаменатель новых реалий послевоенного времени.

Назад к природе

Стремление к природе, которое выражалось в изобилии растительных элементов в одежде, причудливых узоров, ткани, которые представляли собой изощренное полотно с крупными акварельными цветами с расплывающимися словно в вечерней дымке очертаниями. Лилии, цикламены, изогнутые стебли тростника, глаза хищных животных, яркое оперение диковинных птиц сплетались воедино на тканях, образуя красивейшие картины, изумляющие хитросплетением цветов и мотивов.

Расплывчатость узоров, которые воспринимаются словно глазом, смотрящим в калейдоскоп – одна из составляющих классического арт нуво. Современные дизайнеры без труда адаптируют его эклектичность в своих коллекциях, соединяя в одном платье флористические и анималистические принты, которые оставляют место геометрии, не жертвуя насыщенностью цветовой гаммы полотна.

Основные цвета и античные традиции

Подчеркнутая декоративность стала главной изюминкой арт нуво, что проявилось в одежде таким образом, что ее с трудом можно вообразить в качестве повседневного костюма. Наряду с основным для арт нуво природным зеленым цветом, который сочетался с черным, синий, красным, процветал культ золота, бьющего в глаза на картинах Густава Климта.

Сочетание золота с черным, белым, молочным стало культовым направлением для светского платья в стиле арт нуво. В союзе золота и оттенка слоновой кости, светло-бежевого в нарядах из тонких тканей с ниспадающими драпировками на талии и бедрах, расшитых золотом по кромке, наблюдается поклон стиля модерн в сторону Античности. На ее уверенном фундаменте во многом держался стиль арт нуво, который заимствовал лучшие черты древнегреческой и древнеримской одежды.

Арт нуво в современной одежде

Традиции арт нуво столетней давности нетрудно возродить в современной моде, и это делают многие дизайнеры, тоскующие по ушедшим эпохам. Арт нуво знаменует собой моду, умело соединяющую в одежде комфорт и декоративность. Стиль отрицает тесные силуэты, настаивая на просторных в области талии туниках и платьях, фривольно обнажающих область декольте V-образным вырезом. Легче всего арт нуво обнаруживается в весенне-летней моде, которой не привыкать к разлетающимся силуэтам и бежево-золотой гамме, благородно оттеняющей сияние шелка Шелк – наследие Желтого Императора

Начало моды.

Данной статьей мы начнем цикл обзоров различных стилевых направлений. Первым тематическим направлением, которое нам хотелось бы описать это стиль начала XX века. Это было давно, одежду этого времени теперь можно встретить лишь в кино и театре. Само понятие стиля и моды сформировалось как раз в начале прошлого столетия. Тогда, в начале XX века все было красиво, пышно и очень дорого. Не каждая женщина могла себе позволить носить модное платье. Все шилось долго, под заказ, с большим количеством примерок, времена были совсем другие. На рубеже 1910 года с началом второй мировой войны происходят кардинальные изменения в моде и одежда с корсетом, которая считалась на протяжении 19 в. каноном стиля постепенно уходит навсегда в сценические костюмы. Не будем забегать вперед, и опишем все по порядку, начиная с 1900 г.

Цвета стиля одежды модерн и ар-нуво.

Ничего яркого, все в пастельных, нежных, темных полутонах. Сложный романтизм был основой для ансамблей, диктуя свои правила повсеместно.

Рисунки, материалы и фактура стиля одежды модерн и ар-нуво.

Разнообразные дорогие орнаменты, декоративные элементы, банты, тесьма, складки, накладная вышивка и воланы, все атрибуты украшений для сложного романтизма использовались для придания платьям максимального шика и создания идеала красоты роскоши и элегантности.

В повседневных костюмах использовали лен, бархат, шерсть, вечерние наряды отшивали из шелка, кружева, муслина, сатина, крепдешина.

Крой и фасоны стиля одежды модерн и ар-нуво.

Крой начала столетия мало отличался от кроя прошлого 19 века. Продолжалась «Эпоха модерн» или «Ар-нуво» женские фигуры были стянуты корсетами выше талии, имели пышный низ. Так называемый S — образный силуэт еще считался эталоном стиля, когда вперед выступала грудь, а задняя часть платья специально делалась пышнее передней. В то время модельеры только делали первые шаги для освобождения дамских форм от тесных, удушливых туалетов.


Костюм не обходился без основного стягивающего корсета и дополнительного, маскирующего корсета, которые искажали естественные контуры женского тела. Поверх одевались остальные части костюма или платья, воротники были высокими и накрахмаленными, это требовало постоянно держать голову прямо. Рукава были вшивные, начинались пышными буфами и сужались к запястью, юбки имели длину в пол напоминая формой колокол, на бедрах юбки были пышными и собирались сзади в складки, переходящие в небольшой шлейф. У вечерних нарядов, как правило, были глубокие украшенные декольте.

Обувь и аксессуары стиля одежды модерн и ар-нуво.

Туфли почти повсеместно были остроносыми, каблук был небольшой барочный, немного скошенный. Полусапожки, как правило, были на шнурках, такого же фасона, как и туфли. Самыми распространенными аксессуарами в то время были зонтик, веер, чулки и перчатки, последние закрывали руку выше локтя. Из украшений самым главным и модным трендом был жемчуг, который носили на шее в разных вариациях, как в одну нить, так и в многоярусном исполнении. Серьги так же были из жемчуга, в виде капелек и бусинок.

Отдельным очень важным предметом женского костюма выступала шляпа, стоимость ее зачастую составляла половину от всего остального наряда. Шляпы отличались обилием декора, были большими и массивными, украшались перьями птиц, а иногда даже использовали их чучела.


Look Book. Образы стиля одежды модерн и ар-нуво.

Составить луки в стилях начала прошлого века достаточно сложно, так как найти одежду для них не представляется возможным. Как мы уже упомянули в начале статьи, она стала костюмами для кино и театра и не изготавливается для массового потребителя.


Очень любит работать в данном стиле наш отечественный мэтр Вячеслав Зайцев, несколько видео его коллекций мы так же предлагаем к просмотру.


Эпоха модерна длилась с 1890-1914 г. до самого начала первой мировой войны. За это время в моде произошло много изменений, начали прослеживаться тенденции к упрощению женского силуэта, создавались первые наряды с облегченными корсетами или вообще без корсетов. Происходил постепенный переход от S-силуэта и силуэта песочные часы, с акцентом на крошечной талии, к более вытянутому силуэту, подчеркивающему естественные женские формы, без искусственных перетягиваний талии и дополнительной пышности. Ленты, кружева, рюши и складки постепенно уступали место более лаконичному стилю, который позволял даже открывать немного дамские ножки. Превращение женского платья в нечто более практичное, менее сложное и помпезное было целью, которую ставили перед собой все модельеры активно работающие в этот период.

Именно это время, стало началом модной индустрии в современном ее понимании. Это была противоречивая эпоха, с одной стороны технический прогресс, который давал серьезный толчок всему промышленному производству и вообще развитию человечества. А с другой стороны это было время задержавшейся «Золотой романтической ностальгии» в высших слоях общества. Но прежде малочисленный средний класс теперь стал преобладать в обществе и именно он начал диктовать запросы на более практичную и удобную одежду. Именно женщины среднего класса стали активно вести деловую и общественную деятельность, отходя от своего исключительно домашнего обитания, светских приемов и различного рода вечеринок. Начиналась разработка новых стилевых направлений, эксперименты с тканями и фасонами шли по всему миру.

Так же в этот период зародилось такое популярное понятие как «глянец». Начали появляться первые иллюстрации, фотографии, каталоги, сборники платьев и одежды для знакомства покупателей с ассортиментом. В Париж приезжали журналисты со всего мира, что бы следить за выходом новых коллекций и знакомить с ними своих читателей.

Как писал в своих мемуарах один лондонский кутюрье – «Общество, пошатываясь, перетекало с одной вечеринки на другую, помахивая, крохотными кружевными платочками и прикрываясь изящными зонтиками, пока, наконец, война не пришла…»

«Прекрасная эпоха» или «бель эпок», которую также называют «ар нуво» или «эпоха модерн» охватила два десятка лет на рубеже девятнадцатого и двадцатого столетий.(Период 1890-1914) Как и любой стык двух веков, этот период характеризуется важными изменениями, назревшими в жизни общества, которые нашли свое отражение в разных ее ипостасях. Мода эпохи модерн чрезвычайно интересна своими трансформациями, которые явились предзнаменованием кардинальных перемен, произошедших чуть позднее.

Эпоха модерн началась в девяностые годы девятнадцатого века и продолжалась вплоть до Первой Мировой войны. Это время характеризуется важнейшими переменами в женском костюме, который постепенно стал освобождать дамские формы от прежних одежд, тесных, удушливых, пышных.

История стиля модерн в одежде отражает главные веяния в социальной жизни по обе стороны Атлантики, включая постепенную смену положения женщин в обществе и открывающиеся для них перспективы на рубеже 19 и 20 столетий. Как и любая другая граница веков, это было интересное время, насыщенное событиями. Его течение было прервано Первой мировой войной, после которой было положено начало уже другой эпохе — такой же знаковой и переломной.

Первая половина 19 века была отдана романтизму, который ярчайшим образом нашел отражение в искусстве и одежде. Роматические идеалы воспевались в женском гардеробе пышными формами, многослойными юбками, глубоким декольте и талией, туго стянутой корсетом. Все в дамском образе было призвано подчеркнуть мечтательную хрупкость, которая хорошо просматривалась в литературе и живописи, запечатлевших тяжелые складки объемных юбок, шуршащих роскошным сияющим атласом и хрустящими кружевными оторочками на светских балах.

С середины века стремительно меняется политическая ситуация в Европе, что неумолимо влияет на прежнее течение жизни. Научно-технический прогресс набирает обороты, пересматривается положение женщины в обществе, а после возвращения Олимпийских Игр развивается спорт. Все это деромантизирует эпоху и ее костюмы, приближая их к реальности. Женщине становится легче дышать во всех смыслах слова.

Идеал, которому поклонялись модернисты — мать Природа. Дизайнеры стремились придать женскому силуэту сходство с бабочкой или цветком. Лилия, хризантема и орхидея — самые распространенные символы женской одежды эпохи модерна. Основной акцент платье в стиле модерн делало на талии. S-образный силуэт ему придавался за счет четкого разделения тела на 2 части: внимание к верхней привлекалось благодаря напуску на груди, а нижняя часть выделялась за счет разлетающейся юбки. Однако перед началом Первой Мировой войны стиль модерн сделал уступку более комфортному и свободному платью, отказался от корсетов, и придал ему прямой крой, нежно облегающий женскую фигуру. Не последнюю роль в этом процессе сыграла Айседора Дункан — в 1903 г она впервые выступила в платье пеплос, свободном, без корсета, из легкой
полупрозрачной ткани.

Стиль модерн в одежде — это не только силуэт платья. Здесь важны детали. Прежде всего декор. Платья украшались рисунками, аппликациями, вышивкой. Самая популярная тематика орнамента — цветы, листья, водоросли. Узоры наносили на платье ассиметрично. Стиль модерн в одежде — новое слово в истории моды.







от Поля Пуаре

Для прогулок


Узоры ткани в стиле модерн

Период конца 19 века — начала 20- го…

Арт-нуво (франц. L’Art Nouveau – Новое искусство) – французское название искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков. Однако, правильнее относить этот термин не в целом к искусству модерна, включающему различные течения и стили, а лишь к одному из них – «флореальному», или декоративно-орнаментальному, течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.

Моде́рн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве , наиболее распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны )

/Векипедия/

Под арт-нуво подразумевается именно культурный феномен,существовавший в период модерна и наложивший свой отпечаток на модерн в архитектуре, искусстве, моде,но не слившимся с ним окончательно,а сохранивший свою индивидуальность и узнаваемость и в наши дни.

Не стоит путать арт-нуво и арт-деко(ар деко).Это разные направления. Ар деко начался в 1925 году, уже после арт-нуво. Конечно же,а арт деко были заимствованы некоторые особенности предыдущей культурной эпохи,но они были интерпретированы и подведены под знаменатель новых реалий послевоенного (Первая мировая война) времени.

Сам стиль арт-нуво начался в интерьере,искусстве и одежде в конце 19 века и сменил стиль барокко.

Само веяние этого стиля было вызвано стремительным развитием науки и техники.

В середине 19 века начался накал страстей вокруг социальных реформ и так же обострились атаки на всю концепцию моды.К началу 20 века телефон,электричество,автомобиль и кино уже стали практической реальностью. В интеллектуальной и художественной жизни происходили радикальные изменения: движение кубистов под предводительством Брака и Пискассо,музыка Малера,Дебюсси,Стравинского и Равелятеории Зигмунда Фрейда, революционный стиль танца Айседоры Дункан,»Русский балет Дягелева», который впервые увидели в Париже в 1909 году,а в Лондоне в 1911 году. Энергия танца и великолепие цвета и сценографии красочных балетов,как «Жар-птица» и др. вызвали сенсацию.

Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи.В поисках новых решений эксплуатировались все исторические периоды вместе взятые.

Неудовлетворенные окружающей жизнью и ситуацией в искусстве,когда уже перестал сущестоввать единое направление,зачинатели нового движения ставили перед собой задачу создания большого стиля. Усилиями художников,архитекторов и критиков сознательно формировался новый стиль. Созданный стиль заключал в себе отчетливую программу общих эстетических преобразований,котрая может быть представлена как идея сотворения прекрасного.

Однако на практике оказалось не так уж и легко создать что-то из совершенно нового направления. По-этому были заимствованы нюансы из разных эпох.

Наступил возврат к природе,что ярко отразилось в изобразительном искусстве.

Первое время арт-нуво представлял собой не совсем удачную смесь исторической и современной эпох. Порой доходило даже до безвкусицы. Лишь спустя длительный период начали прорисовываться черты совершенно нового направления.

Лозунгом стиля арт-нуво стал:

«Назад к природе».

Характерными чертами стали: естественные волнообразные изогнутые плавные линии,сочетающие стремление к конструктивности и веяния Востока.

В интерьере,например,причудливые изогнутые линии декора зрительно сливаются с элементами строительной конструкции конструкции. В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительном узору,гибким текучим формам,что превращает металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Создается впечатление,что сам декор создает природа,без вмешательства человека.

Еще одна характерная черта течения: единство и завершенность всех элементов.Все воспринимается как единое целое.

Вдохновляла дизайнеров и художников природа: вьющиеся растения, бутоны, экзотические птицы,павлины,ласточки,бабочки,дамы с длинными струящимися волосами.В пик популярности веяния декорировалось все от помещений до столовых приборов,от одежды до украшений.

Внесли свои изменения в уже практически сформировавшиеся течение представители из школы искусств Глазко.В арт-нуво начали просматриваться выраженные геометрические формы,а так же кривые линии.

Символы стиля арт-нуво так же запечатлели ювелиры того времени:изощренную форму цветка цикломена, лилий, ирисов и др.

Основными элементами стиля АРТ-НУВО стали:

    цвета: черный,голубой,зеленый

    культ линий и органической силы растений и орнаментов символизирующих структур;акцент на национальном стиле страны,подчеркнутый растительный мотив(Франция,Бельгия).линейный декор или строгая композиция,имеющая сложную символику

    сочетание прямоугольных геометрических и растительных,волнисто-изогнутых форм

    мебель и декор в «растительном» стиле,который так же отображался и в одежде и ювелирных украшениях

    в интерьере:окна и двери, украшенные растительными арками и орнаментом.

Сам стиль стал объединяющим различные направления передового искусства,универсальный,предлагаемых для всеобщего внедрения.

На основе изогнутых волнистых линий в интерьере разрабатывается концепция непрерывного «перетекающего» пространства,объединяющего утилитарную функцию архитектурных сооружений,мебели,бытовых предметов с их конструкцией. Внешним декором и технологией обработки метериала. Эта новаторская в те времена концепция обусловила органичность и целостность «нового стиля».

Начался новый стиль в Париже,затем центром стала школа Нанси во главе с Э.Галле, Л.Мажореллем и братьями Даум.

Стиль арт-нуво интересен тем, что вполне рациональная идея гармонии функции,конструкции и внешней формы сочетается в нем с фантастичностью и причудливостью.

Чтобы лучше проникнуться настроением Арт-нуво, хорошо посмотреть на творчество чешского художника Альфонса мухи. Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа 19-20 столетий,»стиль Мухи» стал образцом для целого поколения художников и дизайнеров.

От изображал времена года,времена суток, цветы и т. д. В женских образах. Этот неповторимый стиль художника известен во всем мире благодаря открытой чувственности и пленительной грациозности.

Фирменным знаком линии Арт нуво стала вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьерах 1895 г. Сначала работа называлась «Альпийские фиалки»,но один из критиков сравнил бешеные движения стебля растения с «яростными изгибами обрушившегося бича», появился и закрепился термин «удар бича», который вскоре стал именным росчерком самого стиля Арт-нуво.

Арт- нуво возник во многих европейских странах и получил разные названия.

Например,

Во Франции так же использовался термин «метро»,»стиль Гимара»

В бельгии: «стиль Орта»,по имени архитектора

    в Германии: стиль «Югенстиль»

    в Италии: «цветочный стиль» или «Либерти»


Движение за художественную реформу,которое начали еще прерафаэлиты,было подхвачено Советом Немецких женщин,такими деятелями,как Уолтер Крейн и миссис Хейвес,и,особенно Артуром Лазенби Либерти, который открыл свой магазин на Риджент-стрит в Лондоне 17 мая 1875 г. Имя Либерти неразрывно связано с новым стилем Арт-нуро в эстетическом движении, набирающим свое влияние в обществе.

«Эстетическое» ,или «художественное», платье базировалось на пристрастии к греческой драпировке или другим костюмам прошлого с естественной мягкой линией, а так же к японской и другим восточным культурам и цветовым гаммам,которые У.С.Гильберт иронически назвал «оранжирейно-канареечной шкалой». Многие восточные ткани, которые в начале импортировал,а затем и стал производить сам Либерти (Хотя японские товары по-прежнему были в моде, ухудшающееся качество заставило Либерти искать других поставщиков. Индийские принты были не менее прекрасны, но краски на них известны своей нестойкостью. Тогда он задумался о собственном производстве — и начал импортировать чистые полотна и отдельно красители, чтобы под собственным контролем выпускать ткани с рисунками, отменного качества. ),имели очень красивые расцветки,а их мягкая,легко драпирующаяся фактура стала существенной частью эстетического стиля.

Начало ХХ века не принесло значительных изменений в силуэте женского костюма. Главным событием того времени стало начало эры кутюрье . На Всемирной выставке 1900 года в Париже избранные Дома моды, в том числе Дусе и Ворта, представили публике свои творения. Первым кутюрье стал англичанин Чарлз Федерик Ворт , который стал подписывать свои модели собственным именем. При этом разработанная им линия моды не была революционной: он лишь придал чрезмерно объемному кринолину более соразмерную форму, сделав платье плоским спереди, и собрал ткань в складки, которые переместил назад. Так появился турнюр, который вскоре, как и кринолин, начал приобретать все больший объем. В то время женщины по-прежнему были вынуждены придавать своему силуэту форму «песочных часов», затягивая тело в корсет. Они носили высокие накрахмаленные воротники-стойки, вшивные «ветчинообразные» рукава длиной до самых пальцев и длинные юбки.Шляпы того периода имели такой вес, что женщины были вынуждены дополнительно поддерживать шею конструкцией, похожей на собачий ошейник. Обязательными были чулки, зонтик,перчатки. Отсутствие оригинальности в фасонах восполнялось роскошными орнаментами, тесьмой, лентами, складками, бантами, вышивкой, воланами. Главным украшением начала века был жемчуг. Так наряжались «femme ornee» — красотки Прекрасной эпохи. Но уже близилась другая эпоха – «femme liberee», женщины освобожденной. И главным, кто преуспел в раскрепощении дамской одежды, помимо танцовщиц Айседоры Дункан, Маты Хари и Луайе Фуллер, стал кутюрье Поль Пуаре.

«Моде необходим тиран»

Поль Пуаре

Сочетание золота с черным, белым, молочным стало культовым направлением для светского платья в стиле арт нуво. В союзе золота и оттенка слоновой кости, светло-бежевого в нарядах из тонких тканей с ниспадающими драпировками на талии и бедрах, расшитых золотом по кромке, наблюдается поклон стиля модерн в сторону Античности. На ее уверенном фундаменте во многом держался стиль арт нуво, который заимствовал лучшие черты древнегреческой и древнеримской одежды.

В отличие от мимолетной моды, стиль остается надолго. Яркий пример тому — стиль модерн в одежде, который имеет старинную историю: он появился еще в конце XIX-начале XX веков. Несмотря на солидный возраст, стиль этот актуален и поныне: характерные для него черты, например, растительные орнаменты и мягкие струящиеся линии, остаются модными и в XXI веке.

Рождение стиля

В конце девятнадцатого века на смену вычурной сложности в искусстве стали приходить более легкие, простые, естественные линии. Новый стиль был назван «ар нуво», а позднее – «модерн». Художники, скульпторы, архитекторы и создатели мебели отказывались от излишней пышности, отвергали геометрические строгие формы, черпали вдохновение в природных плавных линиях. Характерной особенностью нового стиля было его стремление проникнуть во всей сферы жизни. Поклонники направления не ограничивались только архитектурой или дизайном интерьера. В полюбившемся стиле оформлялись афиши и предметы быта, книги и ткани.

На моду, которая тоже является видом искусства, модерн также оказал заметное влияние. На рубеже XIX и XX веков в обществе уже витал аромат грядущих перемен. Образ жизни постепенно менялся. Мода перестала быть привилегией знатных особ, она стала делать первые робкие шажки на улицы, навстречу простым обывателям. Былые пышность, вычурность и величественность нарядов стали неактуальны, новое время требовало новых форм и новых идей.

Главной идеей модерна было возвращение к природе, красоте чистой и естественной, простой и натуральной. Вдохновение дизайнеры черпали в роскошных цветах и гибких ветвях, хрупких бабочках и невесомых стрекозах. Образ женщины-райской птицы, женщины-бабочки, женщины-благоуханного цветка вошел в моду.

По мере своего развития стиль модерн разделился на два направления – консервативное и реформаторское. Консерваторы настаивали на ношении корсета, который придавал женской фигуре обольстительные изгибы, подчеркивая ее стройность. Реформаторы же при поддержке передовых медиков вообще отвергали ношение корсета, как предмета, опасного для здоровья. Впервые за долгие века задумались модельеры о том, что одежда женщины должна быть не только красивой, но и удобной. Женщины массово начинали работать, и модные прежде непрактичные туалеты становились неуместной роскошью. Так появились наряды свободные, расклешенные, не сковывающие движения, но при этом исключительно элегантные и неизменно изящные.

Особенности стиля

Конечно, с годами стиль менялся в соответствии с требованиями времени. Например, так популярные когда-то корсеты сегодня ушли в прошлое, уступив место куда более удобным предметам гардероба. Но образ женщины-цветка всегда актуален, и почти невозможно предположить, что когда-то он потеряет привлекательность как для самих женщин, так и для любящих их мужчин.

Для современного стиля модерн характерны подчеркнутая женственность, плавные линии, нежные оттенки и цветочные принты. К особенностям стиля модно отнести декор, декор обильный, но не чрезмерный. Наряды не повторяют одеяния прошлых эпох, но многие присущие стилю модерн детали сохраняются и в самых современных моделях. К таким деталям относятся:

  • богатые, роскошные ткани – бархат, шелк, тафта, шифон, органза;
  • меха, пелерины, высокие воротники;
  • подчеркнутая талия;
  • обильный декор – вышивка, бисер, кружева, золотое шитье;
  • асимметричные наряды;
  • хорошо драпирующиеся ткани;

  • растительный дизайн украшений, декор камнями;
  • летящие шарфы, длинные бузы, украшения, изготовленные с применением кружева;
  • широкополые шляпы, в том числе и с вуалью;
  • маленькие сумочки, не слишком практичные, но очаровательные;
  • изящная обувь на тонкой подошве с фигурным каблучком, трогательные бантики и пряжки на туфлях довершат женственный образ.

Модерн сегодня

Многих вводит в заблуждение название стиля модерн: кажется, что речь идет о модернизме, новаторских идеях и поиске современных форм, а вовсе не о стиле, изобретенном более века назад. В результате возникает путаница, и модерном называют любые модные новинки. Однако стиль модерн – это нечто большее, чем мода. Это символ вечного стремления к красоте, причем красоте естественной, природной. Если не сам стиль, то какие-то его детали и особенности всегда остаются актуальными. Они не могут выйти из моды, как не может потерять актуальность, к примеру, красота цветка или изящество бабочки.

Современные дизайнеры неравнодушны к модерну и черпают вдохновение в нарядах той эпохи. Какие бы новые направления ни изобретала мода, прелестные женственные детали в стиле модерн остаются актуальными. Это и легкие летящие фасоны, и растительные принты, и эффектные украшения, и вышивка, и аппликации. Комбинируя эти детали с современными нарядами, дизайнеры создают оригинальные изделия.

Растительные орнаменты, насыщенные оттенки и их сочетание со спокойным черным фоном, приталенный силуэт и летящие, хорошо драпирующиеся ткани – все эти особенности стиля модерн сегодня популярны не меньше, чем сотню лет назад. Именно они позволяют женщине чувствовать себя женственной в современной мире, где нет места излишней сентиментальности, а борьба за место под солнцем занимает немалое место в жизни. Даже если в моду входят образ женщины-воина, минимализм, строгая классика или спортивные наряды в стиле унисекс, всегда можно смягчить образ и добавить ему капельку обаяния с помощью эффектных деталей в стиле модерн.

Дмитрий Анохин

Как стиль модерн проявился в одежде.

Арт нуво представляет собой направление в искусстве, которое объединило в себе сразу несколько направлений, сформировавшихся к концу 19 века в Европе. Арт нуво в одежде отражает черты, характерные для этого культурного феномена периода модерна. Этот тренд невероятно узнаваем, но из-за схожести с другими направлениями и существования в их рамках этот стиль иногда остается за бортом внимания, которое ошибочно приковывается к его конкурентам.

Арт нуво существовал в эпоху модерна, но нельзя считать эти понятия абсолютно синонимичными. Модерн – термин, который принят за обозначение и временной эпохи (период с 1890 по 1914), и направления в культуре. Под арт нуво подразумевается именно культурный феномен, существовавший в период модерна, наложивший свой отпечаток на модерн в искусстве, архитектуре, моде, но не слившийся с ним окончательно, сохраняя индивидуальность и узнаваемость.

В то же время нельзя путать арт нуво и арт деко (или ар деко) – это два разных направления. Начало периода ар деко было положено в 1925 году – более чем десятилетие спустя после арт нуво. Разумеется, в ар деко были заимствованы некоторые особенности предыдущей культурной эпохи, но они были интерпретированы и подведены под знаменатель новых реалий послевоенного времени.

Назад к природе

Стремление к природе, которое выражалось в изобилии растительных элементов в одежде, причудливых узоров, ткани, которые представляли собой изощренное полотно с крупными акварельными цветами с расплывающимися словно в вечерней дымке очертаниями. Лилии, цикламены, изогнутые стебли тростника, глаза хищных животных, яркое оперение диковинных птиц сплетались воедино на тканях, образуя красивейшие картины, изумляющие хитросплетением цветов и мотивов.

Расплывчатость узоров, которые воспринимаются словно глазом, смотрящим в калейдоскоп – одна из составляющих классического арт нуво. Современные дизайнеры без труда адаптируют его эклектичность в своих коллекциях, соединяя в одном платье флористические и анималистические принты, которые оставляют место геометрии, не жертвуя насыщенностью цветовой гаммы полотна.

Основные цвета и античные традиции

Подчеркнутая декоративность стала главной изюминкой арт нуво, что проявилось в одежде таким образом, что ее с трудом можно вообразить в качестве повседневного костюма. Наряду с основным для арт нуво природным зеленым цветом, который сочетался с черным, синий, красным, процветал культ золота, бьющего в глаза на картинах Густава Климта.

Сочетание золота с черным, белым, молочным стало культовым направлением для светского платья в стиле арт нуво. В союзе золота и оттенка слоновой кости, светло-бежевого в нарядах из тонких тканей с ниспадающими драпировками на талии и бедрах, расшитых золотом по кромке, наблюдается поклон стиля модерн в сторону Античности. На ее уверенном фундаменте во многом держался стиль арт нуво, который заимствовал лучшие черты древнегреческой и древнеримской одежды.

Арт нуво в современной одежде

Традиции арт нуво столетней давности нетрудно возродить в современной моде, и это делают многие дизайнеры, тоскующие по ушедшим эпохам. Арт нуво знаменует собой моду, умело соединяющую в одежде комфорт и декоративность. Стиль отрицает тесные силуэты, настаивая на просторных в области талии туниках и платьях, фривольно обнажающих область декольте V-образным вырезом. Легче всего арт нуво обнаруживается в весенне-летней моде, которой не привыкать к разлетающимся силуэтам и бежево-золотой гамме, благородно оттеняющей сияние шелка Шелк – наследие Желтого Императора

Конец века XIX начало века ХХ в моде значиться как «Прекрасная эпоха» — дословный перевод с французского Belle Epoque. В искусстве и архитектуре этот период называется модерн. Это переходный период ознаменован, с одной стороны, ростом научно-технических изобретений (телеграф, телефон, автомобиль, воздухоплавание, кинематограф) и влиянием их на окружающий мир (европейский, по большей части), с другой стороны погружением в мир грез, эзотерики (увлечение мистицизмом)

Искусство этого периода отличается эклектичностью, сплетением воедино различных стилей — восточный стиль и готика, ампир и византийский стиль. В одежде это также, нашло свое отражение, в каждом сезоне на пике тот или иной стиль, мода тиражирует реплики исторических стилей. Теперь, модно выглядеть мог каждый, кто того желал. Этому способствовали большие универсальные магазины, где можно было купить любое готовое платье, появление швейной машинки и журналов с выкройками, которые облегчили возможность самостоятельно изготавливать одежду.

Мужская одежда меняется незначительно, по сравнению с предыдущими эпохами. Костюм, состоит из пиджака (сюртука), брюк, рубашки и жилета. У рубашек теперь в моде стоячий воротник с отворотами, а манжеты туго крахмалились. Тенденции развития костюма — это хороший крой, элегантность и сдержанность в цвете. Костюм отличается от прежнего, более бесформенным, мешкообразным покроем. В моду входят широкие, ниже бедер и сужающиеся книзу, брюки «французского покроя». В целом, изменяются лишь длина пиджаков и пальто, ширина лацканов и брюк.

Все также, в качестве верхней одежды носили короткое приталенное пальто, спереди отделанное шнурами. Элегантные мужчины предпочитали английское пальто «гавелок» с пелериной и мешкообразное пальто «сак». Основным головным убором у мужчин был котелок или мягкая фетровая шляпа. Костюм дополнялся тростью, моноклем, часами на цепочке. Мужчины носили сапоги, полусапоги и штиблеты. Технические новшества, развитие транспорта, увлечение различными видами спорта меняют и образ жизни и одежду. В мужском костюме появляются цветные рубашки, короткие брюки типа «гольф», легкие куртки, кепи и панамы.

Женщина этой эпохи — стройная с осиной талией и имеющая изогнутый S-образный силуэт (благодаря особому корсету). Искусно уложенная прическа из пышных взбитых и высоко уложенных волос напоминала нераспустившийся бутон. Высокие каблуки изменили походку дам. Также, стоит отметить, культ женского белья, который приходиться на эпоху модерн. Его делают из тонких тканей (батист, шелк), дополняют кружевом, лентами изящной вышивкой. Белье становиться предметом роскоши.

С одной стороны, моду диктовали знаменитые кутюрье: Ворт (сыновья), Жак Дусе, Жанна Пакен, сестры Калло. С другой стороны, нарастают нападки на корсет и женскую одежду в целом, со стороны гигиенистов. Крепнет движение феминисток, которые борются не только за избирательное право и право распоряжаться собственной судьбой, но и за право на ношение удобного мужского костюма. Активные занятия спортом породили в среде дам требования к упрощению и унификации женской одежды.

Женщины становятся все более активными. И гардероб их растет по мере роста активности: одежда для дома, для визитов, вечерние наряды дополняются одеждой для путешествий, плаванья (появились прототипы купальников), спорта, и конечно работы (не всем повезло родиться в состоятельных семьях, все большему количеству женщин приходилось самостоятельно зарабатывать себе на жизнь).

И, несмотря на возникающие перемены, и нарастающие изменения окружающей жизни, в моде по-прежнему женщина-цветок, избалованная кокетка, витрина благосостояния своего мужа. Появился новый тип одежды — узкий лиф с воротником-стойкой и треугольником-вставкой до талии, с юбкой-клеш и расширяющимися рукавами (подобные рукавам эпохи бидермайер). В повседневной одежде преобладает английский костюм, состоящий из юбки, блузки и жакета. Такой костюм называют костюмом «девушки Гибсона», по имени художника, который создал образ современной молодой леди.

Турнюр в 90-х годах превращается в небольшую подушечку, а затем и вовсе исчезает. Для балов и светских раутов шили сильно декольтированное платье без рукавов. В качестве верхней одежды носили всевозможные пелерины, манто, мантильи и пальто.

Большое значение уделили головным уборам. Если в начале эпохи модерн преобладали маленькие шляпки без полей или с небольшими полями, то уже в начале ХХ века шляпы стали достигать значительных размеров. Летом дамы носили соломенные шляпы вроде канотье. Шляпы представляли собой хитроумные украшенные кружевом, цветами, птичьими перьями (иногда и чучелами птиц), лентами.

Женская обувь для этого стиля характерна с узким острым носом и на высоком каблуке.

Потрясают воображение украшения этой эпохи. Теперь ювелирное дело перешли в ранг искусства. Характерной чертой ювелирных изделий этого времени является сочетание полудрагоценных камней, стекла, недорогих металлов. Теперь украшения перестали быть показателем богатства своего владельца. Самым известным ювелиром этого периода является Рене Лалик, который использовал в в своих работах самые различные материалы и техники. Сочетание природных мотивов и символов давали невероятные образы для привычных форм украшений- ожерелий, брошек, браслетов, кулонов и т.п.

«Прекрасная эпоха» или «бель эпок», которую также называют «ар нуво» или «эпоха модерн» охватила два десятка лет на рубеже девятнадцатого и двадцатого столетий.(Период 1890-1914) Как и любой стык двух веков, этот период характеризуется важными изменениями, назревшими в жизни общества, которые нашли свое отражение в разных ее ипостасях. Мода эпохи модерн чрезвычайно интересна своими трансформациями, которые явились предзнаменованием кардинальных перемен, произошедших чуть позднее.

Эпоха модерн началась в девяностые годы девятнадцатого века и продолжалась вплоть до Первой Мировой войны. Это время характеризуется важнейшими переменами в женском костюме, который постепенно стал освобождать дамские формы от прежних одежд, тесных, удушливых, пышных.

История стиля модерн в одежде отражает главные веяния в социальной жизни по обе стороны Атлантики, включая постепенную смену положения женщин в обществе и открывающиеся для них перспективы на рубеже 19 и 20 столетий. Как и любая другая граница веков, это было интересное время, насыщенное событиями. Его течение было прервано Первой мировой войной, после которой было положено начало уже другой эпохе — такой же знаковой и переломной.

Первая половина 19 века была отдана романтизму, который ярчайшим образом нашел отражение в искусстве и одежде. Роматические идеалы воспевались в женском гардеробе пышными формами, многослойными юбками, глубоким декольте и талией, туго стянутой корсетом. Все в дамском образе было призвано подчеркнуть мечтательную хрупкость, которая хорошо просматривалась в литературе и живописи, запечатлевших тяжелые складки объемных юбок, шуршащих роскошным сияющим атласом и хрустящими кружевными оторочками на светских балах.

С середины века стремительно меняется политическая ситуация в Европе, что неумолимо влияет на прежнее течение жизни. Научно-технический прогресс набирает обороты, пересматривается положение женщины в обществе, а после возвращения Олимпийских Игр развивается спорт. Все это деромантизирует эпоху и ее костюмы, приближая их к реальности. Женщине становится легче дышать во всех смыслах слова.

Идеал, которому поклонялись модернисты — мать Природа. Дизайнеры стремились придать женскому силуэту сходство с бабочкой или цветком. Лилия, хризантема и орхидея — самые распространенные символы женской одежды эпохи модерна. Основной акцент платье в стиле модерн делало на талии. S-образный силуэт ему придавался за счет четкого разделения тела на 2 части: внимание к верхней привлекалось благодаря напуску на груди, а нижняя часть выделялась за счет разлетающейся юбки. Однако перед началом Первой Мировой войны стиль модерн сделал уступку более комфортному и свободному платью, отказался от корсетов, и придал ему прямой крой, нежно облегающий женскую фигуру. Не последнюю роль в этом процессе сыграла Айседора Дункан — в 1903 г она впервые выступила в платье пеплос, свободном, без корсета, из легкой
полупрозрачной ткани.

Стиль модерн в одежде — это не только силуэт платья. Здесь важны детали. Прежде всего декор. Платья украшались рисунками, аппликациями, вышивкой. Самая популярная тематика орнамента — цветы, листья, водоросли. Узоры наносили на платье ассиметрично. Стиль модерн в одежде — новое слово в истории моды.







от Поля Пуаре

Для прогулок


Узоры ткани в стиле модерн


Мода в конце XIX века в последнее пятилетие снова меняет женский костюм. Рукава у плеча становятся огромных размеров, возраждая форму 1830-х годов, это уже не «окорочка», а «окорока». Юбка расширяется, оставаясь в форме «колокола». Головные уборы усложняются, пышно декорируются, поля, по сравнению с первым пятилетием 90-х годов, увеличиваются.

Однако наряду с громоздкими шляпами остаются простые плоские канотье и мягкие фетровые шляпки с небольшими полями, продавленные посередине (шляпа «пирожком»). Эти шляпы пришли из Австрии, и позже в Европе их стали называть «федорами». Название они получили от одноимённой пьесы Виктора Сарду «Федора». Помимо «федоры» появились «трилби», цилиндры, котелки – всё из гардероба мужчин.

В этот период возникает невиданное разнообразие фасонов, которые были декорированы всевозможными отделками, деталями, украшениями. В журналах мод отмечалось, что в этот период происходит полное смешение «идей, форм, украшений…». Однако наряду с удачными идеями возникало множество не то, чтобы не удачных, а полная безвкусица.

Портной или сама заказщица в погоне за тем, чтобы оказаться с самым оригинальным фасоном, придумывали нечто невероятное – вздыбленные рукава, с плотно обхватывающим торс лифом (со сдавленной корсетом талией трудно было дышать). Иногда это были широкие лацканы, воротники, пелерины, крылья, кружева, ленты, рюши и т.п. Всё это приводило к огромному увеличению верхней части фигуры. К тому же все перечисленные детали «украшали» не только платья, но и пальто и строгие жакеты, и даже амазонки.

Вечерние туалеты в последнем пятилетии остаются такими же, как и в первом – глубокое декольте, узкий и жёсткий лиф, и если есть рукава, то они обязательно огромные у плеча. Такие рукава,узкие от запястья до локтя и вздутые у плеча, назывались по-разному: жиго, бараний окорок, баранья нога, слоновые уши, ветчинные и т.п. В декоре соединялись разные фактуры тканей, (по-видимому, современная мода повторяет сейчас эту же идею – многослойность из тканей различной фактуры).

При невероятных размеров рукавов юбки были весьма элегантны и удобны – форма колокола. Расклешённые юбки с глубокими красивыми фалдами от талии ниспадали в пол. Далее к концу XIX–ого столетия юбка изменяет свою форму – она становится от талии до бёдер совершенно гладкой, и расширяется только от колен к полу, приобретая форму «годе», или заканчивается воланами или рюшами.

Талия подчёркивалась кушаком или поясом и казалась по сравнению с огромными рукавами необычайно тонкой (нечто подобное повторится в моде 30-х годов ХХ-ого века, но не с такими вздыбленными огромными рукавами). В этот период лиф имеет фигурный вырез, в который располагаются вставки или манишки, обильно декорированные складочками или рюшами. Воротничок остаётся высоким и стоячим. Необходимо отметить, что несмотря на огромное разнообразие фасонов платьев, пелеринок, болеро и жакетов, завоёвывает популярность жакет строгого покроя – удлинённый, прилегающий с небольшими отворотами, мужского типа.

Одним из знаменитых в то время кутюрье был Жак Дусе – художник, тонко чувствующий индивидуальность своей модели.

Следует назвать и Гюстава Беера, который создавал вещи для более консервативных заказчиц. Одна из его моделей находится в музее Киото – дневное платье из чёрного буклированного шёлка с декором у воротника и на плечах из многослойного шёлкового атласа, саржи и и вышивкой бусинками. В рукавах и на юбке подложен бежевый шёлковый атлас, который виден сквозь прорези, украшенные бусинами. В эти же годы создаёт свои шедевры и Н. Ламанова.


Искусство модерна воспевало не только чёткость контуров, но и богатство и элегантность декора. В вышивках этого стиля встречаются природные мотивы – цветы, насекомые, животные и т.п.

Активный спорт, который стал в эти годы доступнее и женщинам, позволил создавать простые и удобные костюмы с минимальным количеством деталей. Американский иллюстратор Чарльз Дейн Гибсон запечатлял на своих рисунках очаровательных девушек в простых и скромных нарядах, занимающихся спортом.

В магазинах в эти годы появились в продаже специальные костюмы для спорта и активного отдыха: просторные блузы, укороченные юбки, блумерсы и даже специальные корсеты для спорта, более щадящие женщину. Завоёвывают популярность велосипед, теннис, катание на коньках, в том числе и роликовые коньки. Последние были вечерним и ночным развлечением на асфальтовом катке.

Окончание XIX столетия было названо «весёлой эпохой». Но всё, как известно, кончается. Наступает новый век – всё в будущем – грядущие катастрофы, войны и, несмотря на это, новые яркие стили новой эпохи и их новые изобретатели.




Одежда на фото 1895-1900



В начале 90-х XIX столетия возник новый стиль – модерн, в котором выразился интерес к различным историческим стилям: , и восточным культурам. Стиль искусства, возникший в начале 90-х и постепенно изменяющийся на рубеже XIX и XX столетий, в России именовался «модерн», во Франции – «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Австрии – «сецессион», в Италии – «либерти».

И так, первая половина 90-х XIX –ого столетия.
Мода начала 90-х обозначилась трансформацией турнюра, который до этого много лет властвовал в женском гардеробе.

В начале 90-х юбка, красиво облегая бёдра, опускается до пола и выглядит в форме колокола. Вся женская фигура приобретает стройность и устремляется ввысь, преобладают естественные пропорции. В силуэте выявляются все достоинства женской фигуры. В этот период портные почувствовали себя скульпторами. Композиция костюма строится с акцентами по вертикали, силуэт имеет подчёркнутую талию, узкий лиф с воротником-стойкой, линия плеча приподнята, рукав выкроен в форме небольшого «окорочка», по окату со складочками в центре плеча, суженная спереди юбка сзади расширена.

Вечерние платья часто делались без рукавов, с глубоким декольте. Вместо рукавов создавалась лёгкая драпировка из ткани или кружев, искусственных цветов или перьев. Осиная талия предполагала обязательное ношение корсета.

В это десятилетие изменился стиль женщин, увлечённых спортом и путешествиями, а также тех, кто начал работать. Одежда стала во многом иной. В те годы в печати стали появляться рисунки высокой и стройной девушки с пышной причёской, её образ привлекал внимание своей свежестью и очарованием. Её называли – «девушка Гибсона». (Гибсон – художник, создавший этот образ – 1890 – 1910гг.).

Девушка изображена в строгой блузке и длинной расклешённой юбке, она не носит дорогие шляпки, на ней соломенное канотье. Образ девушки олицетворял собой активную женщину, занимавшуюся спортом, особенно любимым был для неё был велосипед. Катаясь на велосипеде, девушка надевает укороченную широкую юбку или шаровары, которые назывались «блумерсы». Популярность девушки Гибсона способствовала подражанию её костюмам и рекламе тканям и обуви. Именно в это время распространилась мода на костюм, комбинацию юбки с блузкой, или «тройки» – юбка, блузка и жакет или болеро, а также на спортивную одежду.

В первой половине 90-х годов начинают выходить пособия для самостоятельного пошива одежды со множеством технологических советов. Эти пособия современные мастера отмечают как высококлассные. В эти же годы некоторые предметы мужского гардероба постепенно входят в женский – например, жакеты с кроем мужского образца – фрачного типа с жилетом, пиджаки и куртки мужского типа для езды на велосипеде или для верховой езды.

Костюм амазонки включал в себя сорочку с высоким воротничком, пиджак мужского типа и даже цилиндр.

Для смягчения мужского образа женщины использовали меховые боа, муфты и пелерины. Пелерины шьют из тканей согласно сезону – шерсть, кружево, шёлк. Их носят с платьями, костюмами или пальто. Шляпки в начале 90-х были с маленькими полями, украшенные перьями или лентами, что зрительно возвышало фигуру.

Богатые женщины не стремились к сдержанности мужского образа, для них была более понятна роскошь тканей, обилие декора и украшений. Принцесса Александра, будущая королева Англии обожала драгоценности и при случае всегда демонстрировала их на себе. Это она ввела в моду, так называемый, «собачий ошейник», состоящий из жемчужных нитей, обмотанных в несколько рядов вокруг шеи и спускающийся на грудь двумя нитками. Так что до того, как засияла звезда Коко Шанель, в моде произошли большие изменения, которые положили начало открытиям и изобретениям знаменитой Мадемуазель.

в чем разница? – Вдохновение

Рассказываем о ключевых различиях двух стилей эпохи модерна.

Стили Ар-деко и Ар-нуво нередко путают между собой, смешивая их разнородные элементы или вовсе называя их одним и тем же. Чаще всего сейчас встречаются эклектичные интерьеры, вызывающие неоднозначные чувства — вроде все идет по канонам Ар-нуво, но, потом неожиданно где-то блеснет и элемент Ар-деко. Между тем, эти стили имеют весьма существенные различия и даже появились в разный период времени.

Стиль Ар-нуво возник в конце 19 века и являлся ответвлением модерна, можно сказать, что он так и не стал самостоятельным стилем, возможно поэтому по сей день его так любят с чем-то комбинировать.

 Стиль Ар-деко сформировался после масштабной парижской выставки 1925 года, на которой были представлены различные предметы новейшего искусства. Позднее он стал символом праздника и свободы, и особенно полюбился молодым людям, которые пытались отвлечься от тягостных мыслей послевоенного времени.

Главным различием этих двух стилей является общая геометричность или  плавность форм.  Для стиля Ар-деко характерны резкие, изломанные линии и подчеркнутая симметричность, таким образом, стиль отображал общие настроения начала 20 века, когда люди по-прежнему находились в строгих рамках приличий, но в то же время активно пытались бунтовать внутри них. Ар-нуво, напротив, предполагает изгибистые, несколько «текучие» линии, поскольку данный стиль склонял к близости с природой. Характерным узором стиля Ар-нуво считается так называемый «удар бича», придуманный художником Германом Обристом. У Ар-деко подобным фирменным знаком можно назвать Sunburst — солнечные лучи, которые чаще всего проявляются в элементе декора.

 Декоративные элементы являются той самой деталью, благодаря которой понимаешь всю суть того или иного стиля, а в данном случае они еще и ключевой элемент их разнородности. Текучесть форм стиля Ар-нуво простирается повсеместно, поэтому для него характерно изображение причудливых, немного сказочных сюжетов в виде картин на стенах, как, например, в работах Альфонса Мухи.

В Ар-деко все более реалистично и сдержанно, а также угловато — сюжеты не отличаются фантазийностью, кроме того, модели выглядят гораздо более современно и несколько мальчишески.

Все дело в том, что в начале прошлого века стали популярны занятия спортом, поэтому приветствовалась спортивная фигура, причем, как у мужчин, так и у женщин. Эта тенденция просматривалась во всех сферах жизни, поэтому интерьеры Ар-деко украшались статуэтками спортсменок атлетичного телосложения. Ар-нуво и здесь сохранял приверженность природному стилю. 

 Что касается цветовой палитры, то для Ар-деко характерна сдержанность и даже монохромность в цвете, но, в то же время, обилие блеска. Для этих целей применялись хромированные элементы мебели, зеркала, хрусталь. Интерьер в подобном стиле всегда предполагал атмосферу праздника, во время которого можно забыть обо всем.

 Ар-нуво, с его мягкостью и таинственностью,подразумевает такие же мягкие, природные цвета — коричневый, зеленый, бежевый.  Так же характерно обилие всевозможных переплетеных элементов и затейливой мебели. Часто в интерьере Ар-нуво присутствуют витражи, которые помогают созданию природно-загадочных полутонов. Атмосфера в интерьере подобного стиля всегда мягкая и умиротворяющая.

 

В целом, можно сказать, что стиль Ар-деко больше сочетается с нашей современной действительностью, за счет своей яркости и характерной динамики. Поэтому он прекрасно подойдет жителям мегаполиса, которые вечно куда-то спешат и даже минуты отдыха предпочитают проводить активно. Но если вам хочется создать свой маленький зачарованный лес в городе — отдайте предпочтение стилю Ар-нуво, в интерьере которого вы сможете расслабиться  и помечтать.

Также рекомендуем прочесть статью:

 «Интерьер в стиле Ар-деко: гостиная vs ванная комната»

Фото: vanilledecor.ru, liveinternet.ru, livejournal.com, storoom.com.ua, teeandcake.ru, mt-dizain.ru, domfront.ru, designo-int.com ар-деко, ар-нуво, Декор интерьера

Мужские образы в стиле арт нуво. Стиль модерн

Период конца 19 века — начала 20- го…

Арт-нуво (франц. L’Art Nouveau – Новое искусство) – французское название искусства периода Модерна рубежа XIX-XX веков. Однако, правильнее относить этот термин не в целом к искусству модерна, включающему различные течения и стили, а лишь к одному из них – «флореальному», или декоративно-орнаментальному, течению и стилю, зародившемуся в Бельгии и Франции.

Моде́рн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве , наиболее распространённое в последнем десятилетии XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны )

/Векипедия/

Под арт-нуво подразумевается именно культурный феномен,существовавший в период модерна и наложивший свой отпечаток на модерн в архитектуре, искусстве, моде,но не слившимся с ним окончательно,а сохранивший свою индивидуальность и узнаваемость и в наши дни.

Не стоит путать арт-нуво и арт-деко(ар деко).Это разные направления. Ар деко начался в 1925 году, уже после арт-нуво. Конечно же,а арт деко были заимствованы некоторые особенности предыдущей культурной эпохи,но они были интерпретированы и подведены под знаменатель новых реалий послевоенного (Первая мировая война) времени.

Сам стиль арт-нуво начался в интерьере,искусстве и одежде в конце 19 века и сменил стиль барокко.

Само веяние этого стиля было вызвано стремительным развитием науки и техники.

В середине 19 века начался накал страстей вокруг социальных реформ и так же обострились атаки на всю концепцию моды.К началу 20 века телефон,электричество,автомобиль и кино уже стали практической реальностью. В интеллектуальной и художественной жизни происходили радикальные изменения: движение кубистов под предводительством Брака и Пискассо,музыка Малера,Дебюсси,Стравинского и Равелятеории Зигмунда Фрейда, революционный стиль танца Айседоры Дункан,»Русский балет Дягелева», который впервые увидели в Париже в 1909 году,а в Лондоне в 1911 году. Энергия танца и великолепие цвета и сценографии красочных балетов,как «Жар-птица» и др. вызвали сенсацию.

Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи.В поисках новых решений эксплуатировались все исторические периоды вместе взятые.

Неудовлетворенные окружающей жизнью и ситуацией в искусстве,когда уже перестал сущестоввать единое направление,зачинатели нового движения ставили перед собой задачу создания большого стиля.Усилиями художников,архитекторов и критиков сознательно формировался новый стиль. Созданный стиль заключал в себе отчетливую программу общих эстетических преобразований,котрая может быть представлена как идея сотворения прекрасного.

Однако на практике оказалось не так уж и легко создать что-то из совершенно нового направления. По-этому были заимствованы нюансы из разных эпох.

Наступил возврат к природе,что ярко отразилось в изобразительном искусстве.

Первое время арт-нуво представлял собой не совсем удачную смесь исторической и современной эпох. Порой доходило даже до безвкусицы. Лишь спустя длительный период начали прорисовываться черты совершенно нового направления.

Лозунгом стиля арт-нуво стал:

«Назад к природе».

Характерными чертами стали: естественные волнообразные изогнутые плавные линии,сочетающие стремление к конструктивности и веяния Востока.

В интерьере,например,причудливые изогнутые линии декора зрительно сливаются с элементами строительной конструкции конструкции. В отделке большое внимание уделяется стилизованному растительном узору,гибким текучим формам,что превращает металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Создается впечатление,что сам декор создает природа,без вмешательства человека.

Еще одна характерная черта течения: единство и завершенность всех элементов.Все воспринимается как единое целое.

Вдохновляла дизайнеров и художников природа: вьющиеся растения, бутоны, экзотические птицы,павлины,ласточки,бабочки,дамы с длинными струящимися волосами. В пик популярности веяния декорировалось все от помещений до столовых приборов,от одежды до украшений.

Внесли свои изменения в уже практически сформировавшиеся течение представители из школы искусств Глазко.В арт-нуво начали просматриваться выраженные геометрические формы,а так же кривые линии.

Символы стиля арт-нуво так же запечатлели ювелиры того времени:изощренную форму цветка цикломена, лилий, ирисов и др.

Основными элементами стиля АРТ-НУВО стали:

    цвета: черный,голубой,зеленый

    культ линий и органической силы растений и орнаментов символизирующих структур;акцент на национальном стиле страны,подчеркнутый растительный мотив(Франция,Бельгия).линейный декор или строгая композиция,имеющая сложную символику

    сочетание прямоугольных геометрических и растительных,волнисто-изогнутых форм

    мебель и декор в «растительном» стиле,который так же отображался и в одежде и ювелирных украшениях

    в интерьере:окна и двери, украшенные растительными арками и орнаментом.

Сам стиль стал объединяющим различные направления передового искусства,универсальный,предлагаемых для всеобщего внедрения.

На основе изогнутых волнистых линий в интерьере разрабатывается концепция непрерывного «перетекающего» пространства,объединяющего утилитарную функцию архитектурных сооружений,мебели,бытовых предметов с их конструкцией. Внешним декором и технологией обработки метериала.Эта новаторская в те времена концепция обусловила органичность и целостность «нового стиля».

Начался новый стиль в Париже,затем центром стала школа Нанси во главе с Э.Галле, Л.Мажореллем и братьями Даум.

Стиль арт-нуво интересен тем, что вполне рациональная идея гармонии функции,конструкции и внешней формы сочетается в нем с фантастичностью и причудливостью.

Чтобы лучше проникнуться настроением Арт-нуво, хорошо посмотреть на творчество чешского художника Альфонса мухи. Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа 19-20 столетий,»стиль Мухи» стал образцом для целого поколения художников и дизайнеров.

От изображал времена года,времена суток, цветы и т. д. В женских образах. Этот неповторимый стиль художника известен во всем мире благодаря открытой чувственности и пленительной грациозности.

Фирменным знаком линии Арт нуво стала вышивка Германа Обриста «Удар бича» на портьерах 1895 г. Сначала работа называлась «Альпийские фиалки»,но один из критиков сравнил бешеные движения стебля растения с «яростными изгибами обрушившегося бича», появился и закрепился термин «удар бича», который вскоре стал именным росчерком самого стиля Арт-нуво.

Арт- нуво возник во многих европейских странах и получил разные названия.

Например,

Во Франции так же использовался термин «метро»,»стиль Гимара»

В бельгии: «стиль Орта»,по имени архитектора


Движение за художественную реформу,которое начали еще прерафаэлиты,было подхвачено Советом Немецких женщин,такими деятелями,как Уолтер Крейн и миссис Хейвес,и,особенно Артуром Лазенби Либерти, который открыл свой магазин на Риджент-стрит в Лондоне 17 мая 1875 г. Имя Либерти неразрывно связано с новым стилем Арт-нуро в эстетическом движении, набирающим свое влияние в обществе.

«Эстетическое» ,или «художественное», платье базировалось на пристрастии к греческой драпировке или другим костюмам прошлого с естественной мягкой линией, а так же к японской и другим восточным культурам и цветовым гаммам,которые У.С.Гильберт иронически назвал «оранжирейно-канареечной шкалой».Многие восточные ткани, которые в начале импортировал,а затем и стал производить сам Либерти (Хотя японские товары по-прежнему были в моде, ухудшающееся качество заставило Либерти искать других поставщиков. Индийские принты были не менее прекрасны, но краски на них известны своей нестойкостью. Тогда он задумался о собственном производстве — и начал импортировать чистые полотна и отдельно красители, чтобы под собственным контролем выпускать ткани с рисунками, отменного качества. ),имели очень красивые расцветки,а их мягкая,легко драпирующаяся фактура стала существенной частью эстетического стиля.

Начало ХХ века не принесло значительных изменений в силуэте женского костюма. Главным событием того времени стало начало эры кутюрье . На Всемирной выставке 1900 года в Париже избранные Дома моды, в том числе Дусе и Ворта, представили публике свои творения. Первым кутюрье стал англичанин Чарлз Федерик Ворт , который стал подписывать свои модели собственным именем. При этом разработанная им линия моды не была революционной: он лишь придал чрезмерно объемному кринолину более соразмерную форму, сделав платье плоским спереди, и собрал ткань в складки, которые переместил назад. Так появился турнюр, который вскоре, как и кринолин, начал приобретать все больший объем. В то время женщины по-прежнему были вынуждены придавать своему силуэту форму «песочных часов», затягивая тело в корсет. Они носили высокие накрахмаленные воротники-стойки, вшивные «ветчинообразные» рукава длиной до самых пальцев и длинные юбки.Шляпы того периода имели такой вес, что женщины были вынуждены дополнительно поддерживать шею конструкцией, похожей на собачий ошейник. Обязательными были чулки, зонтик,перчатки. Отсутствие оригинальности в фасонах восполнялось роскошными орнаментами, тесьмой, лентами, складками, бантами, вышивкой, воланами. Главным украшением начала века был жемчуг. Так наряжались «femme ornee» — красотки Прекрасной эпохи. Но уже близилась другая эпоха – «femme liberee», женщины освобожденной. И главным, кто преуспел в раскрепощении дамской одежды, помимо танцовщиц Айседоры Дункан, Маты Хари и Луайе Фуллер, стал кутюрье Поль Пуаре.

«Моде необходим тиран»

Поль Пуаре

Сочетание золота с черным, белым, молочным стало культовым направлением для светского платья в стиле арт нуво. В союзе золота и оттенка слоновой кости, светло-бежевого в нарядах из тонких тканей с ниспадающими драпировками на талии и бедрах, расшитых золотом по кромке, наблюдается поклон стиля модерн в сторону Античности. На ее уверенном фундаменте во многом держался стиль арт нуво, который заимствовал лучшие черты древнегреческой и древнеримской одежды.

Конец века XIX начало века ХХ в моде значиться как «Прекрасная эпоха» — дословный перевод с французского Belle Epoque. В искусстве и архитектуре этот период называется модерн. Это переходный период ознаменован, с одной стороны, ростом научно-технических изобретений (телеграф, телефон, автомобиль, воздухоплавание, кинематограф) и влиянием их на окружающий мир (европейский, по большей части), с другой стороны погружением в мир грез, эзотерики (увлечение мистицизмом)

Искусство этого периода отличается эклектичностью, сплетением воедино различных стилей — восточный стиль и готика, ампир и византийский стиль. В одежде это также, нашло свое отражение, в каждом сезоне на пике тот или иной стиль, мода тиражирует реплики исторических стилей. Теперь, модно выглядеть мог каждый, кто того желал. Этому способствовали большие универсальные магазины, где можно было купить любое готовое платье, появление швейной машинки и журналов с выкройками, которые облегчили возможность самостоятельно изготавливать одежду.

Мужская одежда меняется незначительно, по сравнению с предыдущими эпохами. Костюм, состоит из пиджака (сюртука), брюк, рубашки и жилета. У рубашек теперь в моде стоячий воротник с отворотами, а манжеты туго крахмалились. Тенденции развития костюма — это хороший крой, элегантность и сдержанность в цвете. Костюм отличается от прежнего, более бесформенным, мешкообразным покроем. В моду входят широкие, ниже бедер и сужающиеся книзу, брюки «французского покроя». В целом, изменяются лишь длина пиджаков и пальто, ширина лацканов и брюк.

Все также, в качестве верхней одежды носили короткое приталенное пальто, спереди отделанное шнурами. Элегантные мужчины предпочитали английское пальто «гавелок» с пелериной и мешкообразное пальто «сак». Основным головным убором у мужчин был котелок или мягкая фетровая шляпа. Костюм дополнялся тростью, моноклем, часами на цепочке. Мужчины носили сапоги, полусапоги и штиблеты. Технические новшества, развитие транспорта, увлечение различными видами спорта меняют и образ жизни и одежду. В мужском костюме появляются цветные рубашки, короткие брюки типа «гольф», легкие куртки, кепи и панамы.

Женщина этой эпохи — стройная с осиной талией и имеющая изогнутый S-образный силуэт (благодаря особому корсету). Искусно уложенная прическа из пышных взбитых и высоко уложенных волос напоминала нераспустившийся бутон. Высокие каблуки изменили походку дам. Также, стоит отметить, культ женского белья, который приходиться на эпоху модерн. Его делают из тонких тканей (батист, шелк), дополняют кружевом, лентами изящной вышивкой. Белье становиться предметом роскоши.

С одной стороны, моду диктовали знаменитые кутюрье: Ворт (сыновья), Жак Дусе, Жанна Пакен, сестры Калло. С другой стороны, нарастают нападки на корсет и женскую одежду в целом, со стороны гигиенистов. Крепнет движение феминисток, которые борются не только за избирательное право и право распоряжаться собственной судьбой, но и за право на ношение удобного мужского костюма. Активные занятия спортом породили в среде дам требования к упрощению и унификации женской одежды.

Женщины становятся все более активными. И гардероб их растет по мере роста активности: одежда для дома, для визитов, вечерние наряды дополняются одеждой для путешествий, плаванья (появились прототипы купальников), спорта, и конечно работы (не всем повезло родиться в состоятельных семьях, все большему количеству женщин приходилось самостоятельно зарабатывать себе на жизнь).

И, несмотря на возникающие перемены, и нарастающие изменения окружающей жизни, в моде по-прежнему женщина-цветок, избалованная кокетка, витрина благосостояния своего мужа. Появился новый тип одежды — узкий лиф с воротником-стойкой и треугольником-вставкой до талии, с юбкой-клеш и расширяющимися рукавами (подобные рукавам эпохи бидермайер). В повседневной одежде преобладает английский костюм, состоящий из юбки, блузки и жакета. Такой костюм называют костюмом «девушки Гибсона», по имени художника, который создал образ современной молодой леди.

Турнюр в 90-х годах превращается в небольшую подушечку, а затем и вовсе исчезает. Для балов и светских раутов шили сильно декольтированное платье без рукавов. В качестве верхней одежды носили всевозможные пелерины, манто, мантильи и пальто.

Большое значение уделили головным уборам. Если в начале эпохи модерн преобладали маленькие шляпки без полей или с небольшими полями, то уже в начале ХХ века шляпы стали достигать значительных размеров. Летом дамы носили соломенные шляпы вроде канотье. Шляпы представляли собой хитроумные украшенные кружевом, цветами, птичьими перьями (иногда и чучелами птиц), лентами.

Женская обувь для этого стиля характерна с узким острым носом и на высоком каблуке.

Потрясают воображение украшения этой эпохи. Теперь ювелирное дело перешли в ранг искусства. Характерной чертой ювелирных изделий этого времени является сочетание полудрагоценных камней, стекла, недорогих металлов. Теперь украшения перестали быть показателем богатства своего владельца. Самым известным ювелиром этого периода является Рене Лалик, который использовал в в своих работах самые различные материалы и техники. Сочетание природных мотивов и символов давали невероятные образы для привычных форм украшений- ожерелий, брошек, браслетов, кулонов и т.п.

Модерн в одежде является настоящей стопроцентной современностью. Даже на сегодняшний день экстравагантность данного направления будоражит богатую фантазию самых известных и талантливых модельеров. Стиль модерн имеет бесконечное количество преданных поклонников и фанатов по всему миру. Современное модерн направление имеет такие характерные черты, как четкие границы и правильные классические формы. Все модницы и поклонники данного направления приветствуют только натуральность и естественность, которая выражается в мягких и четких контурах.

Одежда эпохи модерн

В конце 18 века в мире моды отражались все эстетические, экономические и политические тенденции и направления тех времен. Поэтому в моде того времени одновременно господствуют два направления, имеющие полностью противоположные черты: первое направление было связано со спортом, а другое – со стильными салонами. Здесь с одной стороны преобладала функциональность, а с другой стороны – декорация и красота. Консервативная мода требовала от женщин настоящей стилизации, они должны были быть настоящими женщинами театров, салонов и других вечерних развлечений, поэтому все они все еще были стянуты в корсеты.

Платья в стиле модерн 18 века были женственны, но не практичны. Такому направлению стала противостоять оппозиция, которая организовала движение против ношения корсетов. Сторонники такого движения стремились запретить корсеты и постоянно утверждали об их вредности. Платья эпохи модерн были не единственными популярными изделиями, на пике популярности находились и костюмы, которые давали женщинам невероятную возможность двигаться свободно и раскованно. Но при этом, было огромное количество суждений на тему, вредны ли физические нагрузки и не уничтожит ли спорт женскую мораль. Сторонники такого движения считали, что женщины всегда должны сидеть дома и предпочитать .

Женская одежда в стиле модерн

В современной моде очень популярна одежда и свадебные платья в стиле модерн. Чтобы понять все характерные черты одежды эпохи модерн, необходимо рассмотреть успешные современные коллекции. Главными моделями таких коллекций стали изящные юбочки, белые классические блузы, а также кокетливые небольшие платьица. Дизайнеры одежды в платьях модерн сделали упор на растительные орнаменты, а цветовая гамма состоит из ярких оттенков, контрастирующих с черной фоновой расцветкой.


В начале 90-х XIX столетия возник новый стиль – модерн, в котором выразился интерес к различным историческим стилям: , и восточным культурам. Стиль искусства, возникший в начале 90-х и постепенно изменяющийся на рубеже XIX и XX столетий, в России именовался «модерн», во Франции – «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Австрии – «сецессион», в Италии – «либерти».

И так, первая половина 90-х XIX –ого столетия.
Мода начала 90-х обозначилась трансформацией турнюра, который до этого много лет властвовал в женском гардеробе.

В начале 90-х юбка, красиво облегая бёдра, опускается до пола и выглядит в форме колокола. Вся женская фигура приобретает стройность и устремляется ввысь, преобладают естественные пропорции. В силуэте выявляются все достоинства женской фигуры. В этот период портные почувствовали себя скульпторами. Композиция костюма строится с акцентами по вертикали, силуэт имеет подчёркнутую талию, узкий лиф с воротником-стойкой, линия плеча приподнята, рукав выкроен в форме небольшого «окорочка», по окату со складочками в центре плеча, суженная спереди юбка сзади расширена.

Вечерние платья часто делались без рукавов, с глубоким декольте. Вместо рукавов создавалась лёгкая драпировка из ткани или кружев, искусственных цветов или перьев. Осиная талия предполагала обязательное ношение корсета.

В это десятилетие изменился стиль женщин, увлечённых спортом и путешествиями, а также тех, кто начал работать. Одежда стала во многом иной. В те годы в печати стали появляться рисунки высокой и стройной девушки с пышной причёской, её образ привлекал внимание своей свежестью и очарованием. Её называли – «девушка Гибсона». (Гибсон – художник, создавший этот образ – 1890 – 1910гг.).

Девушка изображена в строгой блузке и длинной расклешённой юбке, она не носит дорогие шляпки, на ней соломенное канотье. Образ девушки олицетворял собой активную женщину, занимавшуюся спортом, особенно любимым был для неё был велосипед. Катаясь на велосипеде, девушка надевает укороченную широкую юбку или шаровары, которые назывались «блумерсы». Популярность девушки Гибсона способствовала подражанию её костюмам и рекламе тканям и обуви. Именно в это время распространилась мода на костюм, комбинацию юбки с блузкой, или «тройки» – юбка, блузка и жакет или болеро, а также на спортивную одежду.

В первой половине 90-х годов начинают выходить пособия для самостоятельного пошива одежды со множеством технологических советов. Эти пособия современные мастера отмечают как высококлассные. В эти же годы некоторые предметы мужского гардероба постепенно входят в женский – например, жакеты с кроем мужского образца – фрачного типа с жилетом, пиджаки и куртки мужского типа для езды на велосипеде или для верховой езды.

Костюм амазонки включал в себя сорочку с высоким воротничком, пиджак мужского типа и даже цилиндр.

Для смягчения мужского образа женщины использовали меховые боа, муфты и пелерины. Пелерины шьют из тканей согласно сезону – шерсть, кружево, шёлк. Их носят с платьями, костюмами или пальто. Шляпки в начале 90-х были с маленькими полями, украшенные перьями или лентами, что зрительно возвышало фигуру.

Богатые женщины не стремились к сдержанности мужского образа, для них была более понятна роскошь тканей, обилие декора и украшений. Принцесса Александра, будущая королева Англии обожала драгоценности и при случае всегда демонстрировала их на себе. Это она ввела в моду, так называемый, «собачий ошейник», состоящий из жемчужных нитей, обмотанных в несколько рядов вокруг шеи и спускающийся на грудь двумя нитками. Так что до того, как засияла звезда Коко Шанель, в моде произошли большие изменения, которые положили начало открытиям и изобретениям знаменитой Мадемуазель.

Вряд ли у кого-то вызывает сейчас сомнение факт, что мода – это вид искусства. И совершенно закономерно, что фешн-индустрия развивается синхронно с другими его направлениями. Конец XIX-начало ХХ вв – эпоха кардинальных перемен во всех сферах жизни, и, разумеется, эти перемены нашли свое отражение и в одежде. Стиль модерн сменил эклектику и стал воплощением новых веяний и настроений. Он не был похож ни на один из стилей предшествующих периодов. Модерн – это совершенно новое слово в искусстве.

Сегодня сайт Стильная Штучка расскажет тебе о том, как проявился : каковы основные вехи его становления и какие наиболее яркие черты ему присущи.

История стиля модерн в одежде

Родина стиля модерн – Европа. Что касается моды, то одним из первых кутюрье, кто явил миру одежду в стиле модерн, был французский модельер Поль Пуарэ. Влияние модерна на творческое вдохновение этого дизайнера объяснялось его тесной дружбой с различными художниками. Их картины производили на Пуарэ столь сильное впечатление, что он не смог не выразить его в своих собственных работах.

Так, с легкой руки этого кутюрье появилось на свет направление в одежде, которое получило название art nouveau («арт нуво»). В его творчестве воплотилось стремление кардинально пересмотреть приемы работы дизайнера. Коллекции Пуарэ включают в себя и мотивы Востока, и отголоски древнейшей истории – и кимоно, и туники. Он сумел сочетать одновременно античность и экзотику.

Идеал, которому поклонялись модернисты – мать Природа . Дизайнеры стремились придать женскому силуэту сходство с бабочкой или цветком. Лилия, хризантема и орхидея – самые распространенные символы женской одежды эпохи модерна. Основной акцент платье в стиле модерн делало на талии. S-образный силуэт ему придавался за счет четкого разделения тела на 2 части: внимание к верхней привлекалось благодаря напуску на груди, а нижняя часть выделялась за счет разлетающейся юбки.

Однако перед началом Первой Мировой войны стиль модерн сделал уступку более комфортному и свободному платью, отказался от корсетов, и придал ему прямой крой, нежно облегающий женскую фигуру. Не последнюю роль в этом процессе сыграла Айседора Дункан – в 1903 г она впервые выступила в платье пеплос, свободном, без корсета, из легкой полупрозрачной ткани.

это не только силуэт платья . Здесь важны детали. Прежде всего декор. Платья украшались рисунками, аппликациями, вышивкой. Самая популярная тематика орнамента – цветы, листья, водоросли. Узоры наносили на платье ассиметрично.

Ткани, используемые для пошива платья в стиле модерн, украшались бисером и камнями. А завершали образ большие круглые шляпы и крупная бижутерия. Благодаря такому подходу к крою платья и аксессуарам женский силуэт превращался в набор геометрических фигур, что, собственно, и отражало основную концепцию творений художников-модернистов.

Немаловажную роль играла обувь. Она была замшевой, кожаной, шелковой, декорированной бантиками, пряжками. Одежду в стиле модерн носили абсолютно все слои населения, но именно обувь была показателем принадлежности к определенному социальному кругу.

Стиль модерн – современность

Экстравагантность стиля модерн и сегодня будоражит фантазию многих дизайнеров и имеет преданных поклонников в их числе. Сред них, например, можно отметить Прада, Кристиана Лакруа, Анну Суи, Александра Маккуина.

Для современного стиля модерн характерен отказ от правильных форм и четких линий. Его поклонники приветствуют естественность, выражающуюся в изогнутых, плавных контурах.

Для того чтобы тебе было понятно, что представляет собой стиль модерн в современной моде, предлагаем рассмотреть ее на примере крайне успешной коллекции осень – зима 2010—2011 г от Анны Суи . Классические белые блузки, маленькие кокетливые платьица, изящные юбки – вот главные модели этой коллекции. Американский дизайнер сделала упор на растительный орнамент в стиле «арт нуво». Цветовая гамма коллекции – яркая, контрастирующая с фоновым черным цветом.

Еще одним ярким представителем в числе почитателей стиля модерн является Александр Маккуин . Вернее, являлся — в 2010 году его жизнь трагически оборвалась, мир моды понес невосполнимую утрату. «Несносный британец», как называли его при жизни, обожал украшать свои модели яркими принтами, ассоциирующимися с кожей рептилий.

В целом, все его творчество пронизано мотивами стиля модерн.

Как известно, мода развивается циклично. Одежда в стиле модерн переживает сейчас, в начале XXI в, новое рождение. Сегодня ее можно смело назвать трендом большого города. В данном направлении есть все, чтобы создать яркий индивидуальный образ и выделиться из серой массы – и крой, и оригинальные цветовые решения, и разнообразные аксессуары. Этим и объясняется его востребованность.

Стильной быть легко! — Сайт для женщин Стильная Штучка

Art Nouveau — Catwalk Yourself

Ар-нуво — это международный стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, однако популярность этого стиля распространилась на другие части дизайна, включая мебель и моду. Доминирующее с 1890 по 1914 год название «ар-нуво» означает «новое искусство» по-французски и также известно как «молодежный стиль» по-немецки. Этот период был сформирован, чтобы представить новые волны развития общества в то время, особенно как ответ на промышленную революцию.Некоторые художники приветствовали этот технический прогресс и приняли новые материалы и методы; однако другие отвергли эти идеи и сосредоточились на эпохах изобразительного искусства девятнадцатого века и пошли против модерна и прогресса.

Ар-нуво на пике своего развития 100 лет назад было согласованной попыткой создать интернациональный декоративный стиль, который энергичные художники и дизайнеры стремились создать в соответствии с современными днями. Конец девятнадцатого и начало двадцатого века были временем, полным противоречий, когда старые обычаи и новые идеалы пытались сосуществовать друг с другом.Прошло совсем немного времени, прежде чем прошлые образы жизни и отношения были омрачены творчеством искусства в двадцатом веке, и модерн внес большой вклад в этот сдвиг. В мире моды корсеты постепенно выходили из моды и уступали место новому освобождению женщин и моды. Вскоре этот стиль был перенят в стиле ар-деко в 1920-х годах, однако он был возрожден в 1960-х годах, и с тех пор с ним экспериментировали в искусстве, моде и дизайне по всему миру.

Период модерна также повлиял на моду того времени, произведя революцию в обтягивающих корсетах эпохи Эдварда. Такие дизайнеры, как Поль Пуаре, создали новый, более мягкий женский силуэт.Новые изобретения, такие как застежка-молния и искусственный шелк, вошли в моду после промышленной революции. Пуаре также экспериментировал с мягкими тканями, такими как шармез, шифон и батист, которые были популярны для чайных платьев и вечерних платьев, и создавал модный силуэт с элементами комфорта. Модные дома, такие как Prada, экспериментировали со стилем ар-нуво, создавая плавные силуэты, вдохновленные взглядами 1960-х годов на ар-нуво.

Альберта Ферретти — SS13

Трудно определить первое произведение искусства, которое официально положило начало ар-нуво. Некоторые утверждают, что узорчатые плавные линии и цветочный фон на картинах Винсента Ван Гога и Поля Гогена олицетворяют рождение стиля модерн. Другие считают, что этот период зародился в результате зарождения Уильямом Моррисом движения Art’s and Craft. Однако стиль выражения стал широко популярным, и художники были привлечены к стилю модерн. Такие художники, как Густав Климт, Жисмонда, Уолтер Крейн, Чарльз Эшби и Луи Мажорель, помогают распространять ар-нуво в разных странах, и вскоре это движение было оценено по всему миру.

Вы можете помочь нам улучшить эту страницу? Отправьте нам свой отзыв на [email protected], мы обновим эту страницу и дадим вам надлежащую атрибуцию!

#MakewithEuropeana: мода и украшения в стиле модерн

В Europeana Labs мы постоянно стремимся вдохновить и побудить вас повторно использовать общее культурное наследие Европы в новых продуктах, бизнесе и дизайне.До конца 2017 года мы организуем три кампании, в ходе которых мы вручную выберем предметы культуры из нашего обширного онлайн-хранилища и разместим их в специальной серии блогов и в Твиттере. Первая кампания посвящена популярному стилю ар-нуво и продлится до конца мая. Все выбранные изделия подходят для повторного использования в коммерческих целях и, как мы полагаем, могут мотивировать производителей во всем мире к разработке уникальных концепций.

Изысканные органические линии, цветочные орнаменты и геометрические формы.Вы можете легко ощутить очарование и экстравагантность механизма Art Nouveau . Согласно философии этого жанра, красота должна окружать нас в самых неожиданных местах, а художественный дизайн может быть применен к повседневным предметам — например, мебели, декоративному искусству и посуде. Объединяя изобразительное и прикладное искусство, этот стиль служит большим вдохновением для мастеров, которые хотят переосмыслить эту радостную эпоху в своих художественных творениях.

На моду большое влияние оказывают политические, экономические и социальные факторы.Движение в стиле модерн существовало с 1880-х годов до Первой мировой войны, периода (по крайней мере, первоначально), отмеченного миром и процветанием. Богатство и доступность ресурсов сыграли решающую роль в разработке модной одежды и в том, как люди предпочитают украшать свое тело. Вы можете понять влияние ар-нуво на моду, проверяя многоразовые объекты на нашей специальной доске Pinterest.

Социальные и технологические изменения в Европе, вызванные индустриализацией, массовым производством и урбанизацией, оказали влияние на женскую моду, что привело к движению за реформу одежды.Женская одежда стала менее строгой, легче и удобнее носить — прямой результат растущей независимости женщин и изменения гендерных ролей. Например, одежда, представленная ниже, представляет собой модные переходы и то, что было в моде. Атлас — обычная ткань, используемая в моде того времени, — мягкая и изящная, а s-образный силуэт придает ей современную форму.

Toaleta večerní, 1913. Uměleckoprmyslové Museum V Praze. Отмечено как общественное достояние.

Внимание к деталям было очень важно для модных дам того времени. В обуви использованы мотивы ар-нуво, украшенные каблуками. Даже зонтики и зонтики заслуживают дополнительной детализации. Ниже представлен зонтик с плетеным орнаментом из цветов и бабочек, который иллюстрирует это стремление к деталям. Серебряный и бирюзовый крючок украшает конец деревянной палки этого зонтика.

Зонтик с плетеным орнаментом из цветов и бабочек, 1895 — 1905 гг. Рейксмузеум. Отмечено как общественное достояние.

Еще одним направлением моды в стиле модерн была одежда, вдохновленная древностью или японизмом, как показано ниже в этом экзотическом кимоно из вышитого шелка.

Кимоно, 1800-1899. Цифровой музей. Отмечено как общественное достояние.

Мотивы, вдохновленные природой, были типичными для этой современной эпохи. В модных аксессуарах часто использовались формы, напоминающие цветы, бутоны и крылья насекомых. Темная окраска и геометрические формы сопровождали эти природные темы. Возьмите сумочку ниже как пример работы, вдохновленной природой, и использования темных цветов.

Kabelka, 1912. Uměleckoprmyslové Museum V Praze.Отмечено как общественное достояние.

Для завершения образа в стиле модерн необходимы украшения. Великолепное мастерство в сочетании с инновационными материалами и новыми технологиями задают тон ювелирному делу. Рене Лалик (1860-1945) был французским дизайнером стекла, работы которого были довольно популярны в то время. Его считали новатором в сочетании стекла и эмали с золотом, опалами, бриллиантами, жемчугом или аметистами. Потрясающая брошь ниже создана Lalique. В нем сочетаются золото, литографический камень и жемчуг с эмалью.

Broche in de vorm van een narrenkop, 1897–1899 гг. Рене Лалик. Рейксмузеум. Отмечено как общественное достояние.

Другой известный художник того времени, Густав Гаудернак, , был норвежским ювелиром. Он был известен своей работой plique á jour — техникой эмалирования стекловидного тела. Посмотрите коллекцию набросков Гаудернака на этой доске Pinterest.

Рисунок Густава Годернака, 1911-1914 гг. Цифровой музей, общественное достояние.

Мы надеемся, что формы, мотивы и цвета этого непреходящего художественного влияния вдохновят создателей!

Покажите нам, что вы делаете

Мы представим лучшие образцы производителей, использующих контент Europeana в стиле модерн в Europeana Labs. Поделитесь с нами своей историей и своим творением! Напишите нам по электронной почте или в Твиттере, используя @EuropeanaLabs и хэштеги #MakeWithEuropeana и #EuropeanaInspires . Будьте в курсе будущих возможностей, подписавшись на информационный бюллетень Europeana Labs.

Дизайн в стиле модерн 101: все, что вам нужно знать

Скорее всего, вы восхищались дизайном в стиле модерн, даже не подозревая об этом. Ар-нуво по-французски означает «новое искусство». «Тотальный стиль искусства» Дизайн в стиле модерн повлиял на другие мощные движения, такие как ар-деко. Этот международный стиль искусства, чрезвычайно популярный в конце 19-го, 90-го, 90-го, 90-го, начале 20-го, 90-го, 90-го века, был отрицанием академического искусства или академизма, которые процветали непосредственно перед ним.Что отличает его от других, так это его стремление использовать в своем дизайне естественные линии, структуры и формы, особенно изогнутые линии, которые вы видите на цветах и ​​растениях. Еще одно определяющее качество ар-нуво — его вездесущность во всем, что можно назвать дизайном. Это включает в себя интерьер и графический дизайн, но также и такие, казалось бы, несвязанные вещи, как работы по металлу. Вы можете быть удивлены, узнав, что движение, которое имело такое большое влияние, на самом деле длилось очень короткое время в том, что касается движений.С момента своего появления в последнем десятилетии 19, 90–100-го века, этот стиль просуществовал еще около десяти лет до 1910 года, а затем быстро вышел из моды. Тем не менее, это далеко не просто вспышка на сковороде, потому что его наследие во многих отношениях живет сегодня. Вот пошаговое руководство по всему, что вам нужно знать о дизайне в стиле модерн.

История модерна

Этот стиль дизайна зародился в Британии, благодаря цветочным узорам Уильяма Морриса, а также движению искусств и ремесел, основанному его учениками.Моррис был дизайнером по текстилю, и его идеи в области дизайна и искусства, в свою очередь, повлияли на более позднюю эстетику декоративно-прикладного искусства, в которой использовались традиционные и простые формы, которые затрагивали средневековье, романтику и фольклор. Одним из первых произведений этого стиля был Красный дом Морриса 1859 года. Движение ар-нуво также черпало вдохновение у художников-прерафаэлитов, таких как Эдвард Бёрн-Джонс и Данте Габриэль Россетти. Идеология прерафаэлитов была связана с реформированием мира искусства путем отказа от так называемого механистического стиля, принятого маньеризмом.Маньеризм поддерживал асимметричные, а иногда и неэлегантные композиции, приукрашивая такие дизайнерские качества, как баланс, идеальная красота и пропорции. К 1870-м годам во Франции эти новые художественные идеи получили распространение, особенно в архитектуре. В частности, историк архитектуры и теоретик Эжен Виолле-ле-Дюк и его основополагающая книга « Entretiens sur l’architecture » сформировали новое поколение выдающихся дизайнеров и архитекторов, таких как Виктор Орта и Луи Салливан. Философия Виолле-ле-Дюк была основана на отказе от того, что было раньше в дизайне, а именно:
  • Использование только тех знаний, которые были доступны в данный момент
  • Отказ от традиций, которые больше не актуальны или жизнеспособны
  • Понимание взаимосвязи между функцией и материалом
  • Рассмотрение каждого материала в контексте его формы и орнамента
Что касается живописи, то изобразительное искусство все больше интегрируется с декором.Это было достигнуто благодаря философии, согласно которой картины должны украшать, прежде чем выполнять что-либо еще. Выдающиеся французские художники того времени, которые верили в этот вдохновленный модерном взгляд на живопись, считали, что выбор сцены или предметов гораздо менее важен, чем фактическое решение о ценности цветовых тонов, гармонии линий и цветных поверхностей. Морис Дени, Эдуард Вюйар и Пьер Боннар являются примерами первопроходцев в этом отношении. Здесь все становится по-настоящему интересным.Если вы следили за нашим описанием стилей дизайна, таких как Bauhaus Design и Swiss Design, то знаете, что дизайнерские движения всегда заимствуются из других стилей. Другими словами, ни один стиль не бывает чистым на 100%. Возможно, ничто не иллюстрирует это лучше, чем тот факт, что японизм, изучение и оценка японского искусства, а также художественный талант, оказали еще одно большое влияние на стиль модерн. Тогдашняя одержимость Европы японизмом, который сам по себе был новым стилем в конце 19-го, 90-х, 90-х годов, -го века, была сосредоточена вокруг импорта японской гравюры на дереве (начиная с 1870-х годов) от таких знаменитых художников, как Кацусика Хокусай, Утагава Хиросигэ и Утагава Кунисада.Если вы внимательно посмотрите на различные работы в стиле модерн, вы увидите сильно стилизованные черты этих японских гравюр:
  • Графический дизайн и искусство
  • Фарфор
  • Мебель
  • Ювелирные изделия
Достижения в области печати и публикации помогли новому художественному стилю распространиться по всему миру. Например, художественные журналы с изображениями и цветными литографиями сыграли важную роль в продвижении нового стиля во всем мире. Влиятельные журналы, такие как английский The Studio , немецкий Jugend и французский Arts et idèes и Art et decoration , способствовали распространению стиля модерн повсюду в Европе.К концу 19, и века этот новый художественный стиль оказал такое влияние, что он регулярно появлялся на плакатах известных артистов того времени, таких как актриса Сара Бернар и танцовщица Лои Фуллер.

Черты дизайна в стиле модерн

Каждое дизайнерское движение, оставившее свой след в истории, всегда обладало отличительными качествами, которые отличали его от любого другого стиля. Это новое направление в искусстве ничем не отличалось. Он известен своим стремлением смотреть в будущее, что было отличительным признаком стиля дизайна того времени.Вместо того, чтобы брать реплики из дизайнерских движений, которые приходили и уходили, он смело прокладывал свой собственный путь, черпая вдохновение в элементах, которые были легко доступны повсюду, например, в мире природы. Вы знаете, что, вероятно, восхищаетесь чем-то в этом дизайнерском движении, если видите в работе множество линий. Стиль модерн известен тем, что в его дизайне используются четкие линии, начиная от:
  • Пышные, извилистые и длинные, более роскошные линии
  • Более консервативные, прямые линии
  • Хлыстовая линия (характерная кривая, используемая многими дизайнерами и художниками в стиле модерн)
  • Линии вертикальной высоты
Линии — не единственные элементы стиля, которые привлекают внимание наблюдателей.Постоянной темой в этом новом искусстве также является акцент на растениях и цветах, особенно на стилизованном разнообразии. Здесь вы увидите все, от стилизованных листьев, веточек и корней до стилизованных растений, бутонов и цветов. Это потому, что без какой-либо предварительной эстетики дизайна, которая могла бы повлиять на движение, дизайнеры в стиле модерн могли свободно смотреть на свое окружение и использовать их как муз. Эта черта делает модерн чем-то похожим на скандинавский дизайн, который появился только через 50 лет, в середине 90–100-х годов века, из-за его восхищения природой. Третья большая тема стиля — акцент на женских формах. Когда вы видите девушек и женщин в дизайне в стиле модерн, вы обычно видите, что они изображены более традиционно с длинными распущенными локонами в том, что считается прерафаэлитским взглядом на женские формы и позы. Завершают черты стиля различные дизайнерские элементы и украшения, которые вы видите в мебели и внутреннем декоре, такие как включение экзотических древесных материалов, полудрагоценных камней, серебра, переливающегося стекла и маркетри (инкрустация, обычно изготавливаемая из маленьких кусочков). из разноцветного дерева или других материалов, используемых в основном в отделке мебели).Чтобы более детально рассмотреть черты дизайна в стиле ар-нуво, взгляните на некоторые из самых выдающихся цифровых активов в стиле ар-нуво на нашем рынке:

Архитектура

Как и в случае со многими школами дизайна, в архитектуре модерн повлиял бунт. Был более эклектичный подход к дизайну, который преобладал в Европе во второй половине 19, 90-100-х годов века, но он был отброшен в сторону приверженностью модерна:
  • Несбалансированные или асимметричные фасады
  • Применение полихромной керамической плитки для украшения
  • Изогнутый орнамент, содержащий формы цветов, животных или растений
  • Украшение, предполагающее движение, без различия между орнаментом и зданием
И параболы, и гиперболы во всем, от окон и дверей до арок, также часто встречаются в зданиях в стиле модерн, поскольку они являются орнаментом. Некоторые известные архитектурные произведения в этом стиле включают:
  • Гостиница Кисточка
  • Замок Беранже
  • Отель Solvay
Архитектура того времени сильно выиграла от влияния ар-нуво. Это видно не лучше, чем его опора на тогда еще новые строительные технологии конца 19, -х, -го века. Например, многие строения в стиле модерн с гордостью демонстрировали открытое железо и огромные асимметричные куски стекла. В результате было создано много привлекательных зданий, но из-за сильно стилизованного характера этих конструкций было довольно дорого строить конструкции в этом новом художественном стиле.Интересно, что именно эта высокая стоимость проектирования и строительства помогла сделать ар-нуво недолговечным в архитектуре, поскольку к началу Первой мировой войны (1914 г.) более обтекаемая эстетика модернистских структур, которые были намного дешевле в производстве, стала более популярным. В конце концов, этот более простой промышленный дизайн превратился в ар-деко.

Графический дизайн

Что действительно помогло этому новому поколению искусства процветать в свое время, так это множество новых технологий печати. В частности, цветная литография впервые в истории позволила массовое производство ярких плакатов.Цветная литография — это тип процесса печати, при котором плоская поверхность специально обрабатывается, чтобы отталкивать чернила, за исключением тех случаев, когда это необходимо для печати. Естественно, это сделало искусство доступным для масс, поскольку оно больше не ограничивалось элитарными центрами культуры, такими как художественные галереи, салоны и музеи. Он распространился до такой степени, что его можно было легко разместить на стенах, на иллюстрациях и в печатных журналах, где средний человек мог им насладиться. В соответствии с одним из основных стилей ар-нуво, женщины были огромной темой на этих внезапно популярных, массовых плакатах, особенно женщины, представляющие гламур и красоту, часто окруженные цветами.Ближе к концу 19-го, 90-го, 90-го, 90-го века графические дизайнеры в стиле модерн приобрели известность. В Англии среди них известен Обри Бердсли, который создал гравированные книжные иллюстрации, а затем прославился, создав иллюстрацию к трагедии Оскара Уайльда 1893 года, Саломея . Во Франции Эжен Грассе, франко-швейцарский художник-декоратор и дизайнер, был пионером в создании французских постеров нового искусства. Он участвовал в оформлении знаменитого парижского кабаре Le Chat Noir в 1885 году; затем он продолжил производство хорошо принятых плакатов Сары Бернар в 1890-х годах, а также различных книжных иллюстраций.Чешский художник Альфонс Муха создал знаменитый плакат 1895 года с изображением Бернхардта для ее пьесы « Gismonda» . Его успех привел к его помолвке, где он будет создавать плакаты для ее следующих шести пьес, а также проекты по производству украшений, костюмов и декораций для актрисы. В Австрии также быстро развивался графический дизайн. Прежде всего, венский дизайнер Коломан Мозер добился большого успеха, создав рисунки и различные обложки для журнала нового движения искусства в городе, Ver Sacrum . Он также внес множество дизайнов мебели, декораций и картин в этом стиле.

Искусство из стекла

Стеклянное искусство — это аккуратная среда, в которой отдельные произведения искусства частично или полностью создаются из стекла. Дизайн в стиле модерн быстро превратился в искусство стекла из-за ряда экспериментов, которые проводились, особенно со стороны французских дизайнеров и художников. Они искали уникальные способы продемонстрировать непрозрачность и прозрачность. Кислотная гравировка и двойные слои были лишь парочкой новых техник, используемых для открытия новых способов художественного самовыражения.Французский город Нанси стал особенно важным центром этого дизайна и экспериментов. Студия Daum, возглавляемая французским керамистом Огюстом Даумом, объединилась со многими выдающимися дизайнерами того времени, такими как Амальрик Вальтер, французский мастер по стеклу. В студии они открыли новую технику инкрустации стекла путем вдавливания фрагментов разноцветного стекла внутрь незавершенного изделия. По всей Нэнси стиль красивых витражей с цветочными мотивами стал популярным в салонах.Проникновение стиля модерн в искусство стекла также очень известным образом распространилось через Атлантику в Америку. Художник и дизайнер Луи Комфорт Тиффани и его команда вскоре стали известны своими лампами Tiffany, в которых использовались стеклянные плафоны с детализированными цветочными мотивами, сложными воедино. Его лампы стали хитом после Всемирной Колумбийской ярмарки 1893 года; к 1900 году его лампы стали импортироваться в Германию и Францию.

Картины

В стиле ар-нуво появилось много запоминающихся картин известных художников, хотя было некоторое совпадение с другими дизайнерскими движениями, такими как символизм, популярный в то время в Австрии и Франции.В Париже проводились различные выставки с участием художников-новичков, таких как Морис Дени, Феликс Валлотон и Пьер Боннар. Зигрид Бинг, торговец произведениями искусства, который был важным игроком в распространении ар-нуво, управлял художественной галереей под названием Maison de L’Art Nouveau , в которой были представлены картины многих известных деятелей движения, таких как Поль Синьяк, Жорж Сёра и Густав Климт. . Он открылся в Париже и получил значительную известность после Всемирной выставки 1900 года.Продолжая тему женского изображения в стиле модерн, картины в этом стиле также изображали женщин в очень стилизованной манере. Лой Фуллер, американская танцовщица, была популярным предметом для художников этого жанра.

Ювелирные изделия

Озабоченность стиля модерн цветочными и женскими темами сделала его распространение в ювелирных изделиях несложным. Таким образом, женское лицо и тело нашли свое отражение в украшениях в стиле модерн, особенно на камее. Такие камеи представляли собой длинные ожерелья из стерлингового серебра или жемчуга, оканчивающиеся стеклянными бусинами или подвесками.Бриллианты всегда занимали высокое положение в ювелирных украшениях на протяжении нескольких веков, а оправы часто создавались для демонстрации бриллиантов. Когда это новое искусство вторглось в ювелирную промышленность, бриллианты были понижены до уровня простых игроков, которые часто помогали демонстрировать другие камни, такие как аквамарин, лунный камень, гранатовый опал и агат. В этот период многие известные французские ювелиры стали известными благодаря своей ориентации на ар-нуво, такие как Жюль Брато, Луи Осок и Рене Лалик. Британский Арчибальд Нокс был самым известным ювелиром в стиле модерн к северу от Франции; его серебряные пряжки на поясе пользовались большим спросом.Английский дизайнер C.R. Ashbee производил подвески в форме павлинов, а шотландский дизайнер и архитектор Чарльз Ренни Макинтош использовал кельтские символы в качестве вдохновения для создания ювелирных украшений, которые он создавал. В США самым известным вкладом в создание украшений в стиле модерн стали лампы Тиффани.

Дизайн интерьера

Стремясь не оставить равнодушным ни одну область дизайна, этот новый стиль искусства также оказал большое влияние на дизайн интерьера. Вот как спроектировать свой дом, если вы хотите украсить его в стиле ар-нуво:
  • Полы — Убедитесь, что полы паркетные, окрашены и покрыты лаком.
  • Камин — Ваш камин должен иметь чугунную вытяжку с изогнутым, элегантным изображением цветов, поднимающихся с обеих сторон. Хотя оригинальную вещь в стиле модерн можно получить на свалке, нужно быть осторожным, чтобы вас не обманули. Ищите камин, дизайн которого естественным образом поднимается вверх, чтобы идентифицировать оригинальное изделие в стиле модерн.
  • Цвета — Цвета более консервативны и приглушены, популярны такие оттенки, как коричневый, горчичный, оливково-зеленый и шалфейный.Они должны сочетаться с такими оттенками, как синий, фиолетовый и сиреневый.
  • Обои — Стилизованные цветочные узоры, которые являются символом этого художественного стиля, широко используются в его обоях.
  • Освещение — Само собой разумеется, что лампа Tiffany — лучший способ осветить ваш интерьер в стиле модерн. Рог изобилия из фаврильного стекла вместе с металлическими и бронзовыми вставками — это зрелище. Оригинальный будет стоить и руку, и ногу, так что купите себе более дешевую имитацию (только для того, чтобы пригвоздить внешний вид в помещении).
  • Плитка — Их можно использовать в панелях. Белую плитку следует смешивать с плиткой с рисунком, чтобы создать приятный визуальный эффект.
  • Орнаменты — Стекло, олово и серебро покрывают ряд самых популярных материалов для украшений в стиле модерн. Подумайте о чем угодно, от рам и шкатулок для драгоценностей до часов.
  • Витражи — Сделайте свой дом поразительным в стиле модерн, вставив витражи в двери, шкафы, зеркала и другую мебель.
Даже всего один или два из этих дизайнерских штрихов в вашем доме могут иметь большое значение в преобразовании вашего интерьера, чтобы он напоминал что-то из рубежа 19, 90, 100, века!

Ценит великолепие дизайна в стиле модерн

Для стиля дизайна, который просуществовал относительно недолго, это новое искусство рубежа веков оказало мощное влияние, которое длится до сих пор. Будь то графический дизайн, архитектура, живопись или даже ювелирные изделия, ар-нуво коснулся множества дизайнерских и художественных форм, что является свидетельством его творчества и блеска. К сожалению, к началу Первой мировой войны в 1914 году этот дизайн уже почти не пользовался популярностью. Однако сегодня дизайнеры, художники и творческие люди всех форм и размеров по-прежнему восхищаются и черпают вдохновение в этом бесстрашном стиле, в котором используется окружающий мир природы, отвергая при этом всевозможные традиции.
Товаров показано в этом сообщении:

Приступая к работе с надписью от руки?

Рабочие листы для бесплатных надписей

Загрузите эти рабочие листы и начните практиковаться с простых инструкций и упражнений по трассировке.

Скачать сейчас!

Марк — копирайтер и маркетолог, управляющий маркетинговым агентством The Glorious Company. Эксперт в области бизнеса и маркетинга, он помогает предприятиям и компаниям любого размера получить максимальную отдачу от своих рекламных денег.

Посмотреть больше постов

Ар-нуво — история и наследие

До модернизма, который мы знаем сегодня, был другой стиль, имевший аналогичные намерения, но идеологически он был на слишком много шагов впереди своего времени. Модерн , который является лишь одним из возможных способов назвать это движение, был максимально приближен к идее модерна 1880-х годов. Тем не менее, требуется некоторая история, чтобы назвать стиль в честь общего прилагательного, такого как «современный», поэтому этот новый стиль, который ознаменовал начало 19-го века, в конечном итоге был назван «новым искусством», поскольку он действительно был чем-то по-настоящему новым. в это время. Хотя термин «модерн» (после статьи в бельгийском журнале L’Art Moderne) стал наиболее обычным способом обозначения этого стиля, в разных странах он назывался по-разному: Jugendstil в Германии, Венский сецессион в Австрии, Arte nuova или Stile Liberty в Италии и Art belle époque во Франции.

Прошлый век породил много плодотворных движений, но мы можем с уверенностью сказать, что модерн открыл новую главу в искусстве (ему предшествовало, возможно, только движение искусств и ремесел и Уильяма Морриса ). Основная идея заключалась в том, чтобы снова объединить искусство и ремесла, что привело к функционализму , как решающему шагу в развитии искусства и всех его производных, особенно архитектуры и дизайна . Соответственно, художники в стиле модерн понимали концепцию объединения всех искусств и полезную природу такой концепции, которая превратила модерн в общий стиль , охватывающий все медиа и жанры.

Единственное, что заставит вас усомниться в современности модерна, это тот факт, что его художники искали эстетическое вдохновение и руководство в природе , а не в механизмах и абстрактных формах. Возможно, это просто связано с преждевременным появлением этого движения, поскольку последнее, следовательно, появилось позже, в других движениях и стилях. В остальном модерн стал синонимом прогресса , и хотя его часто рассматривают просто как переходный период между традиционным искусством и модернизмом, на самом деле это был единственный стиль, в который было заложено зерно модерна. Наконец, хотя ар-нуво не «пережил» Первую мировую войну, о которой, как вы найдете, часто упоминается в Интернете, он действительно пережил своих потомков, некоторые из которых довольно очевидны (например, ар-деко), или некоторые из них. под прикрытием (например, Баухаус).


Йозеф Мария Ольбрих — Дом сецессиона, выставочный зал в Вене, 1897-1898 гг.

Красота архитектуры модерн

Стиль модерн появился в разных странах примерно в одно время, поэтому вы найдете его представителей в Европе и за ее пределами.Как и в случае с архитектурой, довольно легко распознать здание, находящееся под влиянием природы, принадлежащее к эклектическому стилю ар-нуво, в любой точке Западной Европы и США. Архитектура в стиле модерн. был великолепным воспроизведением органических форм, но также и стилем, поддерживающим научные достижения. Вдохновленные криволинейной геометрией, его архитекторы изучали геометрию как таковую, следовательно, улучшили архитектуру как дисциплину . Его можно было бы назвать как угодно, но только не общим, из-за множества разнообразных форм, которые можно найти в природе. Однако, несмотря на всю ослепляющую красоту, ар-нуво по своей сути был интернациональным стилем. На самом деле это означает, что даже несмотря на то, что корпус здания был декоративным, декорированным способом, который можно было бы назвать «классически красивым», сам стиль был универсальным, принятым множеством архитекторов из разных частей мира. это именно то, чего пытался достичь модернизм.


Отто Вагнер — Майоликахаус (Linke Wienzeile 40) и Linke Wienzeile 38, Вена, Австрия, 1898-1899 гг.

Красивая архитектура

С менее профессиональной точки зрения не все будут ассоциировать модернистские здания с красотой. Тем не менее, обсуждение красоты — это то, чего ученые (особенно архитекторы) обычно предпочитают избегать, поскольку то, как мы обращаемся к красоте, может быть неверно истолковано или неправильно понято. С другой стороны, в стиле модерн нет никаких сомнений. Это просто один из тех видов красоты, которые выходят за рамки взгляда смотрящего, даже за пределы области эстетики (возможно, именно потому, что это также хорошо укоренилось в теории). Это то, что можно небрежно назвать красивой архитектурой , будь то архитектор или полный дилетант — только заклятый модернист не признает этого; но опять же, это то, что вы можете проанализировать и признать весь потенциал и намерения, стоящие за проектом. Природа не только считалась источником вдохновения, она была диктатором принципов, фоном, который помог создать новую природу . Он проявляется в наиболее очевидных формах, которые помогают нам распознать цветы и листья в стиле модерн на фасадах, а также в методологии, используемой архитекторами в стиле модерн.Природа определила новый архитектурный язык, точно так же, как абстрактные формы определили язык современной архитектуры.


Антонио Гауди — Саграда Фамилия, потолок

Понимание архитектуры в стиле модерн через работы Гауди

Одним из архитекторов, обычно связанных с движением, является Антонио Гауди , и эта связь вполне оправдана. Однако знаменитый каталонский архитектор никогда не был любителем этикеток, так как он постоянно искал и производил новые вещи, создавая совершенно уникальный собственный словарный запас.Он был очень вдохновлен вышеупомянутым Уильямом Моррисом, а также другим выдающимся писателем Уильям Раскин . Что касается визуальных ссылок, Гауди интересовался восточным искусством и готическим возрождением XIX века, хотя этот стиль он считал «неполным». Комментарий о готической архитектуре может быть замечательной ссылкой на Sagrada Familia , так и не завершенный шедевр собора Гауди в Барселоне, который обладает неотразимой готической элегантностью. Однако, несмотря на то, что его проекты превышают «универсальность» проектов в стиле модерн, можно взять любое из его зданий в качестве образца, на котором соблюдаются принципы, используемые архитекторами в стиле модерн.Природа дала ему подсказки, а затем он придумывал свои собственные загадки. В своих проектах Гауди ссылался на деревья, листья и даже человеческий скелет, но эта ссылка была основана не только на имитации пластика; это скорее вход для линейчатых геометрических форм, характерных для прогрессивных работ Гауди . Принимая во внимание время, в которое жил Гауди, вы можете представить, как его проекты были практически , заставляя технологии продвигаться вперед , что, вероятно, является одной из самых важных ролей архитектора.


Луи Салливан — Гарантийное здание, Буффало, Нью-Йорк, 1896 г.

Самые представительные архитекторы в стиле модерн

Одним из наиболее упоминаемых героев международного стиля «нового искусства» является Отто Вагнер , чья работа связана с термином «Сецессион» (из-за его австро-венгерского происхождения). Вагнер является автором знаменитой синагоги на Румбах-стрит в Будапеште, венской церкви Святого Леопольда и, пожалуй, самого интересного, расположенного в Вене Дома Майолики, фасад которого был сделан из керамической плитки.Затем с другой точки зрения вам следует взглянуть на работы американского архитектора Луи Салливана , которого многие считали отцом модернизма. В основном это произошло из-за его огромного вклада в дизайн современного небоскреба , которым он хорошо известен сегодня. И вы, возможно, догадались, что большинство его работ — это небоскребы, которые вы с трудом отличите от некоторых постмодернистских небоскребов в Соединенных Штатах (возьмем, например, здание Guaranty в Буффало, Нью-Йорк).В конечном счете, тот, кто был назван ключевым европейским архитектором модерна , — это бельгиец Victor Horta . Его дизайн отеля Tassel в Брюсселе часто упоминается как первое здание, в котором стиль модерн перешел от декоративного искусства к архитектуре, а его собственный дом является свидетельством его времени и блестящих новаторских дизайнерских идей.


Victor Horta — Отель Tassel

Живопись в стиле модерн

Восстание, трансформация и еще раз восстание, Модерн , Новое искусство , отошли от традиционных форм искусства 19-го века и опирались на естественный мир , его дух, о котором думали интуитивно течь через душу.Идеализированный сюжет исторической и пейзажной живописи, промышленное массовое производство и преобладающее художественное образование были оставлены позади картин в стиле модерн и представителями новой школы искусства, которая призывала к единству всех искусств, утверждая, что против разделения между изобразительным искусством живописи и скульптуры и движением так называемого малого искусства в области декоративно-прикладного искусства. Благодаря такому подходу был сформирован синтез искусства и ремесла, создав духовно возвышающий Gesamtkunstwerk , позволяющий художникам в стиле модерн использовать широкий выбор средств массовой информации.Если раньше о художнике думали как о человеке, рисующем картины или создающем скульптуру, то теперь он мог разрабатывать обои, делать керамику или иллюстрировать книги. Как вы понимаете, это открыло множество различных дисциплин, но мы должны помнить, что во время этого высокодекоративного движения искусство живописи пережило год.


Эгон Шиле — Лежащая женщина в зеленых чулках

Картина Густава Климта в стиле модерн

Плоскостность и декоративность , созданная за счет использования линий и «хлыстовых» кривых , полученных в результате ботанических исследований и иллюстраций глубоководных организмов, создала очень декоративную поверхность узоров в стиле модерн.Это казалось шагом вперед от искусства символизма, наследие которого все еще сохранялось во время движения. Никогда не сплоченная группа художников, продвигающих новую школу, собиралась в разных городах и под разными именами в разных местах Европы. Но никакая другая группа художников не сделала больше для популяризации и распространения стиля модерн, чем Венский сецессионист , и, возможно, самым продуктивным и влиятельным ее членом был художник Густав Климт.

«Кто хочет что-то узнать обо мне — как о художнике, которое само по себе значимо, — он должен внимательно посмотреть на мои картины и там попытаться узнать, кто я есть и чего хочу.«Густав Климт

.

Именно Густав Климт фактически является представителем живописного стиля модерн. Сосредоточившись на слиянии картин с символикой и вышеупомянутой декоративной поверхности , Климт обрадовался и рано отказался от реализма. Сочетая украшения и плоское качество 2D, исследуя орнаментальные возможности живописи, в своих работах Климт отразил любовь того периода к величию и изысканности. Его собственная любовь к величественному видна в том, что он использовал , золотой лист , напоминая византийские мозаики для создания его окрашенной поверхности, которая в конечном итоге является очень декоративной.Его любовь к орнаменту и вера в равенство изящного и декоративного искусства привели к созданию произведений, которые можно рассматривать как смесь разработанного рисунка и реализма, основанного на силе символизма. Этот образец — нечто среднее между реальным и абстрактным — важное наследие работы Климта и важная особенность картин в стиле модерн.


Слева : Густав Климт — Поцелуй / Справа : Густав Климт — Адель Блох Бауэр I. Изображения с Викимедиа.орг

Разнообразие живописи в стиле модерн

Применение плоского качества стиля модерн к станковой живописи на самом деле является сложной задачей, и мы должны понимать, что, хотя искусство живописи сохранилось, оно приняло различных форм и, возможно, шаг назад к декоративным предметам, графическим и печатным работам , плакату и книжным иллюстрациям . Густав Климт, известный своими станковыми картинами, изображающими как аллегорических тем , так и более традиционную форму портретного искусства , также создал настенных росписей и мозаичное искусство .Помимо этих образцов картин в стиле модерн, важными для этого периода являются многочисленные витражи , созданные еще одним влиятельным художником того времени, Луи Комфорт Тиффани . Наследие самых новаторских английских дизайнеров , прерафаэлитов , Уильяма Морриса и Эдварда Бёрна-Джонса , чьи работы возвещают создание механизма, было применено с использованием новой техники, которая заменила метод медной фольги как альтернатива свинцу, снова возня кружащиеся мотивы, изогнутая линия, сильно стилизованные изображения человеческой фигуры, на этот раз нанесенные на другую поверхность, стекло, демонстрируя взаимную любовь к узорам, простоте и сложным орнаментам как стилю живопись этого периода. Объединенные не только наследием движения декоративно-прикладного искусства, многие картины этого периода, как на мольберте, стенах зданий, так и на стекле, демонстрируют влияние японского искусства , в частности гравюра на дереве .


Луи Комфорт Тиффани — Образование, Мемориал Читтенден, деталь. Изображение взято с wikiwand.com

Новая женщина в стиле модерн и эротика

Как важный предмет в истории искусства, мы знаем, что человеческая форма, в частности, женского тела очаровывала художников с незапамятных времен.В этот период очень 9 027 эротизированных изображений красивой женской формы и эротический характер многих работ в стиле модерн являются одной из самых распространенных черт стиля живописи. Стремясь раздвинуть границы, и Густав Климт, и Эгон Шиле (), , создали картины и рисунки, в основе которых лежал эротизм. Хотя Климт никогда не сталкивался с юридическими проблемами со своим эротическим искусством, его ученик Шиле в 1912 году конфисковал сотни его эротических рисунков на том основании, что они были порнографическими. Смелые новые женщины в стиле модерн. были чувственными, изящными и нежными, а также очень сексуальной современной женщиной того времени. Используемое в качестве рекламного элемента еще одним известным художником того времени Альфонсом Муха , удлиненное изображение известных актрис и фантастических женщин украшало театральные афиши и различные иллюстрации.

Стилизованное изображение человеческой формы, декоративная и плоская поверхность, наряду с игрой между реальным и абстрактным, являются наиболее важными чертами, которые до сих пор остаются наследием этого короткого направления в искусстве.Соединив изобразительное искусство с движением искусства и ремесел, картины в стиле модерн соединили наследие символизма с новым пониманием поверхности картины. Мир природы, ее цветов и некоторых загадочных существ помогли сформировать эту эпоху, которой мы обязаны будущим развитием периода ар-деко года года, новыми и экспериментальными идеями в области графического искусства и дизайна плакатов. Картины в стиле модерн и сегодня являются одними из самых вдохновляющих образов в истории искусства.


Альфонс Муха — Серия «Драгоценные камни», 1900 г.

Самые уважаемые художники в стиле модерн, которых нужно помнить

Для художников в стиле модерн модернизация дизайна на рубеже нового века означала уход от традиционных, эклектичных исторических стилей, которые слишком долго господствовали в этой области творчества. Стремясь вернуть хорошее мастерство, предложенное движением декоративно-прикладного искусства, и в то же время используя пышные орнаменты, подобные тем, что можно увидеть на японских гравюрах на дереве, они черпали вдохновение в органических и геометрических формах повсюду.Такие практики, как дизайн мебели, изготовление стекла, ювелирное дело, книжный дизайн и изготовление чугуна, нашли свое место среди уже известных художественных средств массовой информации, таких как живопись, скульптура и керамика. Хотя ар-нуво просуществовал относительно недолго — примерно пятнадцать лет, он объединил художников из разных стран и слоев общества, таким образом сформировав уникальное движение, основанное на групповых достижениях, а не на отдельных лицах. Спустя сто лет их влияние и стиль сильны и широко ценятся.


Слева: Портрет Альфонса Мухи / Справа: Альфонс Муха — Издательство принтеров для шампанского, 1897 г.

Альфонс Муха

Альфонс Муха был чешским живописцем и художником-декоратором, чье художественное творчество обычно бледно-пастельно состоит из множества картин, иллюстраций, рекламы, открыток и украшений, ковров, театральных сидений и обоев. Его карьера началась в 1894 году, когда он вызвался создать литографированный рекламный плакат к пьесе с участием легендарной парижской актрисы Сары Бернар.Сотрудничество между ними продолжается, и Альфонс Муха оказался одним из самых знаковых художников в стиле модерн и выдающейся фигурой в истории чешского искусства, известным своими красивыми, чувственными молодыми женщинами в неоклассической одежде, часто окруженными обилием цветов. и дизайнерские выкройки. Его уникальному стилю было уделено много внимания на всемирной выставке в Париже в 1900 году.


Слева: Анри де Тулуз-Лотрек — Мулен Руж Ла Гулю, 1891/ Справа: Портрет Анри де Тулуз-Лотрека

Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек, пристальный наблюдатель социальной культуры, лишенной гламура, принадлежал как к постимпрессионизму, так и к модерну, работая в последнем прекрасным иллюстратором и литографом.Его изображения богемного образа жизни в Париже в конце 19-го века до сих пор являются одними из самых замечательных произведений искусства, когда-либо созданных, почти так же знаменитых, как его отношения с кабаре Мулен Руж, несмотря на его физические недостатки и тот факт, что на него часто смотрели свысока и его работа. Для Мулен Руж Анри де Тулуз-Лотрек создал серию плакатов и даже показал свои работы на стенах. Среди них были портреты певицы Иветт Гилберт и танцовщиц Ла Гулю и Джейн Аврил, а также декорации из других клубов кабаре и борделей, в которых он был частым гостем.


Слева: Обри Бердсли — Награда танцоров, Саломе — трагедия в одном действии / Справа: Портрет Обри Бердсли

Обри Бердсли

Его безвременная смерть в возрасте всего 25 лет помешала его таланту развиваться, и она была многообещающей. Обри Бердсли был английским иллюстратором и автором, наиболее известным своим вкладом в эстетическое движение и, конечно же, своими иллюстрациями и дизайном, которые считаются ар-нуво.Однако его рисунки тушью были совсем не красочными: используя только черно-белое изображение, Обри Бердслей создавал резко контрастирующие, гротескные, эротические, даже декадентские образы под влиянием работ Анри де Тулуз-Лотрека и, что более очевидно, японского укиё. е. К тому же карикатурист, он часто создавал политические карикатуры, отражающие взгляды литературных произведений коллеги-художника Оскара Уайльда, и был соучредителем журнала «Желтая книга» вместе с американским писателем Генри Харландом, редактором которого он был. подготовил дизайн обложек и иллюстрации.


Слева: Луи Комфорт Тиффани портрет / Справа: Луи Комфорт Тиффани — лампа Глицинии, ок. 1902 г.

Луи Комфорт Тиффани

Выдающееся мастерство Луи Комфорт Тиффани, продолжавшееся около пятидесяти лет, идеально соответствовало эстетике и видению художников в стиле модерн. Но он не был художником, скульптором или просто одним из дизайнеров — он был культовым мастером декоративного искусства, наиболее известным своими работами с витражами. Луи Комфорт Тиффани, часто вдохновляемый иностранными культурами и природными элементами, создавал огромное количество разнообразных предметов, таких как керамика, мозаика, изделия из металла, эмали и украшения, одновременно создавая окна, интерьеры, лампы, очки и многое другое.Его творения теперь можно найти в Соединенных Штатах и ​​за их пределами, например, в доме Марка Твена в Коннектикуте, во многих церковных окнах и в самом Белом доме, а точнее в его восточной комнате, синей комнате, красной комнате, государственной столовой и у входа. Зал. Его дополнения были удалены в 1902 году.


Слева: Автопортрет Эжена Грассе / Справа: Эжен Самуэль Грассе — Плакат выставки французского декоративного искусства в галереях Графтон, 1893 г.

Эжен Грассе

Считающийся одним из пионеров движения, Эжен Грассе действительно был одним из самых разносторонних художников. Под влиянием поездок в Египет и особой близости к японской эстетике, его искусство варьировалось от живописи и скульптуры во время его пребывания в Лозанне до мебели, тканей и дизайна гобеленов после переезда в Париж в 1871 году. Оттуда его искусство превратилось в его орнаментальное искусство. теперь изделия изготавливались из драгоценных материалов, таких как слоновая кость и золото. Но, пожалуй, больше всего известен Эжен Грассе плакатами, которые также принесли ему известность в Соединенных Штатах; там он создавал обложки для таких журналов, как Harper’s и Century.Во Франции его литография с изображением Сары Бернар стала частью Les Maîtres de l’Affiche, набора из 256 цветных литографических пластин, которые использовались для создания публикации во время Прекрасной эпохи.


Слева: Портрет Франтишка Билека / Справа: Франтишек Билек — Христос

Франтишек Билек

Скульптор и архитектор, Франтишек Билек был чешским художником-провидцем, чьи творения часто называют мистическими, религиозными и таинственными. Частично страдая дальтонизмом, он отказался от своей страсти к живописи и вместо этого сосредоточился на скульптуре, изображая библейские пейзажи и истории из жизни Иисуса Христа, хотя, конечно, не следуя неоромантическим идеалам. Работая в основном с деревом, Франтишек Билек создавал скульптуры из тополя, дуба и липы, а также из бронзы и керамики, часто с выразительными, интригующими, отчаянными фигурами. Художник иногда сочетал восточный стиль с христианством, обращая внимание на чувство вины и надежды, которое подчеркивалось вызывающими воспоминаниями движущимися жестами.Многие из его работ можно найти на вилле, которую он построил для себя в Градчанах, которая сейчас служит его музеем.


Слева: Коломан Мозер — Афиша пяти художественной выставки ассоциации австрийских художников Сецессиона, 1899/ Справа: Портрет Коломана Мозера

Коломан Мозер

Принадлежащий Венскому Сецессиону, Коломан Мозер также был соучредителем Wiener Werkstätte, мастерских, объединявших художников, архитекторов и дизайнеров в период с 1903 по 1932 год. Он также является выдающимся представителем практически всех областей и средств массовой информации в Австрии в период модерна, который, конечно же, включает архитектуру, мебель, графический дизайн, гобелены, ювелирные изделия, почтовые марки, эстамп, керамику, витражи и даже моду. Чистый стиль Koloman Moser можно отличить четкими линиями и повторяющимися мотивами классического римского и греческого искусства и архитектуры, как ответ на декаданс венского барокко. Сегодня его сильное влияние можно увидеть в работах Шепарда Фейри, в частности, в его расширенной версии обложки журнала Ver Sacrum 1901 года, сделанной Мозером.


Слева: Ян Тороп / Справа: Ян Тороп — Delftsche Slaolie

Ян Тороп

Символист, пуантилист и художник в стиле модерн, голландско-индонезийский художник Ян Тороп создал произведения искусства, которые должны были служить декоративным целям, без какого-либо очевидного символического значения. Уже в своих картинах периода символизма он посвятил себя уникальным яванским мотивам, сопровождаемым сильно стилизованными гибкими фигурами и криволинейным орнаментом.Помимо портретов, которые варьируются от эскизов до картин, Ян Тороп также создавал книжные иллюстрации, плакаты и витражи в рамках движения Nieuwe Kunst. В Нидерландах он больше всего известен своим рекламным плакатом для салата Delft oil, который также повлиял на голландский стиль ар-нуво, получивший название «slaoliestijl» — «стиль салатного масла». Таким образом, его постоянно развивающийся стиль стал основным источником вдохновения для Густава Климта.


Плакаты в стиле модерн — история красивой рекламы

Помимо архитектуры и изобразительного искусства, такого как живопись, любое серьезное обсуждение этого важного стилистического направления должно учитывать плакатов в стиле модерн и огромное влияние, которое они оказали на мир графического дизайна.Сделав искусство повседневным для людей, плакат стал средством, с помощью которого стиль модерн достиг массовой аудитории и получил широкую популярность. Недавний прогресс в технологиях печати, таких как многоцветная литография , которая позволила расширить диапазон тонов и упростить крупномасштабное производство, привело к так называемому увлечению плакатами в конце 1880-х и 90-х годах. В качестве доминирующей формы массовой коммуникации плакат, или так называемое «уличное искусство», широко использовался для рекламы товаров и развлечений и стимулировал новые высоты художественного самовыражения.

Ар-нуво, во многом основанный на форме, линиях и цвете, оказался идеальным дизайном плаката в то время. Это было первое крупное стилистическое движение, в развитии которого серийно выпускаемых графических изображений сыграли ключевую роль. Ключевое влияние на популяризацию нового художественного стиля среди жителей Парижа оказал плакат, созданный художником из Кека Альфонсом Мухой по пьесе Викториана Сарду « Жисмонда » в 1894 году. Этот плакат, олицетворяющий стиль ар-нуво, был чисто чисто художественным. декоративное изображение женской красоты, считается шедевром модерна.С различными влияниями, включая прерафаэлитов, движение искусств и ремесел и византийское искусство, этот экстравагантный, цветущий, богато украшенный стиль с изогнутыми линиями вскоре распространился на остальную часть Европы и США из-за бума плакатов. Под влиянием французских мастеров, таких как Муха, Жюль Шере, Жоржа де Фер, Эжена Грассе или Альберта Гийома, художников, таких как Анри Прива-Ливмонт в Бельгии, Генри ван де Вельде в Голландии, Адольфо Хоэнштейна и Леопольдо Метликовица в Италии, или движений, подобных когда начал появляться Венский Сецессион.Ар-нуво доминировал в парижской плакатной сцене и процветал по всей Европе вплоть до Первой мировой войны. Он начал терять свою жизнеспособность в году во Франции после того, как Муха и Шерат посвятили себя живописи, а художники повсюду начали отказываться от ар-нуво в пользу ар-деко. Сегодня плакаты в стиле ар-нуво привлекают многих коллекционеров произведений искусства, поскольку являются важной записью художественных идей до Первой мировой войны. Итак, давайте взглянем на самых известных плакатов в стиле модерн !


Альфонс Муха — Четыре сезона, 1896 год, изображение принадлежит Обществу защиты прав художников-усадеб Альфонса Мухи

Альфонс Муха — Жисмонда, 1894

Альфонс Муха , художник из Чехии и один из ведущих деятелей стиля модерн, полностью изменил искусство плаката.Плакат к пьесе Викториана Сарду « Gismonda » с изображением Сары Бернар «» — одно из его самых знаменитых произведений, сделавших его знаменитым в одночасье. Зайдя в парижскую типографию незадолго до Рождества 1894 года и узнав, что новый спектакль, открывающийся в Новый год с Сарой Бернар в главной роли, нуждается в новом рекламном плакате, он согласился создать его всего за четырнадцать дней . Он изобразил Сару Бернар в образе экзотической византийской дворянки в великолепном костюме и головном уборе из орхидеи из последнего акта пьесы с богатым разнообразием цветов и декоративных деталей. Красивый и революционный дизайн Мухи принес ему эксклюзивный 6-летний контракт со знаменитой актрисой.


Альфонс Муха — Сара Бернар в роли Жисмонды, 1894 — Театральный плакат

Уолтер Крейн — Champagne Hau & Co. Реймс, 1894 год

Английский художник и иллюстратор книг Уолтер Крейн считается самым влиятельным и одним из самых плодовитых создателей детских книг своего поколения. Кроме того, Крейн разработал ткань и обои в стиле ар-нуво, которые стали всемирно популярными и внесли значительный вклад в движение плаката в Англии как один из его пионеров.Обладая невероятной универсальностью в декоративном оформлении, плакаты Крейна всегда отличались тонким вкусом. Выпущенный в 1894 году цветной литографический плакат Крейна был разработан для рекламы Hau Champagne . На плакате изображена аллегорическая женская фигура, обвитая виноградными лозами, несущая кувшин на плече и держащая протянутую чашу.


Уолтер Крейн — Champagne Hau & Co. Реймс, 1894 г.

Эжен Грассе — Энкр Л. Марке, 1892

Франко-швейцарский художник-декоратор Эжен Грассе считается пионером стиля модерн.Первоначально появившись в мире графического дизайна в 1877 году с открытками и почтовыми марками, Грассе вскоре начал создавать коммерческие произведения искусства в виде плаката , плаката , который стал его сильной стороной. В 1890 году он даже представил шрифт Grasset Italic , который впоследствии использовался в большинстве его плакатов. Его плакат для Encre L. Marquet ink , созданный в 1892 году, визуально передает внутреннюю суматоху писательского тупика. На плакате изображена дама с огненными волосами и лавровым венком, опирающаяся на арфу — классический символ созерцания — которая скоро заполнит ее страницы благодаря Л.Маркетные туши.


Эжен Грассе — Энкр Л. Марке, 1892

Анри Приват-Ливмонт — Абсент Робет, 1896

Бельгийский художник Анри Прива-Ливемонт — один из лучших мастеров постмуховского модерна. Созданный в 1896 году, в период пика популярности абсента, плакат Privat-Livemont для Absinthe Robette , торговой марки Distillerie Petitjean & Cie, основанной в Монсе в Бельгии, является одним из самых узнаваемых образов, связанных с этим духом и модерном в мире. Общее.Изображая девушку в классическом стиле в прозрачном платье, держащую стакан абсента, словно подаренного богами, на заднем фоне плаката преобладает узнаваемый зеленый цвет напитка. Этот вневременной шедевр с тех пор привлек множество коллекционеров и вдохновил множество художников.


Анри Прива-Ливмонт — Абсент Робетт, 1896 г.

Альфонс Муха — Работа Сигаретная бумага, 1898

Еще одна работа известного художника Альфонса Мухи , плакат для газет Job Cigarette , возможно, один из самых известных его рекламных плакатов.Этот плакат, изображающий выдающуюся женскую фигуру на фоне монограмм Иова, установил культовое изображение «женщины Мухи» с завитками пышных волос. Изображая женщину с зажженной сигаретой в руке и поднимающийся дым, образующий вокруг нее арабеску, название бренда, написанное мозаикой, — , частично затемненное и повторяется на заднем плане в искусном логотипе. Этот плакат, использующий волосы и дым для раскрытия радикально новых декоративных форм, является прекрасным примером использования реалистичных элементов в качестве декоративных элементов, типичных для стиля модерн.


Альфонс Муха — Работа Сигаретной бумаги, 1898 г.

Элизабет Сонрель — Роджер и Галле

Элизабет Сонрель была французской художницей и иллюстратором, работавшей в основном в стиле модерн. В ее творчестве были аллегорические сюжеты, мистика и символизм, портреты и пейзажи. В ранние годы она также создала множество плакатов, открыток и иллюстраций, на которых в основном изображали красивых женщин с пышными волосами, изображенных в типичном декоративном стиле ар-нуво.Один из самых известных ее плакатов — это плакат Roger et Gallet , французской парфюмерной фирмы, специализирующейся на туалетном мыле и парфюмерии. Плакат изображает женщину, окруженную цветами и держащую букет фиалок, отсылая к недавно синтезированному аромату фиалки , который фирма представила к концу 19 века.


Элизабет Сонрель — Роджерт и Галле

Наследие модерна — образцы, узоры и цветы

Механизм ар-нуво в чистом виде и наиболее успешен, когда применяется к цели , отличной от станковой живописи .Как следует из приведенных выше текстов, механизм и его элегантность очень хорошо подходят для графической репродукции и других форм искусства, таких как декоративные витражи и архитектуры . В дизайне плакатов того периода использовались плоские области цвета, важный элемент литографической техники, для создания некоторых из самых сложных примеров современного дизайна, который сегодня сохраняется в стилях и эстетическом качестве многочисленных художников-графиков и иллюстраторов.Но если бы я спросил вас, что первое, что приходит на ум, когда думаешь о наследии модерна, я уверен, что большинство из вас подумает о щедром дизайне с органическими узорами , цветов и различные предметы домашнего обихода декорированы с использованием органических форм и линии .


Слева : Уильям Моррис — Печатный текстильный дизайн. Изображение с www. diptyqueparis-memento.com / Справа : Альфонс Муха — Иллюстрация из Ле Патера.Изображение взято с wikipedia.org

Узор в стиле модерн

Как важный предшественник движения, мы много раз упоминали в этой статье Движение искусств и ремесел , и мы должны понимать, что дизайн узоров и подход к искусству , который мы узнали как модерн, на самом деле уходят корнями в в понимании разных дизайнеров и художников, которые пришли раньше. Узоры известного английского дизайнера Уильяма Морриса и его понимание роли художника сильно повлияли на художников и дизайнеров движения модерн.Сосредоточившись на возрождении прикладного искусства, Моррис также оказал влияние на преобразование узоров. До Морриса ткань дизайна имела трехмерный и иллюзионный характер. Часто большие капустные розы рисовались с некоторой перспективой и затенением, что, как правило, было суетливым. Моррис сделал сглаженным дизайном , , устранив любые попытки реалистично изобразить цветы или птиц .

Акцент был переключен с предмета на цвет и линию большой сложности и богатства.Плоская поверхность, как мы поняли из предыдущей главы, посвященной живописи в стиле модерн, была важным элементом стиля движения. Высоко абстрактное качество узоров в картинах Густава Климта играло на грани абстракции и реализма. Построенный на слиянии естественных форм и резких граней геометрических форм, узор в стиле модерн обычно создается из стилизованных изображений цветов , изогнутых линий и спиралей и довольно приглушенных и мрачных цветов .Горчичный, шалфейный, оливково-зеленый, коричневый, сиреневый, фиолетовый, пурпурный и синий павлин — это цвета, которые мы называем цветами ар-нуво. Эти узоры часто использовались для различных декоративных целей, помогая подчеркнуть идею о том, что искусство является неотъемлемой и важной частью создания качественного жилья .


Густав Климт — Древо жизни. Изображение с artivity.gr

Цветы модерна

Торговая марка узор линий и цветочный фон , найденный на картинах Винсента Ван Гога и Поля Гогена , наряду с японскими гравюрами на дереве послужили источником вдохновения для понимания линии и цвета, а также для стилизованный подход в изображении природных форм и форм художниками и дизайнерами нового направления в искусстве.Рассматривая орнамент как структурный символ и важную часть возрастающей силы природы, художники создали сложные узоры с использованием ритмической абстракции и стилизованных изображений природы . Цветы, корни, бутоны, стручки и элементы, включая тюльпаны, подсолнухи, в сочетании с линиями и простыми плоскостями, вместе с павлиньими перьями стали воплощением стиля модерн. Двумерные произведения искусства, построенные с использованием цветочных мотивов и экстравагантных, плавных и изогнутых линий, были нарисованы и напечатаны в популярных формах, таких как реклама, этикетки и журналы, а также в большом количестве предметов домашнего обихода, таких как чашки, тарелки и блюдца, а также предметы мебели были украшены орнаментом, построенным из тех же элементов.

Альфонс Муха — Пионы. Изображение с wikipedia.org

Наследие в стиле модерн

Хотя движение быстро упало , после 1910 года оно уже исчезло, его значение в прикладном искусстве, графическом дизайне и архитектуре остается огромным. Он по-прежнему имеет большое влияние на иллюстраторов, и современных художников, и мы даже можем сказать, что его стилистические качества увидели возрождение в росте постмодернизма. Ни один другой период в истории искусства не оказал такого влияния на развитие графических работ, и использование повторяющихся узоров, больших цветовых блоков и щедрого орнамента очень живо сегодня.Помимо этих элементов, которые описывают эстетическое качество ар-нуво, возможно, наиболее важным элементом является переопределение роли художника и акцент на возрождении прикладного искусства. Это позволило художнику мыслить нестандартно, за рамками станковой живописи и скульптуры, разветвляясь на разные области. Эстетикой многих украшений, мебели и предметов интерьера, которыми мы располагаем сегодня, мы обязаны художникам-экспериментаторам и дизайнерам прошлого.

Авторы Натали П, Энджи Кордич, Силка П и Елена Мартиника.


Избранные изображения: Альфонс Муха — Мечтательность; Гимар — Парижский метрополитен; Густав Климт — Поцелуй; Антони Гауди — Casa Mila; Сецессион павильон в Вене; Антони Гауди — Фортепиано Нобиле Дома Бальо; Альфонс Муха — утро, день, вечер, ночь. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Модерн — TV Tropes

Выглядит достаточно хорошо, чтобы поесть.

Новый стиль декоративного искусства, который преобладал в Fin de siècle (Гей-90-е и эдвардианская эпоха), стиль ар-нуво состоит из асимметричных и плавных движений, а также натуралистических цветов и тем.Его стиль применялся во всех сферах, особенно в зданиях, ремеслах, картинах, литографических плакатах и ​​мебели.

На это движение повлияли рисунки с изображением растений, работы Альфонса Мухи, картины прерафаэлитов, восточные ароматы, а также неоклассические, романтические, постимпрессионистские и экспрессионистские движения. Этот стиль распространился по всей Европе, где его стиль получил название на многих языках, обычно называемых «новым», «современным» или «молодым» искусством. В Германии и Северной Европе это называлось «югендстиль» (молодежный стиль) или «сецессия».В Каталонии его называли «модернизмом», и он неразрывно связан со странно-скелетной, но восхитительной архитектурой Антонио Гауди. В Италии он назывался stile Liberty в честь британского универмага Liberty в Лондоне, который, по-видимому, поставлял много ярких тканей, которые итальянские художники, работающие в этом стиле, любили использовать.

Каким бы ни было его название, ар-нуво потерял популярность во время или до Первой мировой войны. Пышный, богато украшенный стиль почему-то казался неправильным после стольких смертей, разрушений и растущего беспокойства эпохи машин.Однако это повлияло на ар-деко и другие модернистские движения. Однако с появлением Solarpunk в нем начинается возрождение.

Этот стиль преобладает в большей части стимпанка 1890-х годов. Обратите внимание, что направления в искусстве до 1890 года варьируются от романтизма до импрессионизма.


Примеры:

открыть / закрыть все папки

Аниме и манга

Комиксы

  • Эротический графический роман Алана Мура « Lost Girls » выполнен в этом стиле, подходящем для его эпохи (1913–14).

Фильмы — Анимация

  • My Little Pony: Девочки из Эквестрии : Внутреннее убранство средней школы Кантерлота, кажется, находится под сильным влиянием этого стиля с множеством кривых и линий, напоминающих жизнь растений.

Фильмы — Живое действие

Литература

  • Некоторая архитектура, описанная в Grinlandia серии , имеет сходство с этим.
  • Иллюстрации Джона Р. Нилла к серии книг «Страна Оз» были созданы под влиянием этого стиля.

Телевидение в прямом эфире

  • Многие модели ранних серий Mr Selfridge представляют собой классический стиль модерн. Это имеет смысл, учитывая, что Selfridge’s был основан в эдвардианскую эпоху и отличался ультрасовременной модой, которая в то время была модерном.
  • Стиль ар-нуво время от времени появляется в серии 1 из Аббатство Даунтон . Хотя авангард редко достигает сельской местности Йоркшира, мы видим проблески в стилях женской одежды и в нескольких журналах.(Действие последующих серий происходит во время Первой мировой войны или в 1920-х годах, поэтому новые стили склоняются к ар-деко.)
  • Родная планета Нисы Тракен в классике [1].

Музыка

  • Вообще говоря, этот стиль вернулся в психоделическую контркультуру 60-х. Например, получившая Грэмми обложка для The Beatles Revolver во многом вдохновлена ​​работами Обри Бизли, который, в свою очередь, изначально оказал влияние на движение ар-нуво.Это видео Vox более подробно рассматривает эту тему.
  • Передняя обложка альбома Донована «Sunshine Superman» — почти дань уважения этому стилю; волнистые стилизованные шрифты, приглушенная пастельная цветовая гамма, обилие декоративных изгибов — все это есть! Единственный не-модерн элемент цвета — Лицо Донована на обложке.
  • «Классическая» эра софт-рока Fleetwood Mac охватила период возрождения эстетики модерна с середины до конца 1970-х годов. Это особенно ярко проявилось в обложках их двух популярных альбомов, одноименного «White Album» (1975) и Rumors (1977), которые содержат иллюстрированные обложки, шрифты в стиле ар-нуво и людей в ( богема) Одежда в стиле модерн.

Видеоигры

  • The Last Express полностью выполнен в этом стиле.
  • У профессора Лейтона есть намёки на это, несмотря на то, что временной период неоднозначен (но идеально подходит для разговоров в современном мире 60-х годов), есть много мест в игре, нацеленных на более мрачный стиль искусства до Первой мировой войны.
  • Дизайн Чудо-Сити и Чудо-Башни в Batman: Arkham City .
  • Большая часть визуального дизайна Abyss Odyssey , в первую очередь портреты персонажей.
  • Transistor разворачивается не только в футуристическом мире в стиле модерн, в котором немножко Трона сочетается с огромным количеством работ Густава Климта, но и главный герой, Рэд, кажется отсылкой к «Красной Хильде». светловолосая модель, которая служила музой для многих картин Климта.
  • Храм на берегу озера в году The Legend of Zelda: Twilight Princess черпает вдохновение из каталонского модернизма, особенно из знаменитой техники Гауди trencadis .Это заметно один из самых красивых храмов в игре.

Визуальные новеллы

  • Sweet Enchantments демонстрирует немало влияния модерна в дизайне одноименного кафе и униформе его сотрудников. Архитектура и декор включают в себя множество природных мотивов и плавных линий с несколькими резкими углами, как если бы здание выросло на месте, а не было создано руками человека.

Веб-комиксы

  • A Сомнительное содержание произведение искусства, выставленное на продажу на авторском Topatoco, — дань уважения произведению Мухи «4 сезона» с Ханнелорой, Фэй, Мэриголд и Дорой.

Реальная жизнь

  • Плакаты Альфонса Мухи являются кодификатором тропов этого стиля. Обычный объект Мухи — привлекательная женщина, одетая или частично одетая в струящиеся одежды, часто иллюстрирующая теорию щекотания Тайсса, но никогда не полностью обнаженная, часто обрамленная «ореолом» или декоративной рамкой, задумчиво смотрящая на зрителя или задумчиво смотрящую в пространство — стал второстепенным визуальным образом сам по себе, часто являясь предметом стилизации или ласковой пародии, как здесь, здесь, здесь или здесь.
  • Внутренний дизайн RMS Titanic был наполнен этим — люстра в зале ожидания первого класса является большим и ярким примером.
  • Большинство построек в Риге , Латвия.
  • Школа Нанси во Франции.
  • Большой номер домов в центре Праги.
  • Большинство въездов на территорию Парижской метрополии до Второй мировой войны.
  • Старые (до Первой мировой войны) станции Венской метро.Их спроектировали архитекторы «Сецессион».
  • Majolica House в Вене.
  • Барселона — одна из столиц модерна (там ее называют модернизмом), особенно если учесть, что там находится большая часть работ Антонио Гауди.
    • Незавершенная базилика Саграда Фамилия может быть одним из самых ярких примеров.
  • Шрифт Арнольда Бёклина.
  • Стиль модерн не получил особенно широкого распространения в Норвегии, но когда центр города Олесунн сгорел в 1904 году, он был перестроен в стиле Jugendstil (на огромные деньги, пожертвованные из Германии), и это очень важно. продается туристам сегодня как «город в стиле модерн».

Движение в стиле модерн

Альфонс Муха сыграл значительную роль в подъеме стиля модерн, который распространился по всему миру, и в какой-то момент он был известен просто как

стиль Мухи , таково было его доминирование в этом движении.

Будучи декоративным иллюстратором, это направление в искусстве использовало многие другие среды, такие как архитектура и некоторые ремесла. Вершина этой группы творческих единомышленников пришлась на период с 1890 по 1910 год. Характерный стиль модерна включал в себя извилистые линии и сочетание человека и природы. Были распространены узорчатые фоны с изображением цветочных композиций. Наследие этого движения заключается в том, что оно считается фактором, способствующим продвижению модернистских стилей 20-го века. Это был не единственный способствующий фактор, но, безусловно, один из наиболее значительных. Широта жанров, на которую повлияло это движение, позволила более богатым членам общества оформить весь свой дом вокруг этого стиля.

Ювелирные изделия, мебель и дизайн интерьера могли привлечь внимание таких людей, как Муха. Движение ар-нуво было инициировано несколькими независимыми очагами активности по всей Европе. Существовали каталоги и журналы, а также регулярные художественные ярмарки, и все они воплощали художественный подход, который в конечном итоге был назван ар-нуво. Разные места на континенте дали бы этой группе свои имена, но, по сути, все они относились к одному и тому же.

Jugendstil на немецком языке, Stile Liberty на итальянском, Modernisme на каталонском — вот лишь некоторые из примеров этого. Он также распространился далеко за пределы только картин и иллюстраций Альфонса Мухи, охватывая другие дисциплины, такие как мебель, украшения, архитектура, дизайн интерьера и сада, а также большое количество стеклянной посуды. Кроме того, в Австрии ей называлось Secessionsstil. В этом регионе можно найти много представителей стиля модерн.На парижскую версию, как и следовало ожидать, повлияли многие другие художественные направления, найденные здесь. Французская столица известна тем, что является плавильным котлом всевозможных контрастных творческих идей. Есть много направлений в искусстве, которые дополняют или пересекают родственные группы художников — ар-нуво тоже.

Символизм, искусство и ремесла, прерафаэлиты и периоды ар-деко тесно связаны здесь, и несколько ключевых художников с конца 19 века до начала 20 века могут быть отнесены к нескольким из этих стилей.Обри Бердсли, Альфонс Муха, Эдвард Бёрн-Джонс и Густав Климт — некоторые из известных имен, которые полностью соответствуют характеристикам, присущим группе ар-нуво. Это был гибкий зонтик идей по всей Европе, допускавший некоторые вариации от художника к художнику. Модернизм Антонио Гауди, пожалуй, один из самых известных вкладов в это направление в искусстве. Он создал экстерьеры с органической тематикой для ряда зданий в Барселоне, которые должны были быть внесены в список ЮНЕСКО как объекты культурного значения. Затем этот любопытный художник вовлекался в большинство аспектов содержания своих зданий, производя мебель и работая с командой помощников над дизайном интерьера каждой комнаты.

В иллюстративной работе Обри Бердсли он будет сравнительно близок к таковому у Мухи, хотя его стиль был полностью оригинальным и уникальным. Его также иногда считают частью движения эстетизма, возникшего незадолго до модерна.Также было влияние продукции Morris & Co, которая разработала узнаваемый художественный стиль и использовала его как рыночный бренд. Сам Моррис применил свои цветочные узоры к различным материалам, таким как обои и вышивка. Некоторые из его коллег занимались живописью, рисунком и даже витражами. Группа страстно верила в использование традиционных методов, а не в массовом производстве, и поощряла других делать то же самое, чтобы гарантировать высочайшие стандарты качества.

Японское искусство послужило источником вдохновения для многих из этих западных художественных течений, с альтернативными идеями кадрирования и компоновки композиции, которые на самом деле имели больше общего с современной фотографией. Узорчатые композиции из растений и цветов, а также некоторые методы, используемые в процессе печати, были захватывающими инновациями, которые европейцы хотели бы объединить в свои существующие методы. Анри де Тулуз-Лотрек создал бесчисленное количество рекламных плакатов для французского театра, которые сразу же свяжут его с жизнью Мухи в Париже.Их заказы в этом отношении были бы одинаковыми, но стили, которые они использовали, чтобы привлечь интерес местных жителей к последнему шоу, были очень разными. Лотрек предпочитал гораздо меньше деталей, часто создавая фигуры в виде силуэтов. Он по-прежнему тесно связан с движением модерн. Чарльз Ренни Макинтош был известным шотландским дизайнером, оставившим наибольшее влияние на стиль ар-нуво в этом регионе Великобритании. На самом деле многое можно получить и сегодня, в том числе несколько больших серий мебели, которые он спроектировал.Он также был уважаемым архитектором.

Мы все знаем об участии Сары Бернар в карьере Мухи и о тесных профессиональных отношениях, которые они установили. Она также обратилась за помощью к другим творческим умам, чтобы завершить заказные изделия или украшения и одежду, которые снова были бы в стиле этого «нового искусства». На самом деле, иногда эти художники объединяли бы усилия, если бы их навыки лежали в разных дисциплинах.Есть браслет и кольцо, которые выставлены сегодня и были сделаны специально для Сары Бернхардт Жоржем Фуке после того, как она подписала дизайн Альфонса Мухи примерно в 1901 году. Жизнь в Париже будет важным фактором в карьере. многих художников того времени, многие из которых переехали сюда из-за пределов Франции, услышав о прогрессивной культуре, которую можно найти здесь.

Когда мы рассматриваем все эти различные очаги творчества на европейском континенте, мы с уверенностью можем утверждать, что модерн был поистине общеевропейским движением, хотя в некоторых регионах ему давали разные названия.Между этими подмножествами был также высокий уровень влияния: шотландский дизайнер МакКинтош, как полагают, оказал большое влияние на различных членов движения Сецессионштиль в Австрии. История искусства состоит из этих цепочек влияния, которые берут старое и добавляют новое, одно столетие за другим.

В чем разница между ар-деко и модерном?

Быстрый трюк: Все сводится к «цветочному» vs.»обтекаемый». Модерн — декоративный. Ар-деко изящнее.

The Explanation: И модерн, и арт-деко возникли как реакция на основные мировые события; Промышленная революция и Первая мировая война соответственно. Хотя оба они сочетают в себе элементы модернизма, их легко отличить, если вы знаете, что искать.

Ар-нуво (что означает «новое искусство», но вы, наверное, догадались) царил примерно с 1880 года до незадолго до Первой мировой войны. Ар-нуво охватывало новую индустриальную эстетику Европы, а не бросало ей вызов.Он имеет натуралистические, но стилизованные формы, часто сочетающиеся с более геометрическими формами, особенно дугами, параболами и полукругами (подумайте о картинах Густава Климта или арках Эйфелевой башни). Движение принесло естественные формы, на которые часто не обращали внимания, такие как насекомые, сорняки и даже мифические феи, о чем свидетельствуют украшения Lalique или лампы Тиффани. Черно-золотой халат, который Кейт Уинслет снимает в сцене сеанса эротического портрета в фильме «Титаник» , является типично ар-нуво.

Ар-деко, с другой стороны, возник после Первой мировой войны. Фактически, лишения времен Великой войны уступили место совершенно новому богатству и экстравагантности, которые определили эпоху джаза и эстетику ар-деко. Движение получило свое название от Международной выставки декоративного искусства и современной промышленности 1925 года, которая проходила во Франции. Этот стиль преобладал с 1920-х годов до начала Второй мировой войны и характеризуется обтекаемыми геометрическими формами. В нем также использовались современные материалы, такие как хром, нержавеющая сталь и инкрустация из дерева.Если в стиле ар-деко использовались натуральные материалы, они, как правило, были графическими или текстурными, такими как кожа зебры или зазубренные листья папоротника. В результате Deco приобрел смелые формы, такие как солнечные лучи, зигзаги и широкие кривые. На самом деле, если вы посмотрите на шпиль Крайслер-билдинг, отели на Саут-Бич в Майами или на «нос гроба» 1935 года Cord Model 810, вы увидите само определение Deco.

Конечно, вам не обязательно выходить на улицу, если вы ищете Deco. Мебель того периода — черная кожа и хромированный шезлонг от Ле Корбюзье или кресло Barcelona от гиганта Баухауса Людвига Мис ван дер Роэ — по-прежнему ценится поклонниками дизайна, и ее можно найти в вестибюлях более изысканных отелей повсюду.

Этот пост был взят из книги Mental Floss 2006 года В чем разница? , и был обновлен в 2019 году.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.