Картины в комнату своими руками: картины для интерьера своими руками на фото

модное решение в дизайне вашего интерьера — INMYROOM

Всегда хочется, чтобы гостиная, спальня, детская играли новыми красками. Модульные картины внесут изюминку в интерьер дома. Творческие личности могут самостоятельно создать шедевр, который сделает уютной самую аскетичную обстановку.

Сегодня такое решение интерьера – один из популярных трендов. Хотя отличия от классических картин практически нет, разница в способе представления задумки. Изображение делят на несколько частей, дополняющих друг друга. Их размещение зависит от фантазии мастера.

Немного истории

Модульные картины пришли в современную жизнь с алтарей и стен религиозных сооружений. В древнем мире они являлись типичной формой убранства церквей. Это проявлялось и у северных, и у южных народов. Древние кельты, византийцы, римляне украшали ими свои постройки.

Историки датируют возникновение подобных изображений IX столетием нашей эры. Первая официально подтвержденная модульная картина хранится в городе Гданьске, где расположен Национальный музей Польши.

Создана она в 1470 году и называется «Страшный суд».

Военно-исторические музеи демонстрируют всевозможные панорамы событий, любую часть которых можно рассматривать как отдельное произведение искусства. В современном мире существует другая интерпретация таких изображений, далекая от военных или религиозных воззрений. Сегодня это замечательное украшение помещения, которое приносит в дом уют и неповторимый дизайн.

Какие бывают

Сегодня модульные картины создают дизайнеры. Чтобы изготовить сегментированное изображение, необязательно быть профессиональным художником. Основной принцип – разделение абстракции или тематического рисунка на несколько частей. От их количества зависит название:

• диптих – 2 части;
  
• триптих – 3;
  
• пентаптих – 4;
  
• полиптих – 5 и больше.
  

У каждой из частей отсутствуют рамы. Создается композиция, выглядящая целостно и одновременно с эффектом разделения. Модули могут располагаться в произвольном порядке, вытягивая сюжет вверх или по горизонтали, между ними может различаться расстояние.

Для придания картине объема размещение модулей производится на разной высоте.

Можно использовать различные картины в интерьере, фото некоторых из них представлены ниже.

Чтобы добиться максимального эффекта, не стоит делать части слишком маленькими, оптимальный размер одной из сторон лучше выбирать не меньше 25 см. Само же изображение может занимать даже всю стену, все зависит от размеров помещения и выделяемого места.

Профессионалы картинами визуально изменяют пространство, растягивая комнату и поднимая потолки. Задают интерьеру присущее ему настроение.

Где лучше разместить

Декоративные изображения встречаются в любом помещении. В домашнем обиходе они прочно заняли свое место в гостиной.

Но если задуматься, то выясняется, что основным местом пребывания является кухня. Здесь принимается пища, устраиваются всевозможные посиделки. Часто ее используют как место уединения. Модульные картины в интерьере кухни создадут тот самый уют, которого не добиться никакими техническими новинками. Их выполняют в нейтральном цвете, способствующем расслаблению. Натюрморты или пейзажи создадут атмосферу небольшого кафе, где так приятно расслабиться за чашечкой кофе.

Независимо от места расположения сегментных картин важно их содержание, которое должно гармонировать с убранством помещения и стилем хозяев дома.

Изображение может быть любое: от космического корабля до аквариумных рыбок, главное, чтобы радовало глаз и создавало комфорт. Для вдохновения рекомендуем посмотреть фото модульные картин.

Купить или сделать своими руками

Самый простой выход – это заказать сегментированное изображение в онлайн-магазине, где представлено множество фото-идей. Остается лишь сделать выбор.

Гордость и удовлетворение принесет изделие, выполненное самостоятельно. Но как сделать модульную картину своими руками? Ведь множество фотографий демонстрируют такие интерьеры, что дух захватывает, кажется, что повторить такое невозможно.

Модульные картины своими руками делаются очень просто. Самая трудная задача – это выбор стилистически подходящего варианта. Даже если изображение выбивается из общего цветового решения, оно должно отвечать параметрам гармонии.

Определившись с выбором, можно отправляться в мастерскую, где напечатают картину в любом размере, вплоть до фотообоев. Теперь необходимо выделить нужные модульные фото. Схемы размещения различны, специальных правил не существует. Разрезать фотопечать можно как заблагорассудиться:

• разделить на квадраты;
  
• полосы одинаковой или различной ширины;
  
• диагональный или дуговой разрез.
  

Все зависит от общего замысла. Иногда применяют эффект «одеяла из лоскутов», когда делается множество сегментов по принципу мозаики.

Чтобы картина получилась объемной, для основы выбирается пенопласт разной толщины. Если изображение хочется просто разделить на несколько частей, основание не должно быть тоньше 1 см. Следует учесть, что для каждой части необходимы поля, чтобы закрыть торец основания. Характерная черта конструкции – отсутствие рам.

Другой вариант изготовления – накладывание ткани на бумажный лист с невысохшими акриловыми красками. В итоге остается нанести лак или придать эффект старения благородной патиной и разместить картину в запланированном месте.

Как видите, самое сложное – это найти подходящее изображение, а в процессе изготовления сегментированных картин своими руками мастер-класс не понадобится.

Применение всевозможных фотографий или фотообоев поможет в создании модульных картин. Они сделают дизайн дома неповторимым и стильным. Каждый уголок жилья заиграет новыми красками, настроение будет всегда позитивным, а сделать это, как выяснилось, совсем несложно.

Фото

Еще 68 фото идей модульных картин, которые вы можете повторить и украсить свой интерьер.

Видео

Модульные картины своими руками | ЯPRO

Все хотят иметь уютный дом. Что, как не модульные картины смогут лучше всего украсить ваш дом? В любой интерьер, в любую комнату прекрасно вписываются модульные картины. Сегодня вы узнаете, как сделать их своими руками. Создаем шедевры модульных картин своими руками.

Создайте модульные картины для Вашего дома своими руками. Как это сделать? Мы расскажем о нескольких очень интересных техниках. А вы сами решите, что вам нравится больше.

Прежде всего, нужно определиться, что такое модульные картины. Это составные картины, состоящие из 2 или 3 отдельных элементов. Все вместе образуют полноценный рисунок.

Модульные картины – рисуем картинку сами

Вы когда-нибудь думали, что можете сами своими руками нарисовать настоящие картины? Нет? А зря! Сейчас есть такие наборы хоста, красок и кисточек, с помощью которых вы сами можете сделать полноценные картины. Эти волшебные кисти и краски делают из любого человека настоящего художника. Вам интересно как?

На холсте есть прозрачный рисунок с номерами. Вам нужно раскрасить кистями и красками этот рисунок соответственными цветами по номерам. Так создаются модульные картины по номерам. По сути, это раскраска красками для взрослых.

Модульные картины

Фото модульных картин по номерам – как сделать картины своими руками

Вот так выглядит картины по номерам. Так с помощью кистей и красок они превращаются в прекрасные картины. В магазинах продаются готовые наборы различных размеров и с самыми разными рисунками. Встречаются различные тематики: модульные картины для детских комнат, модульные картины с природными рисунками, людьми, фруктами, натюрмортами и, конечно, модульные картины с цветами.

Все фото модульных картин, которые вы видите на нашем сайте, есть в магазине оригинального творчества.

Фото модульных картин в интерьере комнатыФото, как модульные картины украшают интерьер любого домаОдна из модульных картин фотоМодульные картины своими руками с цветамиКак сделать своими руками модульную картину с ромашкамиМодульные картины в интерьере своими рукамиМодульные картины в интерьере своими рукамиМодульные картины своими руками с розовым деревомМодульные картины в интерьере своими рукамиМодульная картина с фиолетовыми деревьями своими рукамиМодульные картины с розами своими руками

Модульные картины со стразами

Еще одна очень популярная тема, которая только набирает обороты в нашей стране – это картины со стразами или их еще называют алмазной вышивкой.

Нереальной красоты картины со стразами, переливаются яркими гранями. Это невероятное украшение для Вашего дома. И самое прекрасное, что все это вы можете создать своими руками. Модульные картины со стразами!

Полные наборы для создания модульных картин со стразами своими руками так же можно найти в магазинах. В наборах для создания модульных картин со стразами своими руками есть все необходимое. Клей, стразы, схемы, холст, пинцет и т.д. Смысл создания таких модульных картин своими руками такой же, как и рисунки по номерам. По схеме нужно подставлять и приклеивать нужные стразы.

Есть два вида модульных картин со стразами. Стразы 3Д и 5Д. Все данные наборы есть в магазине эксклюзивного творчества.

Пример создания модульных картин со стразами своими рукамиПример создания модульных картин со стразами своими рукамиФото модульной картины со стразами своими рукамиФото модульной картины со стразами своими рукамиПроцесс создания модульной картины со стразами своими рукамиФото модульных картин своими рукамиПроцесс создания модульной картины со стразами своимиПроцесс создания модульной картины со стразами своими

Это лишь малая часть модульных картин, которые Вы можете сделать своими руками. Есть намного больше мотивов и картин для Вашего интерьера. Желаем Вам прекрасного творчества и уютного дома.

С любовью, Редакция ЯвМоде.ру

Как украсить стену в комнате своими руками красиво и недорого

Когда мы задумываемся о том, как украсить стену в комнате, в памяти начинают всплывать композиции, составленные сразу из нескольких картин. Это не удивительно, потому как настенные коллажи — это один из самых популярных приемов декорирования стен.

Один из вариантов создания коллажа — распечатать и вставить в рамки изображения, которые подходят к интерьеру, затем гармонично разместить их на стене. Можно купить готовые постеры в магазинах.

Если правильно сочетать постеры по стилю и оформлению, то получатся чудесные настенные композиции.

Причем сделать это довольно просто и относительно недорого

Однако фотографиями и минималистичными постерами уже сложно кого-то удивить…

Что же можно сказать о вышитых картинах? Если собрать на одной стене (или в одной комнате) несколько вышитых работ на определенную тему или выполненных в едином стиле, то результат может превзойти все ожидания!

Нюанс тут только один: вышивка – процесс кропотливый,
он требует времени и материальных затрат

Где же тогда та самая золотая середина?

Как сэкономить и сделать настенный декор уникальным?
Ответ напрашивается сам собой – совмещать!

Уникальный в своем роде декор соберётся в том случае, если вышитые работы дополнить подходящими постерами, рисунками, фотографиями, разного рода панно, деревянными буквами и надписями.

ВАМ ПРИГОДИТСЯ

Деревянные буквы, слова и надписи в интерьере: мастер-класс по декору

Стиль Шебби Шик и Винтаж наиболее подходят для микса вышивки и акварельных иллюстраций, а также предметов интерьера, декорированных в технике Декупаж.

Максимально простой способ разнообразить настенный декор — сделать панно в технике Hoop-art, когда пяльца выступают в качестве рамки, обрамляющей вышивку.

Чтобы упростить создание hoopart-панно, вместо канвы с вышивкой в пяльца заправляют красивые лоскутки ткани.

Точно так же можно создавать тканевые панно внутри квадратных и прямоугольных рамок:

А если в идеале вам хочется видеть себя в окружении исключительно вышитых картин, то начать можно с постеров и заменять их на вышивку по мере ее готовности.

ВАМ ПРИГОДИТСЯ

Способы размещения оформленной вышивки в интерьере вашего дома

Автор статьи — Анна Ганьжина

ПОДЕЛИСЬ!
«Крестик» плохого не посоветует! 🙂

Модульные картины на стекле своими руками

Правильно подобранная и скомпонованная модульная картина способна не только украсить любую комнату или рабочий кабинет. Благодаря тому, что этот вид изобразительного искусства использует способность человеческого мозга объединять визуально разрозненные предметы в единый образ, подобные украшения интерьера производят совершенно особенное впечатление, они всегда выглядят свежо и оригинально.

В этой заметке мы расскажем вам, как сделать модульные картины из стекла своими руками. Это не так уж сложно, как может показаться на первый взгляд.

Свойства стеклянной поверхности придают модульной картине, выполненной на этом материале, неповторимые свойства – она напоминает витраж, что подсознательно усиливает глубину восприятия любого сюжета такой картины. Это впечатление можно значительно усилить, если оборудовать картину подсветкой с внутренней стороны, использовав для этой цели безопасные люминесцентные лампы. Такие источники света сегодня продаются во всех магазинах электроприборов.

Следующий шаг – подготовка стекла. Чтобы создать модульные картины на стекле своими руками, лучше всего использовать антибликовое стекло – на его матовой поверхности изображение будет выглядеть гораздо более естественным и глубоким. Перед началом работы подготовьте сегменты нужного размера и обязательно зашлифуйте их края во избежание травм. Не советуем для прикрепления картины к виниловым обоям использовать двусторонний скотч. Гораздо надежнее заранее просверлить в стекле отверстия и вставить в них специальные петли-навески, которые продаются в мебельных магазинах.

Кроме стекла, вам понадобятся устойчивые краски, которые долго не потеряют цветовой свежести, – акриловые или масляные. Если вы приобрели краски в тюбиках, то приготовьте палитру для их смешивания. Для очистки и обезжиривания стеклянной поверхности очень пригодятся пузырек со спиртом и вата. Наносить мазки различной ширины помогут кисточки разных размеров. Чтобы промывать их, поставьте рядом чашку с водой. Все готово для создания шедевра.

Чтобы рисунок удался, используйте бумажный эскиз. Его можно подложить под обратную сторону стекла и следовать линиям. Старайтесь не наносить сразу много мазков – дайте краскам подсыхать, чтобы не вышла размазня. Закончив картину, оставьте ее часов на пять в сухом месте, не пытайтесь подсушивать ваше творение феном – можете повредить рисунок. Аккуратно разместите фрагменты на стене, соблюдая равный интервал между модулями (1,5-2 см). Ваша картина готова.

Источник: Картина-Про.ru

85 картин для интерьера своими руками

85 идей картин для интерьера своими руками

Эффектный элемент домашнего декора можно создать своими руками

Картины, сделанные своими руками, идеально подходят для оформления интерьера, ведь лучше хозяев никто не способен почувствовать дух дома, идеально подчеркнув его настроение с помощью соответствующих деталей. Картины. выполненные в различных техниках, сделают индивидуальным даже шаблонный дизайн квартиры, освежат скучную гостиную или кухню, наполнят дом уютом и положительными эмоциями.

Стильный интерьер не обязательно связан с огромными финансовыми затратами, ведь украсить его можно аксессуарами, созданными с помощью доступных материалов и бесценной фантазии.

С чего начать?

Основное условие для создания шедевра – вдохновение. Лучше не копировать чьи-то работы, а попытаться почувствовать настроение собственного дома, представить, чего не хватает в интерьере, что бы могло подчеркнуть его достоинства. Любые мысли и наброски лучше заносить в отдельный блокнот – при создании картины они могут пригодиться. Подумайте, где будет висеть будущее произведение: в гостиной, кухне, спальне.

Такой шедевр, созданный вручную, станет достойным украшением вашего дома

Яркая картина с незатейливым сюжетом может стать оригинальным акцентом интерьера

Простой «отпечаток губ» — креативное украшение интерьера

Золотистые стрелочки в рамке — просто и оригинально

Эффектная картина из ракушек станет шикарным украшением дома

Картину можно сделать из распечатанного макро-фото

Любой предмет может стать основой рукодельного шедевра

Определившись со стилем, можно начинать подбирать материалы для будущего произведения:

• Краска и холст.
• Картон, дизайнерская бумага, журнальные вырезки, старые фото.
• Текстиль, кожа, ленты, тесьма.
• Стекло или кристаллы.
• Пуговицы.
• Сухоцветы, ракушки.

Совет! Не выбрасывайте старые детские рисунки, лоскутки ткани, журналы, украшения – все это может стать частью картины. Храните их в отдельной коробке, периодически просматривая и компонуя между собой.

Рисуем красками

Самый простой способ создать для интерьера оригинальную картину своими руками – нарисовать ее. Тематика ограничивается только фантазией творца. Даже при отсутствии художественных навыков может получиться шедевр: используйте абстрактные техники, изучайте мастер-классы и фото готовых работ.

Для создания оригинальной картины необходимы минимальные навыки рисования красками

Абстракция всегда в тренде

Эффектное сочетание цветов на картине будет приковывать взгляды домочадцев и гостей

Масляные, акварельные, акриловые краски станут верными помощниками в создании картины для интерьера. В качестве основы можно использовать как профессиональный холст, так и обычную плотную бумагу или загрунтованную дощечку. Вдохновение можно черпать на природе, если поблизости от дома есть живописные места. Если ни с местом, ни с погодой не повезло, смело рисуйте своих домочадцев, питомцев, композиции из фруктов – что угодно. Точность воспроизведения реальности не играет никакой роли, главное, подойти к процессу с душой.

Раму для своего произведения можно заказать в багетной мастерской, где легко можно будет найти подходящий вариант окантовки.

Незатейливая, но очень привлекательная картина

Такая картина станет украшением даже очень роскошного жилища

Трафареты

С помощью краски в баллончике легко наносить изображение через трафарет. В качестве основы для картины лучше взять фанеру или очень плотный картон. Краска для фона должна отличаться по цвету и эффекту от цвета рисунка. Например, оригинально смотрятся цветные узоры на золотом или серебряном поле. Можно сделать несколько одинаковых по размеру картинок и скомпоновать их в единое произведение по типу модульных картин. которое украсит стену в гостиной.

Совет! Используйте вместо бумажных трафаретов засушенные листья и травы интересной формы.

Весело и жизнерадостно — «картина», созданная при помощи трафарета

Используя простой цветок или листья деревьев, можно создать уникальный холст

Новогодняя картина, выполненная при помощи «оленьего» трафарета

Отличным трафаретом могут стать ажурные бумажные салфетки

Витиеватый узор в стиле «хинди-тату» — отличная идея для картины

Модульные картины

Модульные картины смотрятся очень оригинально и придают интерьеру загадочную глубину. Они представляют собой изображение, разделенное на несколько полотен, часто асимметричных. Необязательно быть художником, чтобы создать такой шедевр.

Чтобы сделать модульную картину своими руками, нужно найти подходящее изображение – это может быть красивое старое фото, пейзаж, натюрморт, абстракция, и распечатать его в фотомастерской на бумаге или ткани.

Остается только разрезать его на сегменты и зафиксировать их на подходящей основе. Бумагу можно просто аккуратно наклеить на основу из фанеры или ДВП, а холст — натянуть на деревянный каркас и закрепить с обратной стороны степлером.

Совет! При самостоятельном написании картины для интерьера изображение наносится поверх уже подготовленных модульных сегментов. Холст можно заменить любой подходящей тканью, расписав ее красками для батика. По бумажным заготовкам роспись лучше выполнять акрилом или водостойкими маркерами.

Яркая, креативная модульная картина

Модульная картина из частей, оформленных разноцветными тканями и узорами из пуговиц, выглядит очень ярко и необычно

Забавная модульная картина будет отлично смотреться и в гостиной, и в детской

Модульные картины подходят практически для любых помещений: от кухни до гостиной. но важно подбирать соответствующие изображения.

Фотопечать

Техническую сторону вопроса берет на себя фотомастерская, которая может напечатать подходящее изображение практически на любой основе: холсте, бумаге, керамике и пр. Это могут быть обычные постеры с изображением интересных мест, людей, орнаментов.

Совет! Постер не просто картинка, он должен нести определенную идею, соответствовать интерьеру, тематике помещения и характеру хозяев дома.

Кофр складной для мелочей 16 ячеек

6,490.00 ₽ 5,192.00 ₽

Часы настенные Кованые

Если постер большеформатный, можно разделить изображение на несколько сегментов и при соединении в единое полотно обыграть стыки, сделав подобие модульной картины.

Если в доме есть ребенок, то можно отсканировать его рисунки и, подобрав подходящие по цвету, форме, сделать из них коллаж. Дополнить такой плакат может фото самого художника. Останется только распечатать постер и поместить его в раму, подходящую по цвету и стилю интерьеру детской.

Коллаж из старых и новых семейных фото можно повесить в гостиной, а для кухни подойдут постеры с изображением соответствующей атрибутики, фруктов.

Необычно и красиво — картина на основе любимой фотографии

Атмосферная модульная картина из фотографии

Забавная картина из постера

Текстиль

Из всевозможных лоскутков, ткани с красивым орнаментом, лент, тесьмы или кружева можно своими руками создавать настоящие шедевры. Картины из ткани чаще всего делают в технике аппликации. За основу берется плотный текстиль со сдержанным и незаметным орнаментом (полосы, горошек и пр.), а из ярких лоскутков вырезаются основные элементы.

Чаще всего текстильными произведениями украшают кухни и детские, поскольку для этих помещений характерна некая простота, присутствующая в аппликации. Из фетра, фланели и прочих тканей, которые хорошо держат форму, можно вырезать фрукты, животных, машинки, домики. Можно смело сочетать различные фактуры и рисунки на тканях, использовать для оформления тесьму, декоративный шнур, пуговицы. Для гостиной можно сделать текстильную картину из жатого шелка с абстрактными узорами.

Из тканей разных расцветок можно создавать настоящие шедевры!

Яркая модульная картина из ткани с объемными цветами

Необычные картины из яркой ткани

Тканевые картины разных цветов и размеров

Оригинальное украшение стены тканевыми картинами

Пуговицы

С помощью пуговиц своими руками можно создавать оригинальные картины, методом пришивания или аппликации. Часто этот тип фурнитуры используют для изображения листьев на деревьях. Пуговицы можно оригинально наклеить внутри любого контура, например, силуэта бабочки или кошки. В швейных магазинах можно подобрать детали различных форм, цветов и материалов и выложить их, как мозаикой, по заранее подготовленной схеме. Такие произведения из пуговиц отлично впишутся в гостиную, спальню, кухню.

Совет! Пуговицы можно наклеить по периметру картинной рамы, придав ей индивидуальность.

Оригинальная картина с ярким сердцем из пуговиц

Необычное «пуговичное» дерево станет ярким украшением интерьера

Красивый скрипичный ключ из пуговиц для почитателей музыки

Обои

Нередко после ремонта остаются большие куски красивых обоев, которые пригодятся для изготовления необычных интерьерных картин.

1. Обои в раме — самый простой вариант. Из рулона вырезается кусок нужной формы и помещается в раму. Причем орнамент может совпадать с рисунком на стенах или отличаться от него. Такие элементы могут идти в ряд по 2-3 штуки.
2. Оживить скучное полотно в рамке поможет золотистая краска и трафарет или небольшие черно-белые фото, стилизованные под старину. Подобные картины из обоев идеально впишутся в интерьер гостиной.
3. Для детской, кухни или прихожей подойдет декорирование обоев в раме аппликациями или забавными тематическими наклейками.
4. Обои могут стать основой модульной картины, особенно хорошо смотрятся изделия с рисунками на фоне однотонных стен. Орнамент и цвет обоев в каждом сегменте может отличаться от соседних, как и размер модулей.

Большие модульные картины из обоев

Нежные, изысканные картины из красивых обоев украсят стену дома или общественного помещения

Симпатичная модульная картина из элементов, оформленных разными обоями

Вышивка и кристаллы

Вышивкой картин увлекаются многие, а в магазинах для рукоделия можно найти самые разные схемы и наборы для создания шедевров. Своими руками можно вышить полотно бисером или попробовать свои силы в выкладке мозаичных картин. Последние выполняются в алмазной технике, то есть выкладкой стразами. Этот процесс довольно трудоемкий и требует усидчивости и аккуратности, но результат превосходит все ожидания. Можно использовать как технику полной выкладки, так и частичной, где кристаллы покрывают отдельные участки полотна.

Очень стильная картина из тканевой фурнитуры

Яркое панно из бусин

Изящный элемент декора, выполненный из ниток, натянутых на гвоздики

Оригинальное украшение стены к Хэллоуину

Коллажи

Из фотографий, вырезок, книжных и нотных страниц можно создавать удивительные коллажи. В зависимости от тематики изображений, картины могут украшать гостиную, спальню или любую другую комнату.

Также можно делать объемные картины из кожи или картона, использовать техники декупаж и квиллинг. вырезать силуэты.

Картина, выполненная в технике квиллинг — красиво и нежно

Яркое панно из полос разноцветной бумаги

Необычная картина из газетных (журнальных) трубочек

Эффектная картина с надписью из золотой фольги

Из плотной цветной бумаги, текстиля и поролона можно создавать креативные многослойные изображения с искривленным пространством. А при выборе обрамления для шедевра, созданного своими руками, можно остановиться на самых простых рамах. Их тоже можно оформить по своему усмотрению с использованием различных декоративных материалов.

http://happymodern.ru

Абстрактные картины в интерьере (как создать шедевр, не умея рисовать)

Картины — неотъемлемая часть современного интерьера. Причем на смену фруктам и вазам с цветами пришла абстракция — она вписывается в любой стиль, расставляет акценты, оживляет интерьер и придает помещению законченный вид,

А создать подобную картину может любой, даже тот, кто совершенно не умеет рисовать. Доказательство тому — небольшой мастер-класс. За несколько минут можно нарисовать летний луг, морской берег, главное, правильно подобрать оттенки краски.

Итак, для начала нужно загрунтовать холст обычной акриловой грунтовкой и дождаться ее полного высыхания.

На высохший холст выдавить из тюбиков акриловую краску.

А потом шпателем (или чем-нибудь похожим) разносим краску поперек холста.

Картина написана, осталось выбрать для нее место!

Автора идеи установить не удалось, но ему спасибо! Если это ваши фото, напишите администратору. Он либо укажет ваше авторство, либо удалит статью, если вы этого пожелаете.

 

Бесконтактная доставка еды — что это и как она осуществляется? Платная ли эта услуга?

Бесконтактная доставка — это недавно придуманная вынужденная мера, которая, похоже, начинает становиться новой нормой для нашего общества. Войдя в нашу жизнь так же прочно, как и карантин, она рискует вытеснить обычную доставку. И это неплохо.

Да, бесконтактная доставка еды — это услуга, появившаяся только в 2020 году в связи с жесткими изоляционными мерами в городах Китая. Именно там сервисы доставки магазинов впервые позаботились о том, чтобы люди, сидящие дома, могли заказывать на дом еду, лекарства и любые другие товары.  

Подробнее 

---

Вы еще не делаете цветы из бумаги? Осторожно! Это затягивает!

  

  

 

instagram страница →

в контакте →

сайт с мастер-классами →

 

 

Как украсить комнату своими руками

Чтоб ваше жилье было комфортным, 1-го, пусть даже самого современного, ремонта недостаточно. Естественно, проф дизайнеры из хоть какой комнаты в состоянии сделать настоящее произведение искусства. Но что, если прибегнуть к их услугам нет способности, а воскресить комнату очень охото? – самое время взяться за украшение квартиры без помощи других. А о том, как украсить комнату своими руками мы попытаемся поведать в этой статье.

В оформлении интерьера огромную роль играют девайсы, дизайнеры говорят, что их наличие может много поведать о хозяевах комнаты. Это могут быть маленькие финтифлюшки и элегантные вещицы вроде статуэток, картин, ваз, композиций из сухих цветов, приведенных в соответствующий вид уникальных антикварных предметов. Принципиально, чтоб избранные вами предметы, будь то сувениры либо картины, гармонически сочетались с общим интерьером и вашим внутренним миром.

Декоративные изделия из ткани

Один из более обычных и незатейливых методов расставить в комнате калоритные цветовые акценты и придать ей комфорт – внедрение различных диванных подушек. Они могут быть выдержаны в одной цветовой политре с мебельным гарнитуром, а могут резко контрастировать с ним. Просто подумайте, какие цвета вам охото добавить в интерьер? Для интерьеров в традиционном стиле отдавайте предпочтение изделиям правильной круглой либо квадратной формы, детскую комнату воскресят подушки с изображением цветов, зверушек либо ярчайших пейзажей. При всем этом подушки могут находиться не только лишь на диванчике, да и на полу.

Для гостиной подходят самые различные подушки: комфортные валики, маленькие «думочки» либо изделия разной формы, декорированные тканью либо мехом. Можно своими руками сделать благоуханные подушечки «саше» с ароматными травками – тогда в вашей комнате в хоть какое время суток будет царствовать легкий травяной запах. Можно сочетать разные виды тканей, узоры и формы. В помещениях в стиле кантри либо прованс будут отлично смотреться подушки Пэчворк. Эта техника пошива лоскутных одеял пользуется большой популярностью. Ее можно использовать и при разработке обивки мебели либо чехлов для стульев. Главное – выбирайте правильные раскраски, чтоб они не выглядели очень примечательно.

На стулья и табуреты можно сшить калоритные и прекрасные чехлы. При всем этом делаются они нетрудно: понравившийся материал разрежьте на ровненькие квадраты, которые соответствуют размерам стула, оставив на швы припуски по 2 см. Потом прострачиваем квадрат на швейной машинке, к углам чехлов можно прикрепить ленты либо веревочки, при помощи которых новенькая «одежда для стульев» будет крепиться к ножкам. На наскучившие чехлы можно приклеить необычную контрастную аппликацию. Можно связать чехлы крючком либо сплести по технике макраме – в любом случае такие стулья будут смотреться особенно и очень презентабельно.

Если желаете поделить квартиру на многофункциональные зоны, используйте тканевые ширмы. Материал для их можно избрать в согласовании с цветом мебели либо штор. Также очень увлекательны и тканевые картины – для этого необходимо взять кусочки материала, контрастного либо в тон вашей мебели и натянуть на древесные подрамники. Крепится эта конструкция с помощью степплера для мебели и смотрится очень оригинально. Сами стенки тоже можно обтянуть тканью, но обращайте внимание на материал – он должен быть немарким, эластичным и стойким к влаге. А если под ткань вы положите слой синтепона, поролона либо войлока, то ваши стенки приобретут к тому же звуко- и теплоизоляционные характеристики.

Секреты фитодизайна при оформлении комнаты

Фитодизайн интерьера – это целое направление, которое предполагает создание прекрасных композиций из растений и цветов. Цветочки не только лишь делают атмосферу умиротворения и комфорта, да и делают лучше локальный климат комнаты.

Можно устроить в доме реальный сад, уставив помещение полками для цветов либо отведя для их просторный уголок. Гармоническое сочетание вьющихся, декоративно-лиственных и расцветающих растений даст комнате особенное очарование. Главное помните, что все растения у вас на дому должны ощущать себя комфортно. Пристально ознакомьтесь с требованиями определенного цветка к влажности, температуре и свету. (Более тщательно читайте в статье Комнатные растения в интерьере.)

Не считая того, украшением может служить и сам горшок, в который посажен цветок. Это может быть декоративное кашпо, сплетенное из нитей либо обклеенный по технике декупаж пластмассовый горшок, глиняние емкости с смешными зверушками либо причудливыми узорами.

Также комнату можно украсить срезанными живыми цветами, довольно поставить эти растения в прекрасную фарфоровую, стеклянную либо плетеную вазу. Очень прекрасно смотрятся икебаны. Непременно попытайтесь свои силы в этом необычном цветочном искусстве. Оно не терпит нагроможденности: довольно избрать несколько прекрасных растений и веточек – и сделать целостную композицию.

Можно соединять декоративные сухие растения вроде бамбука с обыкновенными высушенными полевыми цветами. Не считая того, сухие букеты могут состоять из жестких травок, фигурных листьев, ветвей с ягодами, веток кустарников, корней, шишек и даже мха.

Панно, картины, фото в дизайне интерьера

Красивым украшением для интерьера могут стать прекрасные картины и фото. Разместите у себя на полках и стенах фото, напоминающие о веселых мгновениях вашей жизни.

При развешивании картин и панно помните о том, что они должны висеть приблизительно на уровне глаз, не очень низковато и не очень высоко.

Не считая того, всегда остается таковой вариант, как фотообои. Они очень отличаются от тех, которые мы помним со времен юношества. Это качественная и прекрасная фото, распечатанная в большенном формате, которая способна воскресить хоть какое помещение.

Еще одним украшением комнаты могут стать зеркала. В их отражаются картины и цветочки, добавляя интерьеру особенный шарм и расширяя границы комнаты. Зеркала могут быть в древесной и пластмассовой, каменной и бронзовой оправе – это уж находится в зависимости от общего стиля комнаты и ваших вкусовых пристрастий. При желании раму зеркала можно отделать декоративными ракушками либо камешками, придав комнате морской стиль. В особенности отлично такое решение смотрится в ванной.

Декорирование окон

Хоть какой интерьер можно поменять, сменив обычные шторы на более уникальные и калоритные. При их выборе ориентируйтесь на цвет стенок, шторы должны быть ярче тона обоев. Можно украсить шторы изготовленными вручную цветами из ткани, декоративными бабочками либо прекрасными застежками. Ткань для штор в гостиной может быть как монотонной, так и с большим рисунком. Для кабинета и спальни лучше дать предпочтение ткани с малозаметным узором либо вышивкой, детскую комнату воскресят калоритные изделия с направленным на определенную тематику рисунком.

Контрастные ткани штор с поперечными полосами зрительно раздвигают стенки, с вертикальными – делают помещение более высочайшим. Не выбирайте ткани с большим рисунком для маленьких комнат, такие шторы будут смотреться навязчиво и стремительно надоедают.

Не забудьте об украшении подоконника, это могут быть обыденные цветочки, композиции из камня либо дерева, маленькие статуэтки. Главное – не переусердствовать.

Приятные мелочи

У каждой хозяйки в доме есть различные мелочи. Для их хранения можно сделать прекрасные ящички и коробки. В качестве базы используйте обыденную коробку из-под обуви, украшать которую можно с помощью ткани, атласных лент, стразов, бусин и бантов. Из плотного картона в коробке можно сделать несколько отделений, а декорации прикрепить при помощи клея либо двухстороннего скотча.

Также в интерьере можно интенсивно использовать изделия из бумаги, изготовленные по технике оригами. Это могут быть журавлики, самолетики, цветочки и другие фигуры, привязанные к леске. Можно просто вырезать из бумаги уникальных бабочек, стрекоз и другие маленькие изделия и украсить ими торшер либо люстру.

Можно прекрасно обклеить ажурной бумагой вазу, цветочный горшок, расставить прекрасные фигуры на полках и даже сделать целую картину на стенке – главное набраться терпения и проявить чуточку фантазии.

Ваш дом – это восхитительная возможность воплотить все свои творческие идеи, потому сделайте каждый его уголок комфортным, прекрасным и необыкновенным!

специально для best-stroy.ru, Лена Чабан

как определить модель ноутбукаlive sexy camsкакая посуда должна быть на кухнебиол посуда

на Ваш сайт.

– Эту статью можно прослушать!

Антагонистическое искусство Нео Рауха | The New Yorker

Тем не менее этот опыт заставил Рауха насторожиться. Вскоре после продажи «Der Anbräuner» Раух отказался от участия в выставке в Лейпциге, которая должна была стать одной из крупнейших его выставок на его родине за десятилетие. Раух иногда говорит о своем искусстве как о перистальтической системе фильтрации, втягивающей в себя все вокруг себя, а в последнее время политическая грязь циркулировала так много, что осторожность казалась целесообразной. «Среди моих новогодних обещаний — не комментировать политические вопросы!» он написал мне в январе, и потребовалось много месяцев, чтобы убедить его снова выступить.«Я буду сотрудничать с этим профилем при одном условии», — сказал он в какой-то момент. «Вы посылаете Джеймса Тербера сделать мой портрет».

Ночью Раух иногда не спит, чувствуя, что его преследуют фигуры из того, над чем он работает. Он рисует исключительно из воображения и говорит, что его картины берут свое начало в снах наяву. Эти образы становятся лесами, на которых он строит то инстинктивно, то мысленно, позволяя картине развиваться на холсте. Когда я был у него дома в июле, он выглядел осунувшимся, с особенно беспокойным сном, но на этот раз был дополнительный фактор: техно-вечеринка рядом.«Единственное, что хуже техно для сна, — это плохое техно», — сказал он.

Дом, в котором Раух и Лой жили последние двадцать лет, большой, но невзрачный, расположен на южной окраине Лейпцига. Неподалеку буроугольный рудник коммунистической эпохи превратился в озера и леса, а дом, отодвинутый от дороги, спрятан в зарослях листвы, из-за чего он кажется более изолированным от мира, чем он есть на самом деле. В палисаднике, окруженном кустами, стояла большая статуя одного из своих кентавров, которую Раух сделал, одетый как конторский служащий и устало несущий две канистры с бензином, повторяющиеся предметы в его работе.Мы сидели с кофе за потертым деревянным столом под вишневыми деревьями в саду. Раух и Лой не рисуют по выходным и вместо этого проводят время в саду, в основном выращивая картофель и другие овощи. «Можно сказать, что мы «выживальщики», — сказал он, улыбаясь тому, что наткнулся на несколько нелепый английский термин. Раух чувствует себя глубоко укоренившимся в Саксонии. «Это может показаться эзотерическим, — сказал он мне, — но я верю в земные силы и в то, что у вас есть связь с местом, где вы пришли в этот мир.

Саксония веками была в авангарде немецкой живописи. Каспар Давид Фридрих, выдающийся художник немецкого романтизма, сделал здесь свою карьеру. Небольшой двор, правивший Саксонией, в культурном отношении противостоял остальной стране, а в двух его крупнейших городах, Лейпциге и Дрездене, есть музеи и академии, достойные уважения. На этом фоне возникла большая часть ядра немецкого экспрессионизма, в том числе Макс Бекманн, родившийся в Лейпциге, а также Отто Дикс и Джордж Гросс, оба из которых прошли обучение в Дрезденской академии изящных искусств.

Но многие немцы, особенно на Западе, считают эти города провинциальными заводями. Во время холодной войны часть Саксонии была известна как Tal der Ahnungslosen («долина невежественных»), потому что это была одна из немногих областей, до которых западногерманские радиоволны не доходили, а саксонский акцент до сих пор широко распространен. высмеивается в остальной части страны. Успех новых немецких правых в Саксонии придал более мрачный оттенок такому региональному соперничеству, и его последствия ощущались в культурном мире.Несколько лет назад еще одна мишень Ульриха, писатель Уве Телькамп, чей роман 2008 года «Башня» (виртуозная версия «Будденброков» в ГДР) сделал его международным издательским феноменом, стал персоной нон грата в немецких литературных кругах. после того, как он раскритиковал политику Ангелы Меркель в отношении беженцев как нечестную.

Теллкамп находится в дружеских отношениях с Раухом и впоследствии опубликовал новеллу, основанную на нем и лейпцигской арт-сцене. Когда я разговаривал с Ульрихом, он говорил об обоих мужчинах как о продуктах исключительно восточногерманской гордыни.«Вы должны понимать, что Раух придерживается мнения, что только на Востоке узнали, что такое настоящее искусство и что значит быть великим художником», — сказал он. «Уве Теллкамп видит себя следующим Томасом Манном, а Раух видит себя новым Максом Бекманном. Они изолировали свое мировоззрение чувством собственного величия. Они смотрят с некоторой жалостью на художников, которые балуются концепциями или замыкаются в теории. Они не хотят ничего объяснять».

Мастерская Рауха находится на старой хлопчатобумажной фабрике в бывшем рабочем районе на западе города, и он любит ездить туда на велосипеде из своего дома.Таксист, который отвез меня в студию, прокомментировал, по какой цене продаются картины Рауха, и кисло пошутил, что он единолично несет ответственность за рост арендной платы в городе. («Некоторым, очевидно, нравилось, когда весь район пах мочой», — сказал Раух, когда я упомянул об этом.)

Я поднялся на грузовом лифте на верхний этаж и прошел через пару металлических дверей без опознавательных знаков. Когда я вошел, из стереосистемы грохотала Broken Social Scene. Я спросил, не мешаю ли я ему. «Меня все беспокоит, — сказал он.Он, казалось, имел это в виду, но не в грубой форме — скорее, как будто это была болезнь, от которой он страдал, — и в его покорном тоне был намек на насмешку над собой. По комнате ходил маленький мопс по кличке Смилла. «Отчасти мы выбрали ее из-за ее размера, так как она помещается в корзину моего велосипеда», — сказал он. На одной из нескольких кроватей Смиллы в студии я заметил ее игрушечную копию.

Комната была похожа на пещеру и напоминала наполовину студию, наполовину спортзал, с боксерской грушей, свисающей с потолка.«Я полагаю, что это лицо моих критиков», — сказал Раух с улыбкой, которая, казалось, признавала предсказуемость линии. За его спиной стояли четыре холста в разной степени готовности. В другом крылатый человек лежал на спине на столе и его оперировали: трудно было сказать, то ли отрывали крылья, то ли пришивали. — Ангелы важны, — загадочно сказал Раух.

Он выглядел немного менее ухоженным, чем когда я видел его в галерее; его лицо было загорелым после недавнего отпуска в Южном Тироле и отросшей щетиной бороды.Мы сидели за рабочим столом рядом с маленькой кухней, где он и Лой, чья студия находится по соседству, каждый день обедали. Лой — один из немногих, от кого Раух принимает критику, но у них есть правило, согласно которому каждый высказывает свое мнение только в том случае, если его попросит другой.

«Кофе, вода, водка?» — спросил Раух. Мы выбрали водку. — Хорошо, — сказал Раух. — Это развяжет мой язык.

На одной из стен мастерской висит фотография матери Рауха. Когда Рауху было пять недель, его родители, оба студенты художественной академии в Лейпциге, погибли в результате крушения поезда возле главного вокзала города. «Моей матери было девятнадцать, отцу — двадцать один, — сказал Раух. «Государство было создано, чтобы иметь детей, когда вы были молоды. Моей бабушке было тридцать девять». Он вырос со своими бабушкой и дедушкой, называя их матерью и отцом, в небольшом городке Ашерслебен. Семья хранила дома фотографии родителей Раух и некоторые их работы. «Они были интегрированы в мое воспитание, и мы часто о них говорили», — сказал Раух.

«Когда у тебя на заднем плане такая трагедия, как моя, люди склонны относиться к тебе нежно», — сказал он мне.«Я хотел быть похожим на других детей, но трагедия нависла». Он помнит, как пожилые люди шептались о случившемся с ним ужасном, хотя сам он не чувствовал всей силы события.

Примерно в возрасте шестнадцати лет Раух нашел в киоске в Ашерслебене книгу о лос-анджелесском архитекторе Ричарде Нейтре, пошел домой и нарисовал проекты своих домов. Слушая по радио британский рок, он мечтал о Западе. «Это было великое голубое обещание на горизонте», — сказал он мне. — И я бы поехал туда когда-нибудь.

Жизнь на Востоке влекла за собой лишения, но для будущего художника были и ресурсы. Одна из ироний восточногерманского коммунизма заключается в том, что он освятил многие буржуазные ритуалы и институты немецкой культуры — уроки игры на фортепиано, хоровые занятия, школы рисования, классическую прозу, — которые пострадали в Западной Германии во время потрясений шестидесятых годов.

Сандро Боттичелли (ок. 1445 — 1510)

На пике своей славы флорентийский живописец и рисовальщик Сандро Боттичелли был одним из самых уважаемых художников Италии.Его изящные изображения Мадонны с младенцем, его запрестольные образы и его мифологические картины в натуральную величину, такие как «Венера и Марс», пользовались огромной популярностью при его жизни.

Сын кожевника, он родился Алессандро ди Мариано Филипепи, но получил прозвище «Боттичелли» (происходит от слова «боттичелло», означающего «маленькая винная бочка»). Умный не по годам, юный Боттичелли быстро заскучал в школе. Он был известен своим острым умом и любовью к розыгрышам и быстро заработал репутацию беспокойного, гиперактивного и нетерпеливого ребенка.К счастью, его не по годам развитый талант был признан, и его забрали из школы и отправили работать подмастерьем.

Считается, что Боттичелли сначала обучался у ювелира Мазо Финигерры, прежде чем поступил в мастерскую художника Фра Филиппо Липпи. Он начал свою карьеру с фресок для флорентийских церквей и соборов и работал с художником и гравером Антонио дель Поллайуоло. К 1470 году у него была собственная мастерская.

В Рим и обратно

В 1472 году Боттичелли вступил в Compagnia di San Luca, братство флорентийских художников.Он также нанял Филиппино Липпи, сына своего покойного учителя, в качестве своего ученика, и нарушил традиции, завершив филиппинскую версию «Поклонения королей» — гораздо более обычным было для ученика закончить картину своего учителя, а не другого. наоборот.

Ученичество Боттичелли у фра Филиппо дало ему отличные контакты. Его хозяин пользовался покровительством некоторых из ведущих семей Флоренции, таких как Медичи. Боттичелли, в свою очередь, провел почти всю свою жизнь, работая на семью Медичи и их круг друзей, для которых он написал некоторые из своих самых амбициозных светских картин, таких как «Примавера» (в Уффици, Флоренция).

Звезда Боттичелли восходила. Его репутация была такова, что в 1481 году он был вызван папой в Рим, чтобы помочь украсить стены недавно завершенной Сикстинской капеллы в Ватикане. Он написал фрески, изображающие сцены из жизни Моисея и искушений Христа, а также написал ряд папских портретов. Характер этой задачи демонстрирует, насколько высоко его ценили примерно в то время, и это был единственный известный случай, когда он работал за пределами Флоренции.

Мифологии

Год спустя Боттичелли вернулся во Флоренцию, чтобы продолжить самый плодотворный этап своей карьеры.

В период с 1478 по 1490 годы Боттичелли был наиболее творческим. Это был период, когда он создал свои знаменитые мифологические произведения, такие как «Рождение Венеры» (в Уффици, Флоренция) и «Венера и Марс». В них он успешно сочетал декоративное использование линий (возможно, во многом благодаря его раннему обучению ювелиру) с элементами классической традиции, проявляющимися в гармонии его композиции и гибких контурах его фигур.

Религия и политика

За последние 15 лет жизни Боттичелли пережил кризис стиля и выразительности.

1490-е годы были бурным десятилетием — Медичи были изгнаны из Флоренции, мир в Италии был нарушен вторжением и чумой. Боттичелли отверг декоративное очарование своих ранних работ в пользу более упрощенного подхода, который по контрасту казался грубым и неуклюжим. Эти более поздние картины с их глубоким моральным и религиозным подтекстом также страдали от сравнения с утонченной эстетикой таких художников, как Микеланджело и Рафаэль.

Согласно Вазари в его книге «Жизнеописания художников», в последние годы своей жизни Боттичелли стал последователем фанатичного доминиканского монаха Савонаролы, и благочестивый настрой его более поздних работ, казалось бы, предполагал некоторую причастность к религиозной и политической жизни. волнения во Флоренции того времени. «Таинственное Рождество» — самая амбициозная картина Боттичелли этого периода, отражающая это чувство апокалиптического предчувствия.

Последние годы

Вазари также предполагает, что, поскольку его работы потеряли популярность, Боттичелли впал в меланхолию и депрессию.Он никогда не был женат, предпочитая компанию семьи и друзей. Боттичелли всегда был известен своим приподнятым настроением и сообразительностью, но образ последних лет жизни Боттичелли как стремительное падение в нищету, изоляцию и душевные страдания является острым.

После его смерти его имя практически исчезло до конца 19 века, когда развивающееся понимание флорентийского искусства и культуры вызвало новый интерес к его творчеству.

20 картин, которые вы должны увидеть в Музее Прадо в Мадриде

Курирование этого контента осуществляется по усмотрению автора и не обязательно отражает точку зрения Encyclopaedia Britannica или ее редакции. Для получения наиболее точной и актуальной информации обращайтесь к отдельным статьям энциклопедии по темам.

© SeanPavonePhoto/Shutterstock.com

Истоки Музея Прадо, или Музея Прадо, восходят к 1785 году, когда здание в Мадриде, которое сейчас занимает Прадо, было заказано королем Карлом III. В музее собраны самые полные в мире коллекции произведений Эль Греко, Веласкеса и Франсиско де Гойи, а также таких испанских мастеров, как Хосе де Рибера и Франсиско де Сурбаран.Он также имеет богатый ассортимент других крупных европейских художников. Эти 20 картин — лишь небольшая часть обширной коллекции Прадо.

Ранние версии описаний этих картин впервые появились в 1001 картинах, которые вы должны увидеть перед смертью под редакцией Стивена Фартинга (2018). Имена писателей указаны в скобках.

---

• Сатурн (1820–23)

  В 1819 году Франсиско Гойя купил к западу от Мадрида дом под названием Quinta del Sordo («Вилла глухого»). Предыдущий владелец дома был глухим, и имя осталось подходящим, поскольку сам Гойя потерял слух в свои 40 лет. Художник написал прямо на гипсовых стенах Квинты ряд психологически задумчивых образов, известных в народе как «черные» картины (1819–23). Они не предназначались для показа публике, и только позже картины были сняты со стен, перенесены на холст и помещены в Прадо. Призрачный Сатурн иллюстрирует миф о римском боге Сатурне, который, опасаясь, что его дети свергнут его, съел их.Взяв миф за отправную точку, картина может быть о гневе Бога, конфликте между старостью и юностью или Сатурне как времени, пожирающем все сущее. Гойя, которому к тому времени было за 70 и который пережил две опасные для жизни болезни, вероятно, беспокоился о собственной смертности. Художник, возможно, был вдохновлен барочным изображением Питера Пауля Рубенса мифа « Сатурн, пожирающий своего сына » (1636). Версия Гойи с ее ограниченной палитрой и более свободным стилем намного мрачнее во всех смыслах. Широко раскрытые глаза бога указывают на безумие и паранойю, и, что тревожно, он кажется бессознательным, совершая свой ужасный поступок. В 1823 году Гойя переехал в Бордо. После непродолжительного возвращения в Испанию он вернулся во Францию, где и умер в 1828 году. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Св. Бернар в объятиях Христа (1625–27)

  Св. Бернар в объятиях Христа , картина маслом Франсиско Рибальта, 1625–1627; в Прадо, Мадрид.

  A. Gutierrez/Ostman Agency

  Испанский художник Франсиско Рибальта достиг вершины своего зрелого стиля в картине Христос, обнимающий святого.Бернард . В процессе он преобразовал испанское барокко. Пионер в отказе от условностей маньеризма в пользу нового типа натурализма, ведущий художник Валенсии взял курс на испанское искусство, проложивший путь таким мастерам, как Диего Веласкес, Франсиско де Сурбаран и Хосе де Рибера. Благодаря своему реализму Христос в объятиях святого Бернара достигает синтеза натурализма и религиозности, который определял искусство Контрреформации 17-го века. Играя восторженную вялость против божественной силы и человеческое против трансцендентного, картина Рибальты показывает сцену набожного благочестия и отчетливо человеческого взаимодействия.Телесность тела Христа (сошедшего с креста), а также внимательное отношение к драпировке облачения св. Бернара (в сочетании с тугим и подвешенным телом Христа) придают мистическому видению ощущение близости и весомого присутствия. В своем интроспективном и выразительном изображении глубокого религиозного опыта картина предлагает искупительное видение человечества. Скульптурное моделирование и драматические светотени , которые определяют две фигуры на резком фоне, на котором едва видны две другие, напоминают итальянских тенебристов, таких как Караваджо.Хотя неизвестно, посещал ли Рибальта когда-либо Италию, картина «Христос, обнимающий святого Бернара» отражает многие черты итальянского барокко и, скорее всего, взята из копии алтаря Караваджо, который, как известно, скопировал Рибальта. (Жоао Рибас)

• Демокрит (1630)

  Этот поразительный портрет испанца Хосе де Риберы показывает влияние Караваджо на раннюю карьеру Риберы. Демокрит появляется из богатой темной тени, когда драматические прожекторы — в манере Караваджо — подсвечивают определенные области.Беззубый философ Риберы имеет морщинистое лицо и худощавое телосложение. То, как он держит бумаги в одной руке и компас в другой, говорит нам о том, что он человек ученый, но также подчеркивает его костлявые пальцы с грязными ногтями. Великий человек (которого традиционно отождествляли с Архимедом) больше похож не на уважаемого ученого, а на обедневшего старика из современной испанской деревни. Таким образом Рибера нарисовал ряд выдающихся ученых, смелый отход от общепринятых художественных традиций, которые предпочитали изображать важных людей в идеализированном и героическом классическом стиле.В этой картине есть резкие детали, но это человек с индивидуальностью. Он не отчужденная икона. (Энн Кей)

• Распятый Христос (ок. 1632)

  Диего Веласкес написал несколько религиозных произведений, но этот чрезвычайно мощный образ — его лучший. Эта картина представляет собой убедительно реальное исследование человеческого тела, но с намеками на более монументальную скульптурность, которая поднимает его на более высокий уровень, в соответствии с духовной тематикой. Композиция предельно проста, но драматична, контраст белого тела на темном фоне перекликается с работами Караваджо, которым Веласкес очень восхищался в молодости.Есть реалистический натурализм в том, как голова Христа падает на грудь, его спутанные волосы частично закрывают лицо и нарисованы с распущенностью, которой Веласкес восхищался у венецианских мастеров, особенно у Тициана. Эта работа предлагает религиозную тему, рассмотренную в высшей степени оригинально: реальный персонаж в естественной позе, с упрощенной композицией, сосредоточенной исключительно на теме. (Энн Кей)

• Сдача Бреды (ок. 1635)

  Будучи придворным художником короля Испании Филиппа IV на протяжении большей части своей жизни, Диего Веласкес создавал преимущественно портреты.Однако с Сдача Бреды он создал шедевр, который считается одной из лучших исторических картин испанского барокко. На этой картине изображено одно из важнейших событий Тридцатилетней войны — взятие испанцами стратегически важного голландского города Бреда в 1625 году. Голландский полководец передает ключ от города прославленному испанскому генералу Амброджо Спиноле. Веласкес написал картину «Сдача Бреды » после своего возвращения из Италии, путешествие, отчасти вдохновленное его дружбой с фламандским художником в стиле барокко Питером Паулем Рубенсом.Картина, написанная для украшения тронного зала дворца короля Филиппа в Буэн-Ретиро, как часть серии изображений, изображающих испанские военные триумфы, отличается прямотой и естественностью, типичными для работ Веласкеса. Хотя композиция была тщательно продумана — и на самом деле напоминает работу Рубенса, — она дает ощущение того, что вы находитесь в центре очень реальной человеческой драмы. Солдаты смотрят в разные стороны, а лошадь на переднем плане рысью бежит прочь от зрителя. Художник отказывается от деталей, чтобы создать реализм, показывая главных героев с реалистичной точностью, оставляя безымянных солдат более схематичными.Естественное освещение и широкая кисть, несомненно, созданы под влиянием итальянских мастеров. Из этой картины легко понять, почему Веласкес стал любимцем импрессионистов, и этот образ сохраняет свою силу и сегодня. Это единственная сохранившаяся историческая картина Веласкеса. (Энн Кей)

• Менины (1656) Диего Веласкес: Менины

  Менины (с автопортретом художника слева, размышления королевы Марии IV и зеркало в задней части комнаты и инфанта Маргарита с ее менинами , или фрейлинами, на переднем плане), холст, масло Диего Веласкеса, ок.1656; в музее Прадо, Мадрид.

  Classic Vision/age fotostock

  Las meninas показывает Диего Веласкеса в конце его карьеры и на пике его впечатляющих способностей. Немногие работы вызвали больше споров, чем Las meninas . Размер и сюжет помещают его в достойную традицию портретной живописи, знакомую современникам Веласкеса. Однако что или кто является субъектом? Веласкес показывает себя за мольбертом в своей мастерской во дворце Алькасар в Мадриде, с пятилетней инфантой Маргаритой и ее окружением на переднем плане, другими придворными в других местах картины, а король и королева отражаются в зеркале на задней стене. .Веласкес рисует королевскую чету, позирующую за мольбертом, или Маргариту, удивленную появлением родителей в комнате? Казалось бы, «случайная» сцена была очень тщательно сконструирована с использованием обширных знаний о перспективе, геометрии и визуальной иллюзии, чтобы создать очень реальное пространство, но с аурой тайны, где точка зрения зрителя является неотъемлемой частью картины. Художник показывает, как картины могут создавать всевозможные иллюзии, а также демонстрирует уникальную плавную манеру письма последних лет. Просто серия мазков, если смотреть вблизи, его мазки сливаются в богато яркую сцену, когда зритель отстраняется. Часто называемая «картиной о живописи», картина Las meninas очаровала многих художников, в том числе французского импрессиониста Эдуарда Мане, которого особенно привлекала манера письма, фигуры и игра света и тени Веласкеса. (Энн Кей)

• Картина Рубенса «Аллегория мира» (ок. 1660)

  Лука Джордано был, пожалуй, самым плодовитым из великих мастеров XVII века.Его прозвали Лука Фа Престо («Лука, работай быстро»), имя, которое, как считается, произошло от его отца, который подталкивал мальчика к финансовой выгоде. Огромный талант Джордано был обнаружен в юном возрасте, и впоследствии его отправили учиться сначала к Хосе де Рибера в Неаполь, а затем к Пьетро да Кортона в Рим. Его работы показывают влияние обоих этих учителей, а также Паоло Веронезе, но он разработал свое собственное выражение, используя яркие цвета, и считается, что он сказал, что людей больше привлекает цвет, чем дизайн. Яркий стиль Джордано в стиле барокко можно увидеть на этой картине, изображающей Питера Пауля Рубенса за работой. Аллегорический сюжет был особенно популярен в то время, и включение Джордано почитаемого Рубенса получило бы широкую похвалу. Он использовал сложную структурную композицию с фигурами и херувимами, собранными вместе с правой стороны, втиснутыми в маленькую картинную плоскость, из которой они, кажется, вырываются наружу. Белый голубь на переднем плане образует фокус, излучая энергию и действие, чтобы привлечь внимание к фигуре Рубенса сзади.В 1687 году Джордано переехал в Испанию, где десять лет служил при королевском дворе. Богатый человек по возвращении в Неаполь в 1702 году пожертвовал городу большие суммы денег. (Тэмсин Пикерал)

• Обнаженная Маха (1795–1800)

  Вполне вероятно, что Франсиско Гойя нарисовал известную неоднозначную картину Maja desnuda ( Обнаженная Маха ) для дворянина и премьер-министра Мануэля Годоя. Испания. У Годоя было несколько картин с изображением обнаженной женщины, и он повесил их в личном кабинете, посвященном этой теме. The Naked Maja показался бы смелым и порнографическим, демонстрируемым рядом с такими работами, как Venus и Cupid Диего Веласкеса (также известный как Rokeby Venus ). У модели видны волосы на лобке, которые в то время считались непристойными, а принадлежность к низшему классу, наряду с ее позой, с грудью и руками, обращенными наружу, предполагает, что эта модель более сексуально доступна, чем традиционные богини западного искусства. Однако она больше, чем просто объект мужского желания.Здесь Гойя, возможно, изображает новый marcialidad («прямолинейность») современных испанских женщин. Поза майи усложняется ее встречным взглядом и холодными телесными тонами, которые означают ее автономию. Гойя поплатился за нарушение табу в 1815 году, когда инквизиция допросила его об этой картине, и впоследствии он был лишен роли придворного художника. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Семья Карлоса IV (1800) Франсиско Гойя: Семья Карла IV

  Семья Карла IV , холст, масло Франсиско Гойи, 1800; в Прадо, Мадрид.

  Archivart/Alamy

  В 1799 году Франсиско Гойя был назначен первым придворным живописцем короля Испании Карла IV. Король запросил семейный портрет, и летом 1800 года художник подготовил серию масляных набросков для формального расположения различных натурщиков. Конечный результат был описан как величайший портрет Гойи. На этой картине члены семьи носят сверкающие роскошные одежды и пояса различных королевских орденов. Тем не менее, несмотря на помпезность и великолепие, художник использовал натуралистический стиль, изображая отдельных персонажей так, что каждый, как выразился один критик, «достаточно силен, чтобы разрушить единство, ожидаемое от группового портрета.Тем не менее, самой доминирующей фигурой является королева Мария Луиза в центре. Она, а не король, занималась политическими вопросами, и ее отношения с королевским фаворитом (и покровителем Гойи) Мануэлем Годоем были хорошо известны. Хотя некоторые критики интерпретировали иногда нелестный натурализм как сатиру, вряд ли Гойя таким образом поставил под угрозу свое положение. Члены королевской семьи одобрили картину и увидели в ней подтверждение силы монархии в политически неспокойные времена.Гойя также отдает дань уважения своему предшественнику Диего Веласкесу, вставив здесь автопортрет, похожий на Las meninas ). Однако в то время как Веласкес изобразил себя художником, занимающим доминирующее положение, Гойя более консервативен, выйдя из тени двух полотен слева. (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Майя в одежде (1800–07)

  Через несколько лет после написания Майя в одежде для своего покровителя Мануэля Годоя Франсиско Гойя нарисовал одетую версию своего предмета.Похоже, он использовал ту же модель, в той же позе лежа, в том же окружении. Существует много споров о личности модели, и вполне возможно, что Гойя использовал для своих картин несколько разных натурщиков. Majos и majas были теми, кого можно было бы назвать богемой или эстетом. Часть мадридской арт-сцены начала 19 века, они не были богаты, но придавали большое значение стилю, гордились своей яркой одеждой и обдумывали использование языка. Майя на этой картине написана в более позднем, более свободном стиле художника.По сравнению с Обнаженная Майя , Одетая Майя может показаться некоторым зрителям менее порнографической или более «реальной», поскольку ее платье придает объекту больше индивидуальности. Одетая Маха также более красочна и теплее по тону, чем Обнаженная Маха . Эта необычная работа, возможно, послужила изящным «прикрытием» для изображения обнаженной натуры, вызвавшего такое возмущение в испанском обществе, или, возможно, она была предназначена для усиления эротического характера «Обнаженная Майя », побуждая зрителя представить себе раздевающуюся фигуру. .Наводящие на размышления картины Гойи повлияли на многих художников, в частности на Эдуарда Мане и Пабло Пикассо, и его работы продолжают очаровывать и сегодня. (Карен Морден)

• Третье мая 1808 года в Мадриде (1814) Франсиско Гойя: 3 мая 1808 года в Мадриде, или «Казни»

  3 мая 1808 года в Мадриде или «Казни», холст, масло, Франсиско Гойя, 1814; в Прадо, Мадрид.

  Museo del Prado, Madrid, Spain/Giraudon, Paris/SuperStock

  17 марта 1808 года восстание в Аранхуэсе положило конец правлению Карлоса IV и Марии Луизы, королевских покровителей Франсиско Гойи.Фердинанд, сын Карлоса, стал королем. Воспользовавшись фракционностью испанской королевской семьи и правительства, Наполеон вошел и в конце концов пришел к власти. Третье мая 1808 года в Мадриде изображает казнь испанских повстанцев французскими войсками возле холма Принсипи Пио. Брат Наполеона, Жозеф Бонапарт, принял корону, и французская оккупация Испании продолжалась до 1813 года. Неясно, каковы были политические пристрастия Гойи, но большую часть оккупации он провел, записывая зверства войны.Его знаменитая серия печатных изданий «Бедствия войны » включала, пожалуй, самые острые и неподдельные изображения войны, которые когда-либо видела Европа. Отпечатки были выгравированы с рисунков красным мелом, а новаторское использование художником субтитров зафиксировало резкий комментарий о жестокости войны. Третье мая 1808 года в Мадриде — самая непримиримая часть пропаганды Гойи. Написанный после того, как Фердинанд был восстановлен на престоле, он защищает патриотизм испанцев. Центральная фигура – ​​мученик: он принимает христианскую позу, обнажая стигматы на ладонях.Испанцы показаны как люди, красочные и индивидуальные; французы бесчеловечны, безлики и однообразны. Изображение остается одним из самых знаковых образов милитаристского насилия в искусстве, наряду с « Казнь Максимилиана » Эдуарда Мане (1867–68) и « Герника » Пабло Пикассо (1937). (Карен Морден и Стивен Пулимуд)

• Обнаженный мальчик на пляже в Портичи (1874)

  После четырех лет художественного обучения в Барселоне каталонский художник Мариано Фортуни выиграл Римскую стипендию в 1857 году и провел остаток своей жизни в Италии, за исключением года, проведенного в Париже в 1869 году, где он вступил в деловые отношения с известным торговцем произведениями искусства Гупилем. Ассоциация принесла Фортуни большие суммы за его работу и международную репутацию. Он стал одним из ведущих художников своего времени, способствуя возрождению и преобразованию живописи в Испании. Характерно, что он писал небольшие жанровые картины с мельчайшими деталями. Его новаторский способ изображения света, особенно в его поздних работах, и его исключительное умение обращаться с краской сделали его источником вдохновения для многих других в Испании 19-го века и за ее пределами. Он был выдающимся мастером реалистического рисунка и живописи, обладал потрясающим чутьем к цвету. Обнаженный мальчик на пляже в Портичи — непревзойденный образец его позднего стиля. Ярко освещенный этюд обнаженного тела ребенка отбрасывает вокруг него сильные тени. Точка обзора сверху, и Фортуни смешивает дополнительные цвета, чтобы придать объекту свежесть. В то время, когда это было написано, несколько молодых художников во Франции экспериментировали с эффектами света и цвета, что сделало картину на пленэре новым и захватывающим отходом от студийной работы. Фортуни, хотя и не принимает импрессионизм, безусловно, исследует схожие темы.Он умер через несколько месяцев после завершения Обнаженная на пляже в Портичи , заразившись малярией во время рисования этой работы на юге Италии. (Сьюзи Ходж)

• Снятие с креста (до 1443 г.)

  «Снятие с креста», дерево, темпера, Рогир ван дер Вейден, c. 1435–40; в Прадо, Мадрид

  Giraudon/Art Resource, Нью-Йорк

  Картина Рогира ван дер Вейдена «Снятие с креста » является высшим примером ранней нидерландской традиции.Охватывая художников, таких как Ян ван Эйк, традиция характеризовалась острым вниманием к деталям, которое было обеспечено использованием масляной краски. Хотя масло как средство использовалось еще в 8 веке, для того, чтобы полностью реализовать его потенциал, понадобились такие художники, как ван Эйк и ван дер Вейден. Картина Ван дер Вейдена была первоначально заказана Гильдией лучников в Лувене, Бельгия. На картине момент, когда мертвое тело Христа снимают с креста, происходит внутри того, что кажется замкнутым коробчатым пространством. Хотя нидерландская традиция отличалась использованием домашних интерьеров, здесь использование художником пространства придает общей сцене ощущение интимности. Тело Христа осторожно опускают Иосиф Аримафейский слева и Никодим справа. Дева Мария, традиционно изображенная в синем цвете, падает в обморок у ног святого Иоанна, который протягивает руку скорбящей матери. Визуально диагональ, которую образует обмякшее тело Богородицы, перекликается с безжизненным телом Христа над ней. Это острое отражение также очевидно в расположении левой руки Марии по отношению к правой руке Христа.Ван дер Вейден поднимает эмоциональный регистр сцены на беспрецедентный уровень. Опущенные глаза девяти свидетелей смерти Христа в совокупности говорят о безутешной печали, и художнику удается изобразить скорбь, неумолимую в своей скорби и эмоциональном пафосе. (Craig Staff)

• Благовещение (14:20–25)

  Большое движение фламандской живописи в эпоху раннего Возрождения было инициировано двумя художниками: Робертом Кампеном, известным как Мастер Флемаля, и Яном ван Эйком. Благовещение было темой, которую Кампен рисовал несколько раз. Около 1425 года он написал Алтарь Мероде , триптих, на центральной панели которого также был изображен ангел Гавриил, возвещающий Марии ее роль матери Христа. Одной из самых ярких особенностей его живописи является детальное изображение современных интерьеров. Благовещение происходит в готическом пространстве. Богородица, сидящая на крыльце, одета в одежду буржуазии 15 века.Габриэль становится на колени на лестнице, собираясь что-то сказать. Он выполнен в обычном для Кампена напряженном стиле, а его привычные символы объясняют событие. Пустой сосуд стоит перед тщательно прорисованными складками платья Марии, а открытый шкаф, наполовину открывающий спрятанные предметы, напоминает нам о тайнах, которые последуют в жизни этой молодой женщины. Необъяснимый свет, символизирующий Святого Духа, освещает Деву, еще не потревоженную ее посетителем. Изображая Марию читающей, Кампен подразумевает, что она мудра — намек на трон мудрости. Но она сидит на более низком уровне, чем Габриэль, поэтому она тоже скромна. Картина разделена по вертикали колонной. Левая сторона с Гавриилом — это божественная половина, а правая сторона изображает человеческий аспект Марии до того, как ее жизнь изменится безвозвратно. (Susie Hodge)

• Автопортрет (1498)

  Альбрехт Дюрер родился в Нюрнберге, в семье венгерского ювелира. Его достижения как художника невозможно переоценить. Он известен как величайший гравер всех времен, его рисунок и живопись не имеют себе равных по сей день, и он был автором книг по математике и геометрии.В 1494 году он уехал на год в Италию; там на его творчество повлияла живопись эпохи Возрождения. Хотя работы Дюрера всегда были новаторскими, до этого его работы в основном принадлежали к позднему готическому стилю, распространенному в Северной Европе. В 1498 году он выпустил Апокалипсис , набор из 15 гравюр на дереве, иллюстрирующих сцены из Книги Откровения. Он также написал эту картину, Автопортрет , в которой очевиден стиль эпохи Возрождения. Он рисует себя на манер итальянского аристократа, в позе в три четверти, типичной для современной итальянской портретной живописи.Фон напоминает венецианскую и флорентийскую живопись своими приглушенными нейтральными цветами и открытым окном, в котором виден пейзаж, простирающийся до далеких заснеженных вершин. Лицо и волосы нарисованы реалистично — еще одно итальянское влияние, а руки в перчатках типичны для Дюрера, поскольку он рисовал руки с особым мастерством. Дюрер написал несколько автопортретов, необычных для того времени сюжетов. Этот автопортрет показывает, почему Дюрера часто считают мостом между готическим и ренессансным стилями.(Мэри Куч)

• Пейзаж со святым Иеронимом (1516–1517)

  Иоахим Патинир родился на юге Бельгии, вероятно, в Бувинье. В 1515 году записано, что он вступил в Гильдию художников Антверпена. Он прожил в Антверпене всю оставшуюся жизнь и стал близким другом Альбрехта Дюрера. В 1521 году Дюрер был гостем на второй свадьбе Патинира и в том же году нарисовал его картину, дав нам ясное представление о его внешности. Дюрер назвал его «хорошим художником-пейзажистом», что является одним из самых ярких аспектов творчества Патинира.Он был первым фламандским художником, который придавал пейзажу в своих картинах такое же значение, как и фигурам. Его фигуры часто малы по сравнению с широтой декораций, что представляет собой сочетание реалистической детализации и лирического идеализма. Пейзаж со святым Иеронимом рассказывает историю укрощения святым льва, исцелив его раненую лапу. Зритель смотрит вниз на сцену, которая искусно скомпонована так, что взгляд сначала направляется к Святому Иерониму, а затем блуждает по пейзажу, который разворачивается на заднем плане.Он имеет странное сказочное качество, также очевидное в его работе Харон, пересекающий Стикс , которая подчеркивается использованием сияющего полупрозрачного света. Есть только пять картин, подписанных Патиниром, но многие другие работы могут быть обоснованно стилистически отнесены к нему. Он также сотрудничал с другими художниками, рисуя для них их пейзажи, и работал со своим другом-художником Квентином Массейсом над The Temptations of St. Anthony . Изображение пейзажа Патиниром и его сюрреалистические образные работы сильно повлияли на развитие пейзажа в живописи.(Тамсин Пикерал)

• Тайная вечеря (1555–1562)

  Это одна из самых известных картин, изображающих важное событие в жизни Христа, написанная испанцем из семьи художников, живших в Валенсия. Висенте Хуан Масип, известный как Хуан де Хуанес, был сыном известного художника Висенте Масипа и стал ведущим художником Валенсии во второй половине 16 века. «Тайная вечеря» демонстрирует то же итальянское влияние, что и в творчестве его отца, но добавляет характерный нидерландский оттенок.На картине изображен Иисус и его ученики, собравшиеся вместе на последнюю трапезу, когда Иисус предлагает своим спутникам хлеб и вино как символы своего тела и крови. Хорошо видны хлеб и вино, а также лепешка и чаша, используемые в таинстве Евхаристии в память об этом событии. В этой сцене есть стилизованная драма, с ее освещением chiaroscuro и тоскующими наклонными фигурами, что делает ее немного маньеристской. Здесь и несколько идеализированные фигуры, и уравновешенная композиция, и грациозное величие мастера высокого Возрождения Рафаэля.Итальянское искусство, особенно творчество Рафаэля, оказало большое влияние на испанское искусство того времени, и Хуан вполне мог в какой-то момент учиться в Италии. Его даже называли «испанским Рафаэлем». В изображении сложенных драпировок одежды, вьющихся волос и бликов, скользящих по блюдам и сосудам, много искусного технического мастерства. Стиль Хуана стал очень популярным, и его многие копировали. Его обращение во многом способствовало созданию испанской школы религиозного искусства, известной своей гармоничностью, эффектностью и хорошим дизайном.(Энн Кей)

• Сад земных наслаждений (1490–1500) Иероним Босх: Сад земных наслаждений

  Сад земных наслаждений триптих Босха, cроним, масло на дереве. 1490–1500 гг.; в Прадо, Мадрид.

  Museo del Prado, Madrid, Spain/Giraudon, Paris/SuperStock

  Иероним Босх остается одним из самых своеобразных художников своего времени; его работы полны фантастических зверей, сюрреалистических пейзажей и изображений пороков человечества. Он родился в семье художников в голландском городке Хертогенбос, откуда и получил свое имя, и провел там большую часть своей жизни. В 1481 году он женился на женщине на 25 лет старше его; это был удачный шаг со стороны художника, поскольку к моменту своей смерти он был одним из самых богатых и уважаемых жителей Хертогенбоса. Признаком высокого социального положения художника было его членство в консервативной религиозной группе «Братство Богоматери», которая также отвечала за его ранние заказные работы.Необыкновенный Сад земных наслаждений представляет собой большой триптих, изображающий картину мира Босха, с Эдемским садом слева, адом справа и человеческим миром непостоянной любви, движущимся к разврату в центре. Перспектива и ландшафт левой и центральной панелей совпадают, что наводит на мысль о движении ко греху от одной к другой, в то время как правая панель ада построена отдельно и изобилует изображениями самых гнусных деяний человечества.Видение Босха было в высшей степени фантастическим с сильным моральным посланием, которое сделало его работы очень популярными в его время. Его стилю широко подражали, и его влияние на Питера Брейгеля Старшего было особенно очевидным. Воображаемое качество его работ должно было оказать значительное влияние на развитие сюрреализма в 20 веке. (Тамсин Пикерал)

• Зрение (1617)

  Сотрудничество между художниками, даже такими выдающимися, как Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший, не было редкостью во Фландрии 17-го века.В этой картине Рубенс написал фигуры. Другой художник, Брейгель, был вторым сыном известного художника Питера Брейгеля Старшего. Специализируясь на пейзажах и натюрмортах, Брейгель был одним из самых успешных и знаменитых фламандских художников своего времени. Он был известен как «Бархатный Брейгель» за тонкое и детальное изображение поверхностей. Эта картина принадлежит к серии из пяти аллегорических работ, написанных Рубенсом и Брейгелем для испанских регентов Нидерландов, эрцгерцога Альберта и эрцгерцогини Изабеллы, в которых каждое изображение посвящено одному из чувств. Эта картина, изображающая зрение, помещена в воображаемую галерею, заполненную картинами и драгоценными предметами — астрономическими инструментами, коврами, портретными бюстами и фарфором. Большая фигура, сидящая за столом, является олицетворением зрения, особенно актуального для коллекционеров. Картина «Мадонна с младенцем», окруженная цветами в правом нижнем углу, — настоящая работа Рубенса и Брейгеля. Двойной портрет за столом изображает двух посетителей. Изображения коллекций произведений искусства (часто воображаемых) стали чрезвычайно популярными в Антверпене 17 века.Эти картины, обычно заказанные знатоком, составляли коллекцию и часто включали портрет владельца. (Эмили Э.С. Горденкер)

• Соревнования по стрельбе из лука (ок. 1645)

  Плодовитый фламандский художник Давид Тенирс Младший обучался у своего отца и в начале своей карьеры находился под влиянием Адриана Брауэра, Адама Эльсхаймера и Питера. Пауль Рубенс. Тенирс стал мастером Гильдии художников Антверпена в 1632 году, а с 1645 по 1646 год он был деканом, а затем стал придворным художником и хранителем картин эрцгерцога Леопольда Вильгельма, губернатора Нидерландов. Художник рисовал самые разные сюжеты, но наибольшей известностью он остается именно своими жанровыми сценами. На многих из них изображены домашние интерьеры с крестьянами, занятыми различными делами. Тем не менее, он также нарисовал несколько уличных сцен, и именно они, в том числе Соревнования по стрельбе из лука , показывают его наиболее эффективно и демонстрируют его превосходное обращение со светом в пейзажных условиях. Здесь он использовал широкие области плоского цвета, которые отражают золотую дымку, когда солнце пробивается сквозь плотный облачный покров.Картина вызывает ощущение внезапного затишья, ощущаемого до или после сильного дождя, и она очень атмосферна. Фигуры застыли в движении — лучник вот-вот выпустит лук — и кажутся замершими в движении. Архитектурные особенности сцены образуют естественную «сцену», на которой происходит стрельба из лука, подчеркивая зрительский характер мероприятия. Тенирс был широко известен как художник в свое время, и он был одним из основателей Брюссельской академии изящных искусств в 1663 году и Академии изящных искусств в Антверпене. (Тэмсин Пикерал)

Художник, который хочет, чтобы искусство шокировало

Художница Лиза Юскавадж, которая выросла дочерью водителя грузовика в районе Джуниата-Парк в Филадельфии, который она описывает как «трудный» парк Джуниата, теперь живет в Мидтауне Манхэттена с ее муж, художник Матвей Левенштейн, и их кокапу Филипп. Но в течение последних 10 лет 57-летняя Юскаваге совершала ежедневные поездки в тихий уголок Говануса в Бруклине, где у нее есть своя студия, просторное помещение площадью 4000 квадратных футов в невысоком кирпичном здании, которое она расколола. посередине со стеной длиной 40 футов.Она сравнивает две стороны с двумя половинами своего мозга. В задней комнате, скудная и залитая северным светом, дионисийская Лиза дает ей «беситься» на холсте; в гостиной, уставленной книжными полками, Аполлоническая Лиза — «рациональная, логичная, организованная» — стремится стать успешным современным художником. «Когда я работаю, мне приходится быть довольно незастенчивым, — говорит Юскаваге однажды январским днем. «А потом я стал чрезвычайно сознательным».

Если вы видели ее экстравагантные полотна, то понимаете, почему ей приходится избавляться от комплексов.Юскаваге, искусный колорист, делает пышные, яркие, намеренно — и восхитительно — неуклюжие картины, которые расшатывают поверхностные представления о женоненавистничестве, женственности и женском взгляде. Ее серия «Плохие младенцы», этюды Technicolor, созданные в начале 90-х годов с жалобными девочками-подростками, похожими на мангу, изображенными обнаженными ниже пояса, заработала ей репутацию провокатора, когда она всего несколько лет закончила программу рисования Йельского университета МИД. Еще одна ранняя работа, «Клякса Роршаха» (1995), заключает в себе психосексуальную выходку Юскаваге в одном образе: мультяшная блондинка с расставленными коленями обнажает всю свою нижнюю область, представленную художником как своего рода непристойный восклицательный знак.Для более позднего сериала, снятого в конце 90-х и начале 2000-х, она искала пин-апы Пентхауса 70-х Боба Гуччионе в качестве исходного материала, выбор, который, по ее словам, она, возможно, никогда не переживет (это липкий факт, который люди склонны ассоциировать с ней: « «Разве она не та девчонка, которая рисует картины в Пентхаусе?» — передразнивает она). Рынок ее работ устойчив, и многие критики на ее стороне, но недоброжелатели, как правило, язвительны. Заголовок 2007 года в «Вашингтон пост» недвусмысленно очертил дискуссию: «Лиза Юскавидж: критика похотливой сексуальности или неискренняя реклама эстетики мягкого порно?»

Таким образом, ее последнее шоу представляет собой небольшой поворот сюжета.В 2018 году Юскаваге устроила выставку небольших картин в нью-йоркской галерее Дэвида Цвирнера и, ради шутки, включила несколько пейзажных этюдов, которые она делала за эти годы и запихала в ящик стола. Эта выставка привела к ее последней музейной выставке «Лиза Юскавадж: дикая природа», обзору малоизвестных пейзажных практик художницы, которая проходит в этом месяце в Художественном музее Аспена перед поездкой в ​​Художественный музей Балтимора в сентябре. Шоу включает в себя несколько, казалось бы, серьезных закатов в стиле «воскресного художника», но большинство других работ открыто играют с жесткими представлениями о жанре.Есть серия ранних акварелей «Tit Heaven» (1991–1994), в которых Юскаваге закамуфлировал части женского тела в мечтательные деконструированные натюрморты, так что груди и носы возвышаются, как массивы земли из сюрреалистического нагромождения цветов и фруктов. Она также покажет ряд более поздних крупномасштабных картин, в которых, вдохновленная свободными мультяшными картинами, созданными абстрактным экспрессионистом Филипом Гастоном в конце его жизни, она освобождает своих героев, когда-то застрявших в ловушке резко обрезанных крупных планов, чтобы бродить по кислотно-зеленым полям и туманным полянам.Их можно рассматривать не только как пейзажи, но и как мысленные пейзажи, населенные элементами психики Юскаваге: ее ид-подобные нимфетки натыкаются на придирчивые, грозящие пальцами бригады крестьянок, а иногда и мужчин — незадачливых туристов, которые забрели на общий план. Новейшая работа опроса отступает еще дальше: «Пейзажная живопись» (2019) изображает интерьер комнаты, где небольшая пасторальная сцена в рамке висит позади грудастой женщины, ее нагота подчеркивается свисающим ожерельем и зловещими линиями загара.Она хихикает, как бы говоря: «Не путайте с этим с пейзажем и картиной!»

Вечно озорной Юскаваге называет это «выстрелом из лука». Одетая в черное, с перемазанными краской руками, она сидит в грязно-белом кресле в глубине своей комнаты, глядя на холст, над которым трудится. Очень большой, очень красный, он изображает студийную сцену, в которой теневая обнаженная фигура художника-мужчины ухаживает за освещенной точечной обнаженной женщиной, возможно, формируя ее.Картинка просто щелкнула после нескольких месяцев проблем с Юскавиджем. «Рисование — это не катание на коньках, когда я пытаюсь понять, как сделать тройной аксель, — объясняет она. «Я должен сделать новый шаг, и , а затем выяснить, как его приземлить». Когда над ее окном прогрохотал приподнятый поезд F, почти так близко, что его можно было коснуться, Юскаваге ответила на вопросник Т. художника.

Как прошел твой день? Сколько вы спите и какой у вас график работы?

Я сплю около восьми часов и просыпаюсь около 7:30.У нас есть такая приятная рутина, когда Матвей встает первым и готовит нам эспрессо, а мой пес Филипп, который спит в изножье кровати, делает вид, что продолжает спать. Затем Матвей возвращается в кровать, а Филипп — сюрприз! — просыпается. Он подбегает к Матвею и целует его в обе щеки. Это приносит мне столько радости.

Мы проводим немного времени, читая газету. Я делаю зарядку первым делом с утра, иначе я не буду ее делать. Два раза в неделю пилатес и йога. Это не дает мне сгорбиться, что мне нужно, потому что я стою, чтобы рисовать.

Я прихожу в свою студию каждый день, когда могу и хочу. Мне почти всегда так хочется, даже если перебраться сюда — это что-то вроде психической шалости. Я могу прийти всего на три-четыре часа, если это все, что у меня есть, но я предпочитаю дольше, потому что период разогрева очень долгий. Я стесняюсь находиться рядом с работой, когда мне нужно снова подключиться к ней.

Сколько часов творческой работы вы проводите в день?

От восьми до десяти часов, если я смогу это выдержать.Но я часто решаю проблемы своей работы, когда я не перед картинами. Никогда не знаешь, когда что-то щелкнет. Вы не можете заставить это; вы должны держать его, как птицу, осторожно.

Какое самое первое произведение искусства, которое вы сделали?

Картина «Once Transient» (1983), которую я нарисовал во время учебы в Школе искусств Тайлера Университета Темпл. До этого я занимался искусством, но выполнял задания. Это был первый раз, когда я оторвался и сделал небольшую вещь, которая меня удивила.Я думаю, что заниматься искусством — это создавать свою собственную загадку. Вы создаете свое собственное представление об обществе, о том, как все будет работать, об иерархии. Полная свобода может парализовать. Вы должны создать для себя ограничения. Каждое произведение не может быть всем.

Какая у вас была самая худшая студия?

Примерно в 1990 году мы с Матвеем жили на улице Ладлоу. Мы называем это старыми недобрыми днями Ладлоу-стрит. Я использовал гостиную как студию. Каждый день в 4 часа, а это даже сейчас, когда я действительно начинаю, женщина внизу начинала готовить. Она использовала прогорклое растительное масло, и запах был таким ошеломляющим. Я не знал, что это было, пока позже, но это стало запахом моего собственного беспокойства. Я также ненавидел работать дома, потому что у меня не было уединения. Я люблю работать один. Я не хочу, чтобы кто-нибудь видел, что я делаю, если только я не хочу, чтобы они видели, что я делаю.

Какую первую работу вы продали и за сколько?

У меня был B.F.A. дипломная выставка в Тайлере, и она прошла очень хорошо. Мой дантист пришел и купил большую картину.Я был поражен. На картине изображена девушка, сидящая у подножия ступенек с расставленными ногами, и вы можете видеть ее трусы. Вдалеке на диване сидит мужчина, причем рисунок на трусах и рисунок на стене за головой мужчины одинаковые. Мой дантист сказал, чего я не учел: «Этот парень похож на твоего отца, а тот похож на тебя». Я покраснел, а потом он протянул мне чек на 350 долларов.

Когда вы начинаете новое произведение, с чего вы начинаете?

Это постоянно меняется, потому что у меня нет формулы того, как я работаю. Это то, что делает его интересным, и это то, что делает его трудным.

Как узнать, что все готово?

Я знаю, что закончил, потому что в конце очень весело. Я просто затягиваю вещи, ослабляю вещи, а потом вдруг ничего не остается делать.

Сколько у вас помощников?

У меня есть несколько человек, которые работают над моей базой данных и над моим веб-сайтом удаленно и неполный рабочий день. И у меня есть две помощницы, которые работают неполный рабочий день: Лиза Д.и Джули. Лиза Д. мыла мои кисти семь лет. Для того, чтобы получить такой цвет, вам придется пройти через множество кистей. Ей это надоело, и она, вероятно, собиралась уволиться, поэтому я сказал, что найму кого-нибудь, чтобы он делал то, чего ты не хочешь делать. Я звоню помощнице Джули Лизы. Я не знаю, когда Джули надоест мыть кисти.

Помогали ли вы другим художникам?

Однажды днем ​​я работала у скульптора по имени Марианна. У моего мужа была работа, и он заболел, поэтому я пришла. Я ненавидел это. Она была милой женщиной, но я думал, что ее работа ужасна. Я был снаружи, разматывая материал, который они используют для подвесных мостов. Мне стало больно, я замерз. Тем временем я мог видеть, как она возится в своем таунхаусе. Я такой: почему ты этого не делаешь?

Когда вы впервые почувствовали себя комфортно, заявив, что вы профессиональный художник?

Я думаю, что это было, когда я начал платить налоги. В самом начале один из моих арт-дилеров сказал мне: «Как здорово иметь деньги и платить налоги!» Это было где-то в 96-м или 97-м году.Но я думаю, что действительно почувствовал себя профессионалом, когда получил свою первую музейную выставку в ICA в Филадельфии. Я действительно верю в показы в музеях, потому что мне было важно бродить по музеям, когда я рос. Случайность увидеть определенные вещи таким образом изменила мою жизнь.

Есть ли еда, которую вы едите на повторе, когда работаете?

Я не вегетарианец, но мне нравится есть очень маленький вегетарианский обед. Я называю это своим дурацким веганским супом. Я узнал, что если я ем белок в середине дня, у меня не так много энергии для работы.

Какой самый странный объект в вашей студии?

У меня в ванной есть чехол для туалетной бумаги, который, по сути, представляет собой куклу Барби, застрявшую в середине рулона с связанной крючком юбкой, которая надевается поверх него. Я так понимаю, он сохраняет тепло?

Что вы делаете, когда прокрастинируете?

Я много читал The New York Times в Интернете, но мне пришлось обуздать эту привычку, потому что я слишком волновался. Сейчас разгадываю кроссворд на телефоне.Я также люблю смотреть видео Джонни Карсона на YouTube. Он был таким забавным. Джонни Карсон с животными? Настоятельно рекомендую.

Что последнее заставило тебя плакать?

Я пошел на массаж в место, куда ходил много лет. У меня было некоторое напряжение в моей рисующей руке. Массажистка использовала свой локоть, что, по-видимому, недопустимо, и она раздавила мой лучевой нерв. Моя рука просто опустилась и не реагировала. На то, чтобы вернуться, ушло три полных месяца.Это было похоже на урок Вселенной о том, как драгоценны наши тела и как быстро все можно забрать.

Что вы носите на работе?

У меня есть пальто, которое мой друг, онколог, подарил мне, когда он покидал Мемориал Слоун Кеттеринг. Это его врачебный халат. Он намного выше меня, так что это очень хорошо прикрывает меня. Я также узнал, что я могу носить только эти действительно плоские кроссовки Adidas, иначе мои ноги устают. Это очень непривлекательный вид.

На что выходят ваши окна?

У меня обзор на 360 градусов. Мне нравится, что я могу видеть, как происходит жизнь: люди едут в метро, ​​пробка на автостраде Гованус, воздушное движение приближается к LaGuardia, которое выглядит как нить жемчуга. Есть дерево, за которым я наблюдал, как оно растет, и теперь оно, вероятно, умирает. Я видел, как расцвел центр Бруклина. Его там не было; теперь есть. Я могу видеть вещи, но также оставаться в одиночестве.

Что вы покупаете оптом чаще всего?

Бумажные полотенца Bounty.Они составляют большую часть моего процесса. Мои студенты-акварелисты — в начале своей карьеры я преподавал курсы повышения квалификации — смеялись, потому что они пытались купить другую марку, а я говорил: «Нет, это действительно более быстрый верх».

Ваша худшая привычка?

Ковыряет мои кутикулы.

Что тебя смущает?

Меня нелегко смутить. Я очень много работал над этим. Я пытаюсь смутить всех остальных. Это часть моей должностной инструкции.Но моя борьба с моим весом была источником смущения. На протяжении многих лет я справлялся с этим и сосредоточился на том, чтобы оставаться здоровым, но люди очень не сочувствуют болезни ожирения. Какое-то время у меня был избыточный вес, и я знаю, насколько поверхностны люди, потому что я видел, как они внезапно стали добры ко мне, когда я был легче.

Что ты читаешь?

Я знаю Сайрус Грейс Данхэм с тех пор, как они были маленькими детьми, а теперь я знаю их как полностью сформировавшихся, удивительных взрослых, и я полностью поражен их мемуарами «Год без имени».”

Какая ваша любимая работа другого автора?

Когда я была маленькой девочкой, мне довелось забрести в Художественный музей Филадельфии и посмотреть «Étant donnés» Марселя Дюшана. Я думал, что девушка в этой работе — это я, потому что в детстве со мной в Фэрмаунт-парке случилась странная вещь, где я наткнулся на серийного убийцу и сбежал. Я бы сказал, что эта работа стала эпицентром моего шока от искусства. Я всегда хочу быть потрясенным искусством или создавать искусство, от которого люди будут в напряжении.

Это интервью было сокращено и отредактировано.

«Скрытый» Купидон Вермеера — последняя загадка загадочного художника

Автор Жаки Палумбо, CNN содержалось сообщение.

Стоя лицом к открытому окну, ее фигура слегка изогнулась, когда она просматривала записку в руках, ее тело казалось тонким на фоне пустой стены позади нее. Но на прошлой неделе Gemäldegalerie Alte Meister в Дрездене, Германия, где она провела большую часть своей долгой жизни, наконец раскрыла любовную тайну, давно скрытую под слоями краски.

В преддверии предстоящей выставки о знаменитом голландском художнике музей опубликовал изображение кардинально изменившейся картины «Девушка, читающая письмо у открытого окна», которую голландский художник написал между 1657 и 1659 годами. После долгой реставрации на пустой стене теперь изображена монументальная картина Купидона, обнаруженная с помощью рентгеновского излучения в 1979 году, но теперь обнаруженная впервые.

Открытие Купидона, римского бога любви, которого часто изображают в виде крылатого мальчика, придает письму девушки новые оттенки привязанности, тоски и желания. Картина будет выставлена ​​в Gemäldegalerie с 10 сентября вместе с девятью другими крупными работами Вермеера и 50 картинами его голландских коллег.

Когда более четырех десятилетий назад впервые был найден спрятанный Купидон, считалось, что художник из Делфта сам нарисовал его. Рентгеновские снимки других известных произведений искусства часто выявляли ранние наброски, а Вермеер, как известно, переделывал свои композиции, полагая, что гармония его картин отражает гармонию Бога, по словам Стефана Коя, искусствоведа и директора Gemäldegalerie Alte Meister.

«Здравый смысл предполагал, что Вермеер перекрасил эту часть своей композиции, потому что он делал это несколько раз», — сказал Коджа в видеоинтервью. «Он действительно был перфекционистом, пытающимся получить наиболее выверенную и наиболее убедительную композицию».

Процесс восстановления был мучительно медленным. Реставраторы тщательно удаляли часть перекраски в течение двух с половиной лет. Фото: Gemäldegalerie Alte Meister

Но когда реставраторы начали чистить картину в 2017 году, они обнаружили доказательства, свидетельствующие об обратном.По словам Коджи, лак на пустом участке стены позади девушки был другого цвета, и консистенция краски тоже была другой. Когда исследователи исследовали образцы в лаборатории археометрии, они обнаружили грязь, скрывающуюся между слоями краски, что свидетельствует о том, что кто-то другой добавил краску намного позже.

«Мы поняли, что грязь означала, что картина была закончена; она подвергалась воздействию света и условий комнаты в течение нескольких десятилетий», — сказал Коджа.Теперь участвующая команда считает, что он был закрашен где-то в начале 18 века. А вот кто это сделал, остается только догадываться.

Не единственная загадка

Скрытый Амур — далеко не единственная загадка жизни художника эпохи барокко. У художника, как и у загадочного мастера эпохи Возрождения Леонардо да Винчи, было очень мало произведений: считается, что до наших дней дошло всего около 34 полотен. Он наиболее известен своими тонкими внутренними сценами с изображением одиноких фигур, залитых светом из окна, намекающих на нарративы, намеренно оставленные расплывчатыми.

«(С) одиноким человеком, погруженным в свои мысли, есть определенная тайна, поэтому мы можем относиться к чувствам, эмоциям людей, которых мы видим», — сказал Коджа. «В каком-то смысле никто из его современников не смог этого сделать».

Историки искусства не уверены, где Вермеер научился рисовать, у кого он учился, были ли у него собственные ученики и кто его подданные. Считается, что представленная выше работа, аллегория живописи, представляет собой автопортрет с дочерью. Предоставлено: Художественно-исторический музей Вены,

. Личности персонажей Вермеера также являются загадкой, в том числе женщина в его самой известной работе «Девушка с жемчужной сережкой».Историки искусства также до сих пор обсуждают методы, которые он использовал для создания своих оптических иллюзий, в частности вопрос о том, использовал ли он «камеру-обскуру» — темную комнату с отверстием, которое проецирует фотографическое изображение, — для создания глубины резкости. Неизвестно даже, где Вермеер научился рисовать и у кого он учился — родословная, которая, как правило, хорошо задокументирована для мастеров истории искусств. они сделали, никогда не могут быть решены.Картина происходила из французской коллекции в начале 18 века, когда Вермеер был малоизвестен — он умер в большом долгу в 1675 году. Коджа предположил, что картина могла быть изменена, чтобы больше походить на работы Рембрандта, возможно. фламандским распорядителем коллекции, который также был художником.

«Женщина в голубом, читающая письмо» иллюстрирует многие из тех же тем: одинокая фигура, читающая письмо в знакомом домашнем пространстве, освещенная светом из окна слева.Предоставлено: Gemäldegalerie Alte Meister

Изменение чужой картины «было обычным делом в то время», — сказал Коя. «Картины были изменены в соответствии со вкусом … В настоящее время мы думаем, что совершенно невообразимо, как вы могли прикоснуться к Вермееру, но другие (за) столетия до нас не колебались».

Несколько других картин Вермеера также были необъяснимым образом изменены, как объяснил Коджа, от полного голубого неба, нарисованного в его ранней работе «Диана и ее спутники», до измененной рамы картины в «Женщине, держащей весы».» (С тех пор обе картины были восстановлены в их первоначальных композициях.)

Знакомое лицо

Чтобы восстановить Купидона, реставраторы Государственного художественного собрания Дрездена решили не удалять оригинальный лак 17-го века, а вместо этого тщательно соскоблить по слоям краски с помощью медицинского скальпеля под микроскопом со 120-кратным увеличением, по словам Коджи. Процесс занял два с половиной года, каждый день покрывая всего несколько квадратных миллиметров.

Купидон, который они обнаружили, был знакомым.Стоящий прямо, с поднятой левой рукой и правой с луком, белокурый пухлый херувим появлялся в других работах Вермеера. Бог любви играет второстепенную роль в «Девушке, прерванной музыкой», хранящейся в коллекции Фрика в Нью-Йорке, а также в «Молодой женщине, стоящей у девственницы», которую Дрезденский музей позаимствовал у Национальной галереи в Лондон для своего нового шоу.

Тот же амур появлялся и в других работах. По словам искусствоведа Стефана Коджи, картина, на которой она была основана, могла принадлежать Вермееру.Фото: Gemäldegalerie Alte Meister

Коя сказал, что есть подозрения, что недавно обнаруженный Купидон был основан на реальной картине, которой владел художник. Согласно The Art Newspaper, в описи вещей его вдовы от 1676 года упоминается «Купидон».

Его появление меняет смысл одной из самых важных работ Вермеера, которая представляет собой важный сдвиг в карьере художника. Самые ранние картины Вермеера не были установлены в современных домах среднего класса, а были грандиозными произведениями, изображающими религиозные и мифологические сюжеты, от Иисуса Христа до богини Дианы.Однако к концу 1650-х годов он начал обращать внимание на современные сюжеты — то, что стало известно как «жанровые картины» повседневной жизни, которые являются отличительной чертой Золотого века Голландии.

««Девушка, читающая письмо у окна» — действительно важная часть его превращения из художника-историка в художника современной жизни — в того Вермеера, которого мы знаем сегодня», — сказал Коджа.

Вскоре после завершения картины художник приступает к своим самым известным сюжетам и мотивам: молодые женщины (а иногда и мужчины) погружены в свои мысли в тишине комнат, освещенных полуденным светом.Присутствие зрителя также можно ощутить, когда мы всматриваемся в фигуры, играющие музыку, читаем таинственные письма или созерцаем объекты, наполненные философским смыслом. Субъекты Вермеера иногда прерываются нашим присутствием, поворачиваясь, чтобы посмотреть на наше вторжение.

«Что удивительного в Вермеере, так это то, что он оставляет вещи открытыми и предоставляет их нашему воображению», — сказал Коджа. «И это (как) любой вид искусства — будь то музыка, театр или кино. Я думаю, вам нравится большинство из них, в которых есть определенная тайна…. как кинорежиссеры, которые дают вам подсказки, а затем позволяют вам закончить идею. Это то, что Вермеер освоил».

Подпись к движению: Реставрация картины «Девушка, читающая письмо у открытого окна». Фотографии предоставлены Gemäldegalerie Alte Meister.

Цитаты могут воодушевить нас, вдохновить и направить в новом направлении с помощью всего лишь нескольких простых мудрых слов. Как художник я часто обращаюсь к профессиональным художникам за лакомыми кусочками вдохновения, чтобы помочь мне преодолеть горб или преодолеть блок.

Это несколько моих любимых цитат о живописи от некоторых из моих любимых художников на протяжении веков. Не стесняйтесь заимствовать эти изображения, чтобы поделиться ими. Если вы опубликуете пост в Instagram, отметьте меня в Insta на TinkerLab.

Наслаждайтесь!

«Каждый холст — это отдельное путешествие».

– Хелен Франкенталер

«Все, что вам нужно для рисования, — это несколько инструментов, небольшая инструкция и видение в вашем воображении». Боб Росс

«Если бы это можно было сказать словами, не было бы смысла рисовать.Эдвард Хоппер

«Живопись — это просто еще один способ вести дневник» Пабло Пикассо

«Если вы хотите сделать основной цвет чистым и ярким, не просто добавляйте к нему яркие цвета. Просто сделайте цвета вокруг пятна более темными и тусклыми. Это придаст сцене драматические эффекты. Я думаю, что жизнь такая же». Хироко Сакаи

«Если ты слышишь голос внутри себя, говорящий, что ты не умеешь рисовать, тогда рисуй во что бы то ни стало, и этот голос замолкнет. Винсент Ван Гог

«Я рисую не сны и кошмары, я рисую свою реальность». Фрида Кало

«Художник создаст малоценные картины, если возьмет за образец чужие работы».
― Леонардо да Винчи

Картина для меня прежде всего глагол, а не существительное, событие прежде всего и лишь во вторую очередь образ.

– Элейн де Кунинг

«Одни художники превращают солнце в желтое пятно, другие превращают желтое пятно в солнце.

– Пабло Пикассо

«В картине требуется немного тайны, немного расплывчатости и немного фантазии. Когда вы всегда делаете то, что имеете в виду, совершенно ясно, вы в конечном итоге утомляете людей».

– Эдгар Дега

«Я люблю смотреть на искусство, я люблю смотреть на картины, и я почти чувствую, что опыт не будет полным, пока я не сделаю что-то свое».

– Сесили Браун

10 работ старых мастеров, которые изменили арт-рынок

От провидцев до спорщиков, от рекордсменов до национального достояния — подборка работ, изменяющих ландшафт, выставленных на продажу в залах Christie’s на протяжении более 250 лет

1. Последний Леонардо да Винчи — рекордсмен, который бывает раз в жизни

Величайшее художественное открытие 21-го века, Salvator Mundi , последняя подтвержденная картина Леонардо да Винчи, находящаяся в частных руках, была выставлена ​​на аукцион Christie’s 15 ноября 2017 года. Работа, которая ранее принадлежала Кингу Людовик XII Французский, король Карл I, король Карл II и король Англии Яков II исчезли почти на 200 лет.

Леонардо да Винчи (1452-1519), Спаситель мира , роспись около 1500 года.25⅞ x 18 дюймов (65,7 x 45,7 см). Продано за 450 312 500 долларов США 15 ноября 2017 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке

.

Картина впервые появилась в Лондоне, где в каталоге 1913 года она была описана как копия утраченного оригинала.В 1945 году он был продан всего за 45 фунтов стерлингов, после чего снова исчез. Шестьдесят лет спустя, в 2005 году, зоркий покупатель заметил эту работу на распродаже недвижимости в США. После нескольких лет кропотливой реставрации, научного анализа и академических исследований она была представлена ​​ведущим мировым авторитетам Леонардо да Винчи, в том числе экспертам Метрополитен-музея в Нью-Йорке, Национальной галереи в Лондоне, Лувра в Париже и Университета из Оксфорда, которые пришли к общему мнению, что это пропавший оригинал.

Эта работа, одна из менее чем 20 существующих автографов Леонардо да Винчи, была представлена ​​публике в 2011 году в Национальной галерее в Лондоне. Аукцион Salvator Mundi, , который случается раз в жизни, который последовал за всемирной выставкой, на которой тысячи людей пришли посмотреть на картину, привел к экстраординарной 19-минутной битве торгов, прежде чем картина была наконец куплена за 450 312 500 долларов. Эта ошеломляющая цифра стала мировым аукционным рекордом для картин старых мастеров, мировым рекордом для любого произведения искусства на аукционах и более чем вдвое превысила предыдущий максимум, установленный для работы Пикассо в мае 2015 года.

2. Сын художника, который сделал обложку журнала Time  

Продажа в 1965 году картины Рембрандта «Портрет сына художника Тита» , около 1655 года, стала легендой, но не по тем причинам, которые можно было бы ожидать. Для Питера Чанса, тогдашнего главного аукциониста Christie’s, эта продажа остается «худшим моментом» в его трудовой жизни.

В 1815 году британский реставратор по имени Джордж Баркер не смог вернуться домой на лодке и укрылся в фермерском доме недалеко от Гааги. Баркер заметил Рембрандта на стене фермерского дома и предложил округлить счет за ночлег до одного шиллинга, если фермер согласится добавить картину. Оказавшись в Великобритании, работа вошла в коллекцию Спенсера в Олторпе в Нортгемптоншире, где и оставалась до продажи на Christie’s 150 лет спустя.

Рембрандт ван Рейн (1606-1669), Портрет сына художника Тита , ок. 1655. Холст, масло. 65 x 56 см (24½ x 20½ дюйма). Продан за 760 000 гиней 19 марта 1965 года на аукционе Christie’s в Лондоне. © Фонд Нортона Саймона, Пасадена, Калифорния, США/Bridgeman Images

До введения системы весла покупатели могли выбирать свои собственные сигналы торгов.Американский промышленник и коллекционер Нортон Саймон перед продажей Рембрандта отправил письмо на Christie’s, в котором объяснил: «Если он сидит, значит, он делает торги; если он стоит, он прекратил торги. Если он снова сядет, то не будет торгов, пока не поднимет палец. Подняв палец, он снова делает ставки, пока снова не встанет». К сожалению, Ченс неправильно истолковал то, как Саймон сидит и поднимает палец, и продал работу Marlborough Fine Art в Лондоне за 700 000 гиней.

Когда молот опустился, разъяренный коллекционер подошел к трибуне Шанса и потребовал возобновить торги.Саймон выиграл аукцион, потратив дополнительно 60 000 гиней на обеспечение работы. Но если неясная тактика торгов предпринимателя была предназначена для того, чтобы помочь ему скрыться от внимания прессы, теперь он стал центром продажи. Когда в том же году картина попала на обложку журнала Time  , Саймон стал неожиданной звездой. Сегодня портрет висит в музее Саймона в Пасадене, Калифорния.

3.Фреска с надписью «местонахождение неизвестно» — пока наш специалист не стал детективом

Иногда самые простые действия могут привести к фантастическим открытиям. В 1964 году известный специалист по старым мастерам Christie’s Дэвид Кэрритт просматривал экземпляр недавно опубликованного каталога работ Джованни Баттиста Тьеполо, итальянского виртуоза фрески, когда его остановила очередь. В записи для «Аллегория с Венерой и временем » говорилось, что произведение «было частью потолка одного из самых величественных домов в Мейфэре, местонахождение которого неизвестно».

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770), Аллегория с Венерой и временем , ок. 1754-58. Роспись потолка неправильной овальной формы, 292 х 190.5 см (115 х 75 дюймов). Продано за 409 500 фунтов стерлингов 27 июня 1969 года на аукционе Christie’s в Лондоне. © Национальная галерея, Лондон, Великобритания/Bridgeman Images

Последним зарегистрированным владельцем Tiepolo был немецко-бельгийский банкир по имени Анри Луи Бишоффсхайм. Кэрритт быстро отследил лондонский адрес Бишоффсхейма до 75 South Audley Street и обнаружил, что шикарный таунхаус в Mayfair с тех пор стал посольством Объединенной Арабской Республики (так тогда назывался Египет). Кэррит позвонил в посольство, которое пригласило его посмотреть работу.

По прибытии специалист с радостью обнаружил картину на потолке гостиной. С осознанием того, что картину будет невозможно спасти в случае пожара, через пять лет работу старательно убрали, а на ее место вставили копию.Шедевр был куплен Национальной галереей на аукционе в 1969 году; собранные средства были использованы для финансирования консервации древнеегипетских памятников в долине Нила.

4. Эмоционально заряженная сцена, завершившая «возвращение» Эль Греко

Художник Доменикос Теотокопулос, известный как Эль Греко, еще при жизни прославился своими призрачными видениями. Тем не менее, в течение столетия он впал в противоречие с современными вкусами. К 1800-м годам критский художник считался опасным чудаком, а его работы ученые описывали как «ошибочные».

На аукционе Christie’s в 1887 году картина Эль Греко «Христос, изгоняющий торговцев из храма» была продана за жалкие 24 гинеи, что сегодня эквивалентно примерно 2100 фунтам стерлингов. Вскоре после аукциона покупатель подарил ее Национальной галерее.

Доменикос Теотокопулос, прозванный Эль Греко (1541-1614), Погребение Христа .Масло на панели. 28 х 19,4 см (11 х 7⅝ дюйма). Продано за 6 101 000 долларов 14 апреля 2016 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. © Изображения Кристи

Однако к 1900-м годам Эль Греко начал возвращаться. Его фигуративные сцены вдохновляли постимпрессионистов, включая Поля Сезанна и Поля Гогена; Пабло Пикассо находился под сильным влиянием своих запрестольных образов.Сегодня Эль Греко считается пророком модернизма и предшественником экспрессионизма, кубизма и даже абстрактного экспрессионизма.

К тому времени, когда его картина «Погребение Христа»  выставлена ​​на аукционе Christie’s в 2016 году, реабилитация художника была завершена. Работа сотни лет томилась в частной испанской коллекции и оставалась неопубликованной до 1950-х годов. Несмотря на размер всего 28 x 19,4 см, эмоционально заряженная сцена была продана чуть более чем за 6 миллионов долларов, что намного превышает ее верхнюю оценку и побивает предыдущий аукционный рекорд художника на Christie’s. Место Эль Греко в художественно-историческом каноне было незыблемым.

5. Единственный портрет Шекспира, выполненный при жизни

В 1848 году, пытаясь погасить свои растущие долги, герцог Бакингемширский был вынужден продать все имущество Стоу-Хауса, своей загородной резиденции.Продажа вызвала огромный интерес, так как двери Стоу впервые были открыты для публики. Для масс были организованы автобусы-шаттлы с местного железнодорожного вокзала и прохладительные напитки — во многом к жалобам прессы, которая сообщала, что британская публика таращится на «разрушенную древнюю семью», как если бы это был «пикник».

Портрет Чандоса, возможно, Уильям Шекспир, ок. 1600-1610. Масло на холсте. 55 х 44 см (22 х 17 дюймов). Продан за 372 фунта стерлингов 15 с 15 августа по 17 октября 1848 года в Стоу-Хаус, Бакингемшир. © Национальная портретная галерея, Лондон, Великобритания/Bridgeman Images 

Одним из главных экспонатов 40-дневной распродажи Christie’s стал портрет Уильяма Шекспира.Хотя личность художника остается загадкой, считается, что это единственный портрет барда, созданный при его жизни. Купленная за королевскую сумму в 372 фунта стерлингов и 15 шиллингов лордом Элсмиром, картина восемь лет спустя станет первым приобретением недавно созданной Национальной портретной галереи в Лондоне.

По другой иронии судьбы, Томас Вудс, сын егеря Стоу, был настолько вдохновлен продажей, что решил стать аукционистом. В 1859 году Вудс присоединился к Джорджу Кристи и Уильяму Мэнсону в качестве партнера в их фирме, создав Christie, Manson & Woods — до сих пор официальное название Christie’s.

6. Герцогиня и «Наполеон преступного мира»

Знойный портрет Джорджианы Спенсер, герцогини Девонширской, написанный Томасом Гейнсборо — тогда ей было 28 лет и она была печально известна своей яркой любовной жизнью — долгие годы отсутствовал в своем доме в Чатсуорт-Хаусе в Дербишире, когда его заметили в 1830-х годах над камином пожилая школьная учительница.Пройдя через нескольких дилеров и коллекционеров, картина оказалась на аукционе Christie’s в 1876 году. Работа произвела фурор, когда была выставлена ​​на аукцион, и посетители выстраивались в очередь, чтобы увидеть герцогиню, кокетливо сжимающую розовый бутон.

Томас Гейнсборо (1727-1788), Джорджиана, герцогиня Девонширская , около 1787.Масло на холсте. 123 х 96,5 см (59½ х 45 дюймов). Продана за 10 100 гиней 6 мая 1876 года на аукционе Christie’s в Лондоне. © Devonshire Collection, Chatsworth/Воспроизведено с разрешения попечителей Chatsworth Settlement Trustees/Bridgeman Images

Картина, купленная лондонским дилером Уильямом Эгнью, стала самой дорогой картиной, когда-либо проданной на аукционе; зрители в переполненном торговом зале «топали, хлопали и бравировали», когда молоток упал до 10 100 гиней.

Но всего через несколько дней работа была украдена в результате преступления, потрясшего всю страну. Вырезанная из рамы в галерее Агнью на Бонд-стрит, картина оставалась спрятанной в сундуке с двойным дном в Соединенных Штатах в течение 25 лет. Преступником был печально известный викторианский вор по имени Адам Ворт, также известный как «Наполеон преступного мира».

В 1901 году, признавшись в своих преступлениях, Ворт договорился о встрече с сыном Уильяма Эгнью в отеле Auditorium в Чикаго. С помощью Детективного агентства Пинкертона Ворт вернул работу Агнью за выкуп в размере 25 000 долларов, заявив: «Леди должна вернуться домой.Затем картина была продана Дж. П. Моргану, в семейной коллекции которого она оставалась почти столетие. Когда в 1994 году произведение было приобретено герцогом Девонширским и возвращено в Чатсуорт-Хаус, 200-летнее странствование герцогини было завершено.

7. Рекорд библейских масштабов

Согласно Библии, Лот был опьянен и соблазнен своими соблазнительными юными дочерьми, чтобы сохранить род человеческий — подходящая тема для одного из самых монументальных полотен мастера барокко Питера Пауля Рубенса.В работе — одном из немногих шедевров художника, все еще находящихся в частных руках — Рубенс отдает дань уважения своим предшественникам Караваджо и Микеланджело.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640), Лот и его дочери , 1613-14.Масло на холсте. 190 х 225 см (74 х 88½ дюйма). Продано за 44 882 500 фунтов стерлингов 7 июля 2016 года на аукционе Christie’s в Лондоне. © Изображения Кристи

Картина провисела в семейном доме на юге Лондона 20 лет, прежде чем ее владельцы решили расстаться с ней в 2016 году. Работа бросила вызов всем предсказаниям на аукционе, более чем удвоив свою оценку после напряженной 14-минутной конкуренции между анонимными участниками торгов по телефону. В конце концов цена достигла максимума в 44 миллиона фунтов стерлингов, что сделало ее одной из самых дорогих картин, когда-либо проданных, и побило рекорд Christie по самой высокой цене, когда-либо достигнутой за картину старых мастеров в то время.

Продажа вызвала многодневные спекуляции о возможных новых владельцах картины, пока Метрополитен-музей в Нью-Йорке не объявил, что приобрел ее в долгосрочную ссуду с помощью благотворительного фонда.В Метрополитене работа воссоединилась с работами Рубенса «Венера и Адонис », рядом с которыми она когда-то висела во дворце Бленхейм в Оксфордшире.

8. Сделано в Италии, высоко ценится Великобританией

В 2012 году Christie’s попросили продать картину Пьетро Лоренцетти, сиенского мастера телесного реализма XIV века, на золотой доске.Картина, созданная около 1320 года, когда его коллега-тосканец Данте Алигьери заканчивал « «Божественную комедию» », недавно была признана единственным примером работы Лоренцетти в Соединенном Королевстве, реализованной без помощи студии.

Картина была продана иностранному покупателю по цене, более чем в пять раз превышающей минимальный эстимейт в 1 миллион фунтов стерлингов, что стало мировым аукционным рекордом для художника. Национальная галерея вмешалась, чтобы указать на национальную важность работы, и на нее был наложен запрет на экспорт до тех пор, пока покупатель из Великобритании не сможет заплатить цену молотка.

Пьетро Лоренцетти (работал ок. 1306–1345), Христос между святыми Петром и Павлом , ок. 1320. Золото-шлифованное панно, темпера, золото. 32 х 70,5 см (13 х 28 дюймов).Продано за 5 081 250 фунтов стерлингов 3 июля 2012 года на Christie’s в Лондоне (продажа по договоренности). © Christie’s Images 

В условиях экономического спада и урезанного финансирования это казалось почти невыполнимой задачей, пока не позвонили из галереи в Халле на севере Англии.С помощью Лотерейного фонда «Наследие», Художественного фонда и «Завещания Брэдшоу», созданных специально для приобретения работ до 1800 года, деньги были обеспечены. Христос между святыми Петром и Павлом   год хранился в Национальной галерее в Лондоне, а затем отправился в Халл, где занял центральное место в Художественной галерее Ференса.

9.Продано за 29 миллионов фунтов стерлингов — мировой рекорд для работы на бумаге

В 1508 году Папа Юлий II поручил Рафаэлю со свежим лицом отремонтировать Станцу делла Сеньятура, его личную библиотеку и офис в Ватикане. По соседству Микеланджело только начинал работу над потолком Сикстинской капеллы. Стремясь оставить свой след на Святом Престоле, Рафаэль разработал четыре монументальных схемы, которые теперь вместе считаются его шедевром.

Рафаэлло Санцио, прозванный Рафаэлем (1483-1520), Голова музы , ок. 1510. Черным мелом нанесены следы ударов, следы стилуса. 30,5 х 22 см (12 х 8½ дюйма). Продано за 29 161 250 фунтов стерлингов 8 декабря 2009 года на аукционе Christie’s в Лондоне. © Изображения Кристи

В 2009 году аукционный дом Christie’s попросили продать вспомогательный эскиз Рафаэля, который составляет часть сцены, все еще видимой на стенах палаты Папы.Рисунок, один из лучших из сохранившихся набросков Рафаэля, передает такие эмоции в столь небольшом количестве марок, что его появление на аукционе в Лондоне произвело фурор.

Два анонимных участника торгов по телефону не могли упустить возможность приобрести такой редкий предмет истории искусства; они боролись, пока молоток, наконец, не упал на монументальные 29 миллионов фунтов стерлингов. Продажа установила мировой рекорд для работы на бумаге и закрепила за Рафаэлем место мастера Высокого Возрождения.

10.Рембрандт, который нужно было немного «улучшить»

В 1795 году, через три года после смерти сэра Джошуа Рейнольдса, первого президента Королевской академии художеств, Christie’s продал содержимое его мастерской. В течение четырех мартовских дней было предложено 411 картин из его коллекции. В каталоге он описывался как «Несомненные произведения величайших мастеров римской, флорентийской, болонской, венецианской, французской, фламандской и голландской школ в наиболее совершенном состоянии сохранности».

Рейнольдс приобрел картину Рембрандта « Сюзанна и старейшины » у своего друга, философа и политического теоретика Эдмунда Бёрка примерно в 1769 году. Рейнольдс завещал картину своей племяннице леди Инчикин, но впоследствии она была продана человеку по имени Уилсон за 156 долларов. гиней, чтобы помочь выплатить долги лорда Инчикина.

Рембрандт ван Рейн (1606-1669), Сусанна и старцы , 1647.Масло на панели. 76,5 х 92,5 см (30 х 36½ дюйма). Продана за 156 гиней 13-17 марта 1795 года на аукционе Christie’s в Лондоне. © Gemaldegalerie, Государственный музей Берлина, Германия/Bridgeman Images

Работа снова появилась в Париже в конце 19 века и была продана немецкому коллекционеру, который в 1911 году подарил работу берлинскому музею. В 2015 году двое ученых музея заметили на холсте пигменты, которых не было во времена Рембрандта. Рентгеновский анализ вскоре показал, что большие участки холста были перекрашены.

Отсутствие основного повреждения подтвердило теорию ученых: Рейнольдс явно считал, что работа нуждается в улучшении, и взял на себя ответственность внести необходимые изменения. Среди изменений были переставлены ноги Сюзанны; лицо одного из старейшин было перекрашено; и весь фон был переработан.Это откровение изменило наше понимание картины и подчеркнуло тесную связь между научными исследованиями и исследованиями в области истории искусства.

.