Художественные росписи: Гжель, городецкая, хохломская, жостовская, мезенская роспись, лаковая миниатюра в Федоскино и Палехе.

3 Сен

Содержание

Гжель, городецкая, хохломская, жостовская, мезенская роспись, лаковая миниатюра в Федоскино и Палехе.

Всегда ли гжельская посуда была сине-белой, какая традиционная роспись родилась после Октябрьской революции и почему расписные шкатулки светятся? Разбираемся в секретах народных художественных промыслов.

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Родиной хохломской росписи стала Нижегородская губерния. Считается, что первыми украшать деревянную посуду стали старообрядцы-иконописцы в середине XVII века. Изделия продавали в деревне Хохлома — отсюда и название народного промысла.

Мастер начинал работу с битья баклуш — готовил деревянные бруски (баклуши) из липы, осины или березы. Из них вытачивали деревянные ложки и ковши, чашки и солонки. Еще не украшенную росписью посуду называли бельем. Белье несколько раз грунтовали и просушивали, а потом расписывали в желтых, красных и черных тонах. Популярными мотивами были растительные орнаменты, цветы, ягоды, кружевные веточки. Лесные птицы на хохломской посуде напоминали крестьянам Жар-птицу из русских сказок, они говорили: «Пролетала Жар-птица мимо дома и задела крылом чашу, и стала чаша золотой».

Изделия два-три раза покрывали олифой, в поверхность втирали оловянный или алюминиевый порошок и сушили их в печи. После закалки жаром они приобретали медовый оттенок и действительно сияли, словно золотые.

В начале XVIII века посуду стали привозить на Макарьевскую ярмарку, куда съезжались продавцы и покупатели со всей России. Хохломские изделия оказались известны всей стране. С XIX века, когда на нижегородскую ярмарку начали съезжаться гости со всей Европы и Азии, расписная посуда появилась во многих уголках мира. Русские купцы продавали изделия в Индии и Турции.

Снежный фон и синие узоры. Гжель

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: rusnardom.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: gzhel-spb. ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: Сергей Лаврентьев / Фотобанк Лори

Гжельская глина известна со времен Ивана Калиты — с XIV века. Местные мастера создавали из нее «сосуды для аптекарских нужд», посуду и детские игрушки. В начале XIX века в Гжельской волости появились заводы, на которых изготавливали фарфор. Первое предприятие здесь основал в 1810 году купец Павел Куличков. Сначала роспись по фарфоровой посуде была цветной, но в середине XIX века в Россию пришла мода на бело-голубые голландские изразцы и китайский фарфор тех же оттенков. Вскоре синие узоры на снежном фоне стали отличительной чертой гжельской росписи.

Чтобы проверить качество фарфора, перед росписью изделие окунали в фуксин — красную анилиновую краску. Фарфор окрашивался в ровный розовый цвет, и на нем была заметна любая трещинка. Мастера рисовали кобальтовой краской — до обжига она выглядит черной. С помощью особых техник, работая только кистью и краской, художники создавали более 20 оттенков синего цвета.

Гжельские сюжеты — это пышные розы (их здесь называли «агашками»), зимние пейзажи, сцены из народных сказок. Дети катаются на санках, Емеля ловит щуку в пруду, деревенские жители празднуют Масленицу… После нанесения рисунка посуду покрывали глазурью и обжигали. Розовые изделия с черными узорами приобретали свой традиционный вид.

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

История Федоскинской лаковой миниатюры берет начало в XVIII веке. Купец Петр Коробов в 1795 году основал в подмосковной деревне Данилково (рядом с селом Федоскино) фабрику. Здесь из папье-маше изготавливали козырьки для военных фуражек. Когда в страну пришла европейская мода на табакерки, на фабрике стали выпускать табакерки и шкатулки.

Вскоре ассортимент расширился — появились пудреницы, броши и коробочки для чая. Сначала их украшали печатными рисунками-гравюрами, а позже стали расписывать масляными красками и покрывать лаком. Художники во время работы добавляли в краски металлический порошок — так цвета становились «светящимися». Традиционными мотивами федоскинской миниатюры стали русская тройка, пейзажи, сказочные сюжеты и сцены из народной жизни: гулянья, пляски и чаепития.

На изящные миниатюрные изделия давали гарантию в 100 лет: при высушивании папье-маше становилось тверже дерева, а сияющие краски не тускнели годами. Секрет заключался в том, что лак для миниатюр выдерживали на солнце. Этим «прокаленным» составом мастер покрывал каждое изделие до 30 раз.

Читайте также:

Три мира узоров. Мезенская роспись

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: patlah.ru

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: open-collection.com

Три мира узоров. Мезенская роспись. Фотография: patlah.ru

Мезенская роспись появилась в XIX веке в низовьях реки Мезень Архангельской губернии. Самое древнее изделие с мезенскими узорами — расписная прялка — относится к 1815 году. Местные жители украшали сундуки, туеса (круглые берестяные короба) и посуду — ковши, чаши, бочонки и тарелки. К началу ХХ века центром мезенской росписи по дереву стала деревня Палащелье.

Подготовленную посуду мезенские мастера расписывали охрой по чистому негрунтованному дереву с помощью особой деревянной палочки — тиски. Пером глухаря или тетерева делали черную обводку, а потом уже наносили красные и черные узоры кисточкой. Мастер делил рисунок на три части: небо, землю и подземный мир. Их границы он обозначал прямой линией, узоры располагал в строгом порядке. Главными элементами росписи были животные и птицы: конь, олень и утка. Обрамляли рисунки геометрические орнаменты из прямоугольников и ромбов, дисков и решеток.

Мезенской росписью по традиции занимались только мужчины, навыки мастера передавали по наследству. Сначала начинающему художнику рассказывали о символах и их сочетаниях в узоре, учили размечать изделие и наносить контуры. Прежде чем рисовать орнаменты, будущие умельцы долго тренировались — писали палочки и линии.

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись. Фотография: art.mirtesen.ru

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись

«Здесь живут подносами». Жостовская роспись. Фотография: art.mirtesen.ru

Роспись по металлу зародилась в подмосковной деревне Жостово. В 1825 году Филипп Вишняков открыл первую «лакерную мастерскую». В ней изготавливали и расписывали табакерки, шкатулки и подносы из папье-маше. Осип Вишняков продолжил отцовское дело, но папье-маше заменил металлическими изделиями. В 1830-е в деревне появились новые фабрики декоративной росписи, на которых художники украшали подносы букетами цветов. Нарядные изделия быстро обрели популярность.

Главным мотивом жостовской росписи стал цветочный букет на черном фоне. Традиционно мастера выполняли четыре вида рисунков: «Букет собранный», «Букет враскидку», «Венок» и «Ветка с угла». В центре изделия художники обычно располагали яркие крупные растения. Тень и мелкие цветы по краям рисунка создавали иллюзию объема. Чтобы рисунок светился изнутри, мастера добавляли в краски металлический порошок, сусальное золото или делали вставки из перламутра.

«Здесь живут подносами, ими мыслят и только о них рассуждают», — говорили о Жостово. Все в деревне напоминает о народном промысле: даже вместо адресных табличек используют расписные подносы с номерами домов. Так же мастера изготовили и указатели к деревне.

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Конь-качалка, конь-каталка. Городецкая роспись. Фотография: Фотобанк Лори

Городецкая роспись известна со второй половины XIX века. В 1870 году на Поволжье, в деревню Курцево Городецкой волости, приехал иконописец Николай Огуречников. Он научил местных ремесленников изготавливать краски и оживлять рисунок штрихами белого цвета. Сначала художники расписывали донца — плоские дощечки, на которых сидели домашние хозяйки, когда пряли шерсть и лен. Украшенное резьбой и цветным рисунком донце служило и как украшение интерьера.

Городецкая роспись отличалась контрастными яркими цветами. Художники изображали вороных коней с длинными шеями и тонкими ногами, петухов с гордо поднятой головой и пышным хвостом, рисовали сценки из купеческой жизни — семейные чаепития, прогулки барышень с кавалерами. Обязательный элемент расписного городецкого изделия — объемные букеты и венки из розанов, ромашек, купавок.

Цветными рисунками украшали ложки и шкатулки, ларцы и хлебницы, мебель и ставни. Также умельцы изготавливали из деревянной щепы и расписывали детские игрушки: куколок, лошадки-качалки и даже миниатюрные наборы для маленьких хозяюшек — прялки, веретенца, утюжки. Особо популярен был конь-каталка. В расписные саночки впрягали деревянных лошадей, в повозку усаживали кучера. Игрушечных дел мастера не использовали в работе ни клей, ни гвозди: с ювелирной точностью они подгоняли детали, которых иногда было более тридцати. «Чтоб изготовить каталку, надо с бесами знаться», — говорили в Городце.

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: palekh.su

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: lacquerbox.ru

«Чудо, созданное революцией». Палехская лаковая миниатюра. Фотография: kanon-tradition.ru

История палехской лаковой миниатюры начинается в XVIII столетии. В те годы художники-иконописцы из небольшого села Палех во Владимирской губернии были известны всей России. С 30-х годов XIX века до Октябрьской революции здесь работали иконописные мастерские.

Родоначальником палехского стиля считается Иван Голиков — в 1920 году он создал первую лаковую миниатюру «Адам в раю». В 1924 году в Палехе открылась Артель древней живописи, а спустя год художники получили Гран-при на Всемирной выставке декоративных искусств в Париже.

Палехские мастера создавали шкатулки, броши, портсигары, табакерки. Они использовали в работе иконописные приемы: писали на черном фоне темперными красками, изготовленными на основе яичного желтка и воды, и твореным золотом (так называли золотой порошок, разведенный в воде). Основными сюжетами были сцены из сельской жизни, былин и русской литературы. Вдохновляли мастеров герои народных и авторских сказок: Иван-царевич и Жар-птица, Серебряное Копытце и царь Салтан.

«Когда мы организовывали артель, у нас на семь человек было только одно собрание сочинений Пушкина… Этим в значительной степени объясняется тот факт, что большинство своих миниатюр мы писали на пушкинские сюжеты».

В 1932 году палехские художники встретились с Максимом Горьким, который назвал палехскую лаковую миниатюру «одним из чудес, созданных Октябрьской революцией». По его просьбе Иван Голиков нарисовал миниатюры для подарочного издания «Слова о полку Игореве».

Художественная роспись: концепция и специальные методики — Наука и метод

Художественная роспись — тема, весьма сложная для краткого рассмотрения. Практически тема не может относиться к хобби, и даже отдельный аспект технологии художественной росписи трудно объяснить в рамках одной описательной статьи. Действия, выполняемые художником по росписи, подчиняются сложным творческим алгоритмам, но не порядку чисто технических манипуляций с кистями и красками. Поэтому невозможно выработать универсальное методическое руководство по применению художественных средств для выполнения декора изделия любого типа. Не рекомендуем даже пробовать систематизировать знания — систематизация если и возможна, то неоправданна в непосредственной связи с непрерывным процессом изобретения новейших техник и материалов.

Мстерская миниатюра

Специальные художественные методики

В область методики обучения ремеслам входит обязательное расширение кругозора ученика.

Визуальные искусства не являются замкнутой самодостаточной средой. Многие разновидности искусства требуют взаимодействия с другими областями человеческого знания. Попробуйте дать понять ученику, какие дополнительные знания могут ему понадобиться для решения творческих задач. Но будьте осторожны, преподнося совокупность знаний, ведь, например, для того, чтобы использовать красочные материалы, вовсе не обязательно изучать химию. А вот к историческим наукам обратиться придется, хотя бы для достижения большей убедительности и достоверности.

В отличие, скажем, от вышивки крестом, художественная роспись — это комплексное ремесло, позволяющее создавать сложные произведения искусства, начиная с лаковой миниатюры и заканчивая огромной фреской. Но создание любого изделия всегда начинается с простейших операций. Данным фактом умело пользуются поточные производства, например, матрешек, но далеко не всегда мастера, работающие на поточном производстве, обладают творческим потенциалом. Часто мастера шаблонной технологии (работающие по шаблону) оказываются не в состоянии создать нечто новое, потому что вместо реального творческого подхода пользуются шаблонными методиками.

Иногда (например, когда мастер создает концептуально новое произведение искусства, которое отличается от всего ранее сделанного) воплощение задуманной идеи с нуля — наилучший вариант, хотя для его реализации художнику потребуется мобилизовать весь свой творческий потенциал. Поточное же производство основывается на уже существующей модели, многократно повторяет уже выполненные действия.

Палехская миниатюра

Концепция художественной росписи

Концепция любой разновидности художественной росписи заключается в технологических различиях и разнится методами решения визуальных задач. Описать концепцию той или иной разновидности росписи можно, изучив ее «модельное» представление или общий принцип управления композицией и материалами.

Принципов управления композицией всего два. Их можно условно обозначить, как модели «несвязанную» и «обусловленную». Обусловленная модель строится на четко отработанных (заданных веками практики) элементах, переходящих от одного изделия к другому, иногда на протяжении нескольких столетий. Ярким примером обусловленной модели являются почти все традиционные народные промыслы с их четко заданными мотивами, способами расположения элементов, декора, где каждая завитушка что-нибудь означает.

Несвязанная модель отличается тем, что мастер работает над художественным произведением не сразу кистью и красками непосредственно по подготовленному материалу, как на поточном производстве, а начинает с карандаша и ластика. Руководствуясь практическим опытом, в зависимости от наличия собственных наработок, художник ясно представляет, как будет выглядеть готовое изделие. Элементы композиции продумываются по ходу работы, творчески, экспериментально.

Холуйская миниатюра

Сравнение стилистики росписи некоторых народных промыслов

Согласно нескольким приводимым в тексте иллюстрациям нескольких разновидностей русского народного промысла попробуем рассмотреть их некоторые отличительные особенности в подтверждение сказанного о концепции художественной росписи.

Отличительными особенностями, например, холуйской миниатюры от Мстеры являются укрупненный, приближенный к зрителю пейзаж. Фигур значительно меньше, но они более крупные, чем у мстерцев. Удлиненные пропорции фигур в холуйской миниатюре роднит ее с декоративной живописью Палеха, однако холуйская миниатюра отличается своеобразным художественным языком, силуэты фигур более мягкие и выглядят объемнее, хотя рисунок проще, без детальной проработки и филигранности золотой графики.

Холуйская, мстерская и палехская миниатюра тесно связана с такими обиходными предметами, как шкатулки, разного рода коробочки, игольницы. Сюжеты живописи могут быть самыми разными, но холуйская миниатюра использует сюжеты, взятые из повседневной жизни. Она более реалистична, отличается лаконичной и ясной композицией.

Если Палех использует много позолоты красных оттенков, то у холуйцев мы видим золото лишь там, где его использование оправдано: шлемы воинов, золоченые купола церквей, иногда кольчуги. Главной же отличительной особенностью холуйской лаковой росписи является использование золота для изображения Солнца, Луны и звезд.

Холуйская, мстерская и палехская живопись обычно используют черный фон, миниатюру располагают точно по центру верхней плоскости, вписывают в правильную геометрическую фигуру (прямоугольник или окружность) и обрамляют по краям орнаментом, причем в холуйской живописи орнаментации больше. Золотая орнаментация служит естественным переходом от живописи к плоскости расписываемого предмета.

Тэг: Теория искусства (философия)

Виды художественной росписи: виды и стили «Александрия»

Какая бывает роспись.

Виды художественной росписи, представленные на нашем сайте, объединяет одно важнейшее свойство – это роспись, выполненная исключительно вручную. Анализ предложений, представленных в настоящее время на российском рынке интерьерной росписи, показывает, что, к сожалению, за «роспись» и даже «фреску» иногда выдаются принты (печать на бумажной или тканевой основе). Такой продукт, особенно, если он выпускается под марким известным брендом, иногда бывает сопоставим по стоимости с настоящей художественной росписью, но отличается от неё, как гипсовая отливка от мраморной статуи.

Мы постараемся в этой статье разъяснить нашим заказчикам, какая бывает роспись, выполненная профессиональными мастерами. Росписи художников отличаются особенностями технологии. Большую часть наших заказов составляет роспись акриловыми и темперными красками, сделанная кистью. Именно так мы обеспечиваем высокое качество изображения, убедительность в передаче деталей, цветовых оттенков.

Художник Александр Глазков за работой: роспись купольной части загородного дома. Подмосковье, 2014г. Студия «Александрия».

Для более простых вещей можно использовать в качестве вспомогательного средства трафарет. Однако, финальную доводку наш художник выполняет кистью.

Финальная деталировка рисунка кистью. Частный дом, Подмосковье. 2017г. Студия «Александрия».

Стили художественной росписи.

Можно классифицировать все виды росписи по стилевому характеру. Остановимся на стилях, наиболее востребованных сейчас нашими заказчиками. Во-первых, это, конечно, роспись в классическом стиле. Как правило, такие работы отличаются сложным рисунком. Объекты, спроектированные архитекторами в классике, отличаются впечатляющими размерами помещений, высокими потолками, дизайнерской отделкой экстра-класса. Для того, чтобы сделать масштабную композицию для такого дома или квартиры, необходимо обладать суммой профессиональных знаний: от знания истории искусств и архитектурных стилей до опыта технического воплощения.

Роспись купола в классическом стиле. Подмосковье, 2014г. Студия «Александрия».

Работы в любом из классических стилей, от Ренессанса до Классицизма, можно поручить исключительно профессиональной команде художников, для любителя – это непосильная задача.

Роспись портала в стиле Ренессанс. Такой орнамент называется гротеск. 2012г.

Второй по востребованности в настоящее время стиль – это Арт Деко. Большие чистые плоскости, аскетичность деталировки требуют внимательного отношения художника к построению композиции. Этот стиль, тесно связан с архитектурой объекта. Задача художника – не только точно выбрать основной мотив, но и обыграть особенности архитектурной ситуации, принять верное и нешаблонное колористическое решение.

Роспись спальной комнаты в стиле Art Deco. Подмосковье, 2016г. Студия «Александрия».

В последние годы всё чаще возникает интерес к абстракции. Это связано с набиравшими популярность у нового поколения интерьерными стилями лофт и «новая классика». Весьма разные росписи объединяет беспредметный сюжет, позволяющий хозяину дома додумывать ситуацию, изображённую на стене. Эта своеобразная игра смыслов, в которой каждый индивидуум находит необходимую ему свободу.

Роспись на стене и отдельное панно в абстрактном стиле. Квартира в Москве. 2013г. Студия «Александрия».

Отдельно можно упомянуть роспись в восточном стиле. Это определение охватывает множество стилей. Это могут быть композиции, источником которых является искусство китайской и японской живописи или орнаментальные вещи в арабском, персидском и турецком духе.

Роспись гостиной в восточном стиле. Автор: Светлана Керн. Частный дом в Подмосковье. 2004г.

Современные виды росписи.

Надо сказать, что современное поколение художников обращаются не только к наследию исторических стилей. В последнее время мы отмечаем интерес к традиции. Так, декоративно-прикладная роспись русского Севера становится основой проектов по росписи мебели.

Брутальная роспись на чёрном фоне люминесцентными красками для дизайнеров новой волны является уже не только принадлежностью клубной культуры, но и артефактом в пространстве в стиле индастриал или лофт.

Иван Глазков. Серия «Триумф/Слава».Всю серию можно увидеть здесь: http://artbrutmoscow.com/author/88?pages=4

Современные виды росписи во внешнем пространстве выполняются в технике трафарета или свободного рисунка при помощи аэрографа. Искусство граффити мало-помалу распространяется и у нас. Интересно, что в Москве поле суперграфики — это вовсе не маргинализованные зоны окраин, а плоскости фасадов, выходящие на центральные магистрали города.

Народные промыслы России: художественная роспись

04.11.2021

Народные промыслы России — наша история и культура. Это искусство, которое охватывает много направлений: быт, фольклор, музыку, танцы. Одним из масштабных направлений в народных промыслах является художественная роспись. Такой вид искусства различается по региональной принадлежности или стилю. Мы расскажем вам об основных популярных направлениях художественной росписи русских народных промыслов. Изделия, выполненные в этих техниках, вы можете найти и купить на нашем сайте. Добро пожаловать в мир русского искусства!

  1. Немного о художественной росписи
  2. Гжельская роспись
  3. Хохломская роспись
  4. Жостовская роспись
  5. Семикаракорская роспись
  6. Городецкая роспись
  7. Майолика
  8. Промыслы народов Севера:

Немного о художественной росписи


Изначально художественной росписью занимались специальные мастера. Такие изделия были редкостью и роскошью. Позже художественная роспись начала распространяться и обретать большие масштабы производства. Расписные изделия уже можно было встретить в каждом доме в виде разделочных досок, скалок и тарелок. Это изделия, которые изготавливаются российскими мастерами вручную в традициях народных промыслов. Каждый предмет уникален и неповторим, имеет свой характер, творческую энергию и историю. Такие товары станут необычным подарком по любому поводу и красивым дополнением интерьера.


Народные художественные промыслы — ремёсла, которые основывались на изготовлении изделий из различных материалов (глины, дерева, металла) и украшении их ручной росписью.

Любой промысел берёт своё начало от домашнего или сельского ремесла, в рамках которого умельцы создавали предметы первой необходимости — посуду, прялки, сундуки и др.

Ремёсла совершенствовались с изобретением инструментов, поиском новых материалов и развитием науки и техники. Сейчас можно встретить товары народных промыслов необычайной красоты цвета, формы и качества. Но единственно неизменным остаётся процесс создания — изделия по-прежнему расписываются вручную с помощью красок и кистей.

Гжельская роспись

Гжель — один из самых знаменитых и любимых видов русской народной росписи по фарфору. Фарфор — вид керамики, которую делают из смеси глины, кварца и каолина. Этот материал достаточно устойчив, не пропускает газ и воду.

Изделия изготавливаются в несколько этапов:

  1. Сначала мастера выливают предметы из высококачественной смеси и обжигают их.
  2. Далее осуществляют роспись. Рисунок выполняется одной краской (кобальтом), которая после обработки приобретает синий цвет. Вещество разбавляется водой, узоры наносятся мазками, линиями, а в орнаменте появляются растительные мотивы. Узор выводится на поверхность точно и быстро.
  3. Последний этап — покрытие глазурью и контрольное обжигание, чтобы сохранить рисунок и сделать изделие долговечным.

Изначально гжель была многоцветная, а в XIX веке основными оттенками стали — синий и белый. Однако цветные изделия в технике гжель встречаются и сейчас.

Роспись изделий в стиле гжель очень запоминающаяся, эти предметы народного творчества станут практичными подарками и украсят интерьер! Вы можете найти гжельскую посуду в специальном разделе.

Смотреть гжельскую роспись

Хохломская роспись

Хохлома — пожалуй, самый известный вид русской народной росписи по дереву. Изделия с хохломской росписью появились после освобождения от татаро-монгольского ига. Жители деревни Хохлома и близлежащих сёл кормились за счёт этого промысла. Позже деревянные изделия с красными завитушками прогремели на весь мир, были любимы в Париже, Индии и Средней Азии.

Деревянные изделия с хохломской росписью актуальны и по сей день.

Они изготавливаются из дерева и расписываются мастерами вручную. Основные цвета: красный, чёрный и золотой. Но хохломское золото — лишь видимость. На самом деле дерево покрывается серебристым оловом, которое после обжига в печи и покрытия льняным маслом приобретает дорогой золотой оттенок. Тёмный фон усиливает контрастность.

Характерные элементы хохломской росписи — ягоды рябины, калины и земляники, а также птицы и звери.


Эти и другие изделия с хохломской росписью вы найдёте в специальном разделе.

Смотреть хохломскую роспись

Жостовская роспись

Жостовская роспись — художественная техника рисования на металлических подносах. Стиль росписи — цветочный. За основу берутся четыре вида композиций: собранный букет, букет враскидку, венок и гирлянда.

Ремесло зародилось в начале XIX века, в деревне Жостово Московской области, как прообраз изменённой тагильской росписи. Изначально таким стилем украшали фигуры папье-маше, но с развитием металлургии мастера перешли на роспись железных подносов.

Сами подносы изготавливаются из листового металла круглой, прямоугольной, восьмиугольной и овальной формы. Первые этапы производства — грунтовка, шпатлёвка, шлифовка и лакировка будущего изделия. После этого заготовка поступает к живописцу.

При росписи жостовских подносов используются масляные краски на скипидаре, их наносят мягкими беличьими кистями. Многослойное изображение создаётся в несколько этапов: подмалёвка, тенёжка, бликовка, а завершают оформление чертёжка и посадка семенцов.

У нас вы найдёте подносы разных форм и расцветок, их можно приобрести онлайн и под заказ.

Смотреть жостовскую роспись

Семикаракорская роспись

Семикаракорская роспись — мазковая подглазурная художественная техника, в которой используется позолота и металлизирование по керамике, а именно, по фаянсу. Это относительно новый вид русского народного искусства, который зародился в 1972 году. Однако за свою красоту и цветочную лаконичность семикаракорский фаянс успел полюбиться народу и коллекционерам.

Изделия из фаянса отличаются своей экологичностью, прочностью, устойчивостью к высокой температуре, воде и кислотам.

Этот промысел называют многоцветьем донского казачества, так как он впитал в себя бескомпромиссность и дух свободы этого народа, буйство красок и живописные традиции земли.

Основной мотив росписи — яркие букетно-растительные орнаменты с акцентом на крупном цветке. Также рисуют бытовые сюжеты в стиле лубочных картинок из казачьего фольклора.

Авторские изделия, выполненные в технике семикаракорской росписи, смотрите в специальном разделе.

Смотреть семикаракорскую роспись

Городецкая роспись

Городецкая роспись — художественная роспись и резьба по дереву, зародилась в середине XIX века в Нижегородской губернии. Изначально ремесло заключалось в изготовлении резных прялок. Изделие вырезалась из одного вида дерева с углублениями, а из другого вида выпиливали фигуры, которые вставляли в углубления прялки. Так делали разные орнаменты и рисунки.

Позже резные картины стали подкрашивать разными цветами, сочетая яркость с оттенком дерева. Полностью расписанные изделия сначала были праздничными. Но чуть позже они стали использоваться и на повседневной основе. Со временем мастера практически отказались от резьбы — так техника производства стала проще и быстрее. Рисунками начали украшать сундуки, мебель, сани, предметы интерьера и игрушки. У росписи появился определённый сюжет: мастера изображали животных, цветы, бытовые и праздничные сцены. Одними из самых популярных на сегодняшний день являются образы чёрного коня и птицы.

Такой вид промысла популярен и сегодня. Российские мастера продолжают удивлять оригинальными сувенирами.

Смотреть городецкую роспись

Майолика


Майолика — особая старинная техника по изготовлению и росписи керамики. Своё начало ремесло берёт из традиционных промыслов стран Древнего Востока. Позже техника производства проникла в Европу. Первыми выпустили керамические изделия в этом стиле испанцы — они изготавливали глиняную плитку для постройки домов. А в XIX веке мастера из Флоренции стали покрывать изделия из пористой глины глазурью. Освоив и полюбив это ремесло, Испания начала сбывать товары за рубеж. Изделия получили название «майолика» — в честь острова Мальорка, через который товары отправлялись в другие страны.

В Россию майолика попала во времена правления Петра I и сразу полюбилась нашему народу. В XVIII веке в России появилась первая фабрика по производству керамических изделий в технике майолики. Особым спросом пользовалась посуда. Такие изделия стали популярными по всей стране, их полюбили наши художники и коллекционеры. Российские мастера искусно овладели этим промыслом, и сейчас майолика однозначно относится к числу русских народных промыслов.

Для производства таких изделий берут цельную красную глину, которая легко поддаётся плавлению. В настоящее время некоторые производители добавляют синтетические вещества, чтобы увеличить прочность изделия. Керамика изготавливается в несколько этапов. Сначала делается форма и фиксируется с помощью обжига в печи. После изделие расписывают, покрывают глазурью и закрепляют рисунок повторным обжигом.

Смотреть майолику

Промыслы народов Севера

Промыслы народов Севера — виды художественной росписи по дереву, связанные территорией происхождения и используемыми мотивами. Эти виды росписи были частично заимствованы друг у друга и возникли приблизительно в одно и то же время. Однако у каждой техники есть отличительные черты и характерные особенности. Немножко о них и поговорим.

Старый борок

Старый Борок — один из самых древних видов росписи Русского Севера. О существовании села, где зародилось ремесло, было известно ещё в XV веке.

Отличие Старого Борока от других видов северной росписи заключается в однообразном сюжете и трёхъярусном рисунке, когда покрытие наносится в несколько слоёв. Чаще всего в этой технике изображают сказочных птиц красного цвета с зелёными крыльями. А на больших композициях центральное место занимает дерево, выполненное в тех же тонах.

Смотреть роспись Старого Борока

Борецкая роспись

Борецкая роспись — севернорусская роспись по дереву, которая зародилась в древнем Новгороде и названа в честь семьи бояр.

Основные цвета — красный, зелёный, жёлтый и оттенок непрокрашенного дерева. Обводку элементов выполняют чёрным цветом.

Раньше борецкая роспись исполнялась в иконописной манере. Сейчас характерные орнаменты — цветы и геометрические фигуры: ромбы, треугольники, небольшие круги и капли.

Смотреть борецкую роспись

Мезенская роспись

Мезенская, или палащельская, роспись — это промысел, зародившийся во второй половине XIX века. Название происходит от деревни Палащелье, которая расположена на правом берегу реки Мезень. Этой росписью мастера украшают деревянную домашнюю утварь.

Отличительной чертой росписи являются сюжетные сцены охоты или поединка. Традиционно используются 2 краски: красная, добытая из глины, и чёрная — из сажи. Изображения коней, оленей, птиц и рыб сочетаются с геометрическими и растительными орнаментами. Также в росписи часто встречаются повторяющиеся элементы — штрихи, завитки и волнистые линии.

Смотреть мезенскую роспись

Пучужская роспись

Пучужская роспись появилась среди северных народов в селе Пучуга, расположенном на реке Двине в Архангельской области.

Основные цвета — красный, жёлтый, оранжевый с зелёными штрихами и чёрной обводкой.

Особенность пучужской росписи в том, что предметы заполняются узорами.

На изделиях художники любят изображать растительность и жанровые сцены: свадебные выезды, чаепития и др. Также популярен образ птицы.

Смотреть пучужскую роспись

Ракульская роспись

Ракульская роспись по дереву получила название от реки Ракулка, притока Северной Двины.

Расписная посуда встречается с преобладанием зелёного или красного оттенков.

Огромную роль в росписи всегда играл золотой цвет, который зачастую используется как основной.

Основные особенности: изображения птиц, веток с крупными листьями, завитки и чёрный контур.

Смотреть ракульскую роспись

Изделия с художественной росписью по дереву, керамике, железу — это поистине достойные, красивые и ценные предметы искусства народных промыслов России. Традиции их изготовления сохранились до наших дней, и эти шедевры по-прежнему радуют глаз!

Полный ассортимент товаров ручной работы, сделанных в традициях русских промыслов, смотрите в специальном разделе.

Смотреть все сувениры

гжельская, городецкая, жостовская, хохломская. Художественная роспись

Еще с древних времен человек обращал внимание на красоту природы. Желание украсить свой примитивный быт и сделать его уютным привело к тому, что жилище стали украшать разными природными элементами. Это были шкура животного под ногами, рисунки на стене, цветные камни, сияющий метал и многое другое. Века спустя стали раскрашивать тарелки, ложки, миски. В каждой области появились свои виды росписи посуды.

Виды стилей

Мастерство украшать свои дома возникло почти одновременно с развитием культуры людей и имеет свои отличительные стороны, свойственные для отдельных областей:

  • хохломская роспись;
  • Городец;
  • Жостово;
  • Гжель.

Воображение наших предков не знало границ, но отличия в рисунках все-таки очевидны. Каждая область имеет своеобразный орнамент и почерк.

Возникновение хохломской росписи

Возле старых заволжских лесов подле реки Узолы расположены русские деревни – Хрящи, Кулигино, Семино, Новопокровское, Хохлома. Посуда, расписанная разными золочеными рисунками, берет свое начало именно отсюда.

К сожалению, точно установить начало появления хохломской росписи не удается. Ведь вся посуда изготавливалась из дерева, быстро изнашивалась, выбрасывалась либо кидалась в печь, как обычное полено.

До нашего времени дошли изделия XIX века. Но, судя по историческим бумагам, промысел возник в XVII веке.

Неповторимая техника хохломы — по золотой основе исполняется роспись черной краской и киноварью — встречается в древнерусском искусстве.

Особенности хохломской росписи

У мастеров есть свой секрет, как «озолотить» кухонную утварь. Нехитрый способ покрытия посуды золотом дожил до наших времен:

  • оловянным порошком тщательно натирали посуду;
  • покрывали олифой;
  • нагревали в печи;
  • под воздействием высокой температуры олифа желтела, сквозь нее просвечивалось олово, получался эффект золота.

Считается, что этот способ окрашивать посуду принадлежит старообрядцам. Раньше в глухих деревнях было много беглых людей, терпевших гонения за «старую веру». Среди них были мастера иконописцы и книжной миниатюры.

Узоры Хохломы

Недорогую посуду для обихода можно узнать сразу. Она исполнялась специальными штампами из гриба дождевика или фетрового кусочка ткани, узоры получались элементарными, но не теряли своей красоты. На таких изделиях видны многочисленные ромбики, спирали и листики.

Посуду подороже раскрашивали более искусно. Композиции создавались кистью от руки. Тут уже труда гораздо больше. Мастера вырисовывали:

Так создавались расписные ложки, тарелки, кружки и многое другое.

Главные цвета, характерные для хохломской росписи, – красный (киноварь) и черный (сажа). Но чтобы рисунок ожил и расцвел, на изделия добавляли коричневый, зеленый, голубой, оранжевый и желтый оттенки.

Виды росписи

Постепенно из предметов обихода изделия Хохломы стали сувенирными подарками или украшением, причем недешевым.

Существуют основные виды росписи посуды:

  1. «Верховая» – на серебристый фон накладывается основная композиция – криуль. Далее к ней добавляют красным и черным цветом капельки, усики, завитки.
  2. «Под фон» — вначале вырисовывается силуэт орнамента, а черной краской заполняется фон.

На посуде могут быть самые разные виды орнаментов:

  • «Травка» — упор делается на вырисовывании мелких и крупных травинок.
  • «Пряник» — внутри шедевра расположена нарисованная геометрическая фигура. Это может быть ромб, квадрат, круг. Его расписывают ягодами, цветами и травой.
  • «Кудрина» — на красную или черную основу наносится рисунок в виде золотых листиков и цветков на манер завиточков.

Хохлома — удивительное произведение искусства, несмотря на темные цвета, от нее исходит тепло и радость.

История жостовской росписи

Еще одним из известных видов росписи посуды является жостовская роспись. Славится она тем, что почти два столетия украшают одну вещь – это поднос. Деревня Жостово расположена в Мытищенском районе под Москвой.

В XVIII веке на Урале, где построены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Верх-Нейвинск, Невьянск), возник промысел — металлические расписные подносы.

Рождение такого промысла под Москвой было вызвано некоторыми важными факторами:

  • Русским крепостным мастером Худояровым был открыт рецепт «хрустального» лака, он не трескался на меди, дереве и железе.
  • Начало производства в Санкт-Петербурге необычной формы подносов с интересными рисунками.
  • Открытие в Жостово в 1820-е годы мастерских Ф. Н. Вишнякова. Здесь выпускали лакированные расписные изделия из папье-маше: подносы, шкатулки, табакерки, коробочки, марочницы.

Изделия выполнялись в деревнях под Москвой – Троицком, Новосельцеве, Осташкове. Только в деревне Жостово мастерских насчитывалось 22. Предметы были очень красивыми. На них изображались пейзажи, зимние тройки коней, летние прогулки, чаепития за столом. Но, к сожалению, эти вещицы оказались хрупкими и непрактичными.

Появление жостовских железных подносов

Осип, сын Филипа Вишнякова, решил больше не изготавливать папье-маше, а взялся за производство железных подносов. Как раз возрастал спрос на подносы. Они использовались как для украшения интерьера, так и по прямому назначению. Жостовские подносы были замечены в питейных заведениях, знаменитых чайных домах Москвы, трактирах, гостиницах и купеческих домах. Коллекции испанских и британских королей могут похвастать наличием жостовских подносов.

Спрос рождает предложение, и в 1960 году была основана фабрика жостовской росписи.

Секреты мастерства

Наблюдая за долгим и кропотливым процессом, можно заметить, как мастера и по сей день соблюдают старинную технику выполнения.

  • Замалевок. Основа будущего узора. На подготовленную плоскость разведенной краской делают наброски будущего рисунка.
  • Танежка. Наносятся цветные тени полупрозрачными красками. Создается видимый объем цветов и возникают теневые участки растений.
  • Прокладка цветом. Это самый ответственный этап жостовской послойной росписи. Формируется внешний облик букета, осветляется или затемняется вся композиция, определяются важные мелкие детали.
  • Бликовка. Благодаря этому действию появляются объем и свет, хорошо передается совокупность особенностей и настроение.
  • Чертежка. Финальная часть работы над изображением. Художник вручную наносит маленькие, но значительные детали.
  • Привязка. Букет как бы распространяется под фон изделия. Тонкие стебельки и усики, вырисовываются волшебным образом в единое целое и объединяются с фоном.
  • Уборка краев подноса. Борт подноса украшают всевозможными узорами. Без этого работа будет казаться незаконченной.
  • Зеркальный блеск. При помощи мелового порошка ладонями затирают поднос до блеска, потом натирают парафином, от этого изделие блестит еще больше.

Жостовские подносы существуют много лет, но среди них нет ни одного, похожего на другой.

Особенности росписи

Фон обычно выбирается черный, в редких случаях красный, синий или зеленый. Художник разрисовывает сразу несколько подносов.

Основным направлением является цветочный букет, в котором поочередно нарисованы небольшого размера полевые цветы и крупные садовые.

Узоры рисуются разведенным в прозрачном лаке или скипидаре золотым порошком или гульфаброй – белой краской, смешанной с лаком, ее присыпают алюминиевой пудрой.

По значению подносы делят на две группы: для украшения интерьера и для бытовых целей.

Городецкая роспись

Относится к одному из русских видов росписи посуды. Городецкая роспись берет свое начало в XIX веке около города Городец в Нижнегорском Заволжье, что на левом берегу Волги. Это древний русский город-крепость. Все началось с прялок, особенностью которых были донце и гребень.

Кареты, барыни, всадники, солдаты, собаки — все это украшало донца прялок. Фигурки вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее отверстие.

Городецкая роспись формировалась 50 лет. Расписывались детские каталки, стулья, короба. Пик развития промысла пришелся на 1990 год.

Мотивы росписи

Самые распространенные элементы городецкой росписи – цветы и животные. От таких изображений веет уютом и покоем.

Расписные ложки, мебель и посуда в городецком радостном стиле освежали и оживляли интерьер.

Цветочная роспись в исполнении самая простая. Выделяют несколько типов орнамента:

  • «Букет» — наносится симметрично, присутствует в основном на блюдах или разделочных досках.
  • «Гирлянда» — по центру располагаются один или два цветка, от них во все стороны распространяются более мелкие цветики и листики. Таким узором расписывают хлебницы, блюда, шкатулки.
  • «Ромб» — вид гирлянды. По центру цветок или несколько, а листики и бутоны по мере приближения к вершинам ромба уменьшаются. И располагаются на воображаемых гранях фигуры. Такими изображениями украшали сундуки, скамейки, шкафы.
  • «Цветочная полоса» — осталась еще со времен прялок. Это повторяющийся ленточный узор из цветов одного размера, разбавленных листиками. Украшают объемные изделия.
  • «Венок» — похож на «цветочную полосу». Разница в том, что он замыкается по краям крышки или блюда.

В цветочной росписи встречаются изображения птицы и коня. Обычно они нарисованы внутри цветочной гирлянды. Элементы городецкой росписи нашли свое место и в крупных вещах: панно, санях, блюдах и шкатулках.

Изображения могут быть самые разные: лихие всадники, сценки с чаепитием, красивые птицы, симпатичные девушки с собачками, экзотические львы и барсы. Чаще всего встречается гордый конь или воинственный петух.

Способ выполнения

Техника художественной росписи отличается тем, что выполняется прямо на основе из дерева. Основа грунтуется разными цветами – ярко-синим, сочным зеленым, глубоким красным.

Кистью расписывается предмет без предварительного эскиза. Художник меняет нажим кисти: то широким мазком, то кончиком, вырисовывая очередной шедевр.

История Гжели

Один из старинных гончарных районов включает в себя около 30 деревень. Называется он Гжель. Располагается под Москвой у речки Гжелки. В этих местах обнаружены богатейшие залежи глины.

О Гжели упоминается первый раз в письменных документах, датируемых 1339 г. Это была прибыльная волость и являлась собственностью князей и царей.

В XVIII веке Гжель превратилась в российский центр изготовления майолики. Столетие спустя Гжель стала производить полуфаянс, расписанный кобальтом и покрытый прозрачной глазурью. Ближе к XX столетию гжельские мастера выполняют шедевры из тонкого фаянса и фарфора, украшая его растительно-геометрическими узорами.

Тематика рисунка

В расписной посуде Гжели отражаются события, происходящие в городской и деревенской жизни, а также природные явления. Рисунки разделяются на три основных группы:

  • Растительная. Здесь вся растительность имеет стилизованный вид с основными чертами. Можно заметить ягодки, травинки, черенки, цветы и листочки.
  • Орнаментальные узоры. Оригинальные и стилизованные рисунки, в которых просматривается ассоциация и самовыражение художника. Исполняется он орнаментальными сетками – «усики», «травинки», «капельки», «гребенки» и «жемчужины».
  • Сюжетная роспись. Это катания на санях, ярмарки и времена года.

Гжель – это целое стилистическое направление, а не только узоры. Используется в производстве керамики, при оформлении дизайна одежды и интерьера.

Вот таким чудным образом возникают, «как сказочные птицы», и разлетаются по всему земному шару гжельские шедевры. Поэтому синяя птица в гжели является маркой современной росписи.

Основные черты росписи:

  • глазурирование поверхности;
  • холодный белый фон;
  • орнамент в голубых и синих тонах;
  • сложный узор или рисунок в народном стиле;
  • только ручная работа.

Каждое изделие благодаря ручной росписи — это произведение искусства. Все рисунки неповторимы.

Художественная роспись Гжели

Техника гжель требует определенных навыков. К росписи любой вещицы мастер приступает сразу после обжига. Одна из росписей в стиле гжель называется майоликой, она расписывается «пятицветкой». На белую эмаль, которая является основой, наносился рисунок.

Цвета для росписи раньше брали из солей:

  • зеленый – соль меди;
  • желтый – соль сурьмы;
  • вишневый – марганец;
  • синий – кобальт.

Вскоре от этой техники отказались и стали выполнять рисунок кобальтово-синего цвета на белоснежной основе. Для нанесения рисунка требовалось наличие таланта, шпателя, кисти, баночки с окисью кобальта. Именно кобальт дает такой чудный оттенок синего цвета, но только после обжига расписанной посуды, а сама по себе краска черная.

Сначала расписывают изделие, затем его окунают в глазурь и помещают в печь для сушки. Последний этап обжига осуществляется при температуре 1400 градусов. Глазурь превращается в тоненькую, пропускающую свет, пленку, покрывая синий рисунок.

Благодаря атмосфере народного неакадемического искусства, чистоте и самобытности узоров синяя птица гжели удостоилась быть эмблемой гжельского фарфорового завода.

В век технологий и перемен кажется милым расписным вещам нет места, а полюбоваться ими можно только в музеях. Но по сей день в государстве Российском действуют мастерские, сохранившие давние традиции художественной росписи, и продолжают радовать глаз людей, неравнодушных к такому искусству.

Современные особенности художественной росписи | Архитектура и строительство

 

Применение художественной росписи сегодня позволяет сделать интерьер более стильным и неповторимым. Благодаря настенной росписи удается реализовать любые пожелания, а также сделать декор более живописным. Такой метод оформления пространства позволяет повысить изысканность квартиры, а также обеспечить восхищение гостей. Роспись стен позволяет реализовать самые смелые мечты каждого человека.

Качественная художественная роспись стен выполняется специалистами с большим опытом работы. Они способны реализовать самые сложные задачи, благодаря которым удается изменить интерьер до неузнаваемости. ]]>На сайте]]> вы можете заказать роспись потолков, которая оживит пространство, делая его более выразительным. Стоимость такой работы остается привлекательной.

Для росписи поверхностей можно воспользоваться любой тематикой. Речь может идти о реалистичных картинах или сюжетах из истории или мифов различных народов. Становится все более популярной абстрактная графика. В этом отношении все зависит только от пожеланий заказчика.

Использовать роспись можно не только в квартирах или частных домах. Она отлично подходит для общественных заведений или офисов. Художественная роспись потолков, выполненная профессионалами, обеспечит интерьер стильным украшением на долгие годы. Для этой задачи можно воспользоваться акриловыми, темперными или масляными красками. В Википедии можно прочесть о преимуществах каждого вида красок для росписи — ]]>https://ru.wikipedia.org/wiki/Художественная_роспись.]]>

Наиболее популярными становятся акриловые краски, которые отличаются своей быстротой высыхания, а также тем, что они не обладают запахом. К тому же, акрил стойко переносит воздействие жидкости, поэтому его можно использовать во влажном пространстве. Со временем стены не будут покрываться сыростью, а для их очистки достаточно использовать слабый мыльный раствор. Такие краски можно использовать для росписи детской. Перед тем, как приступить к выполнению работ, необходимо подготовить эскиз, в котором будет отображена основная идея, что позволит специалистам точно понять ожидания заказчиков.

Особенности народного художественного промысла Гжель

За многовековую историю Гжели здесь происходило много событий и перемен. Менялась мода, требования рынка, но гжельцы от года к году совершенствовали своё мастерство, осваивая всё новые и новые технологии. Близость Москвы как центра культуры и торговли оказывала на гжельских мастеров огромное влияние. Примерно каждые 50 лет менялась мода, в том числе на предметы быта, посуду и гжельские умельцы с интересом подхватывали новые веяния. Среди множества изделий, дошедших до нас с тех пор, встречаются предметы культового, декоративного характера, игрушки. Самые умелые мастера, в которых заложена искра Божия, не могли остановиться на простых, утилитарных вещах, они делали работы более сложные или по-новому декорированные. Эти произведения становились образцом для подражания и распространялись по Гжели, варьируясь у каждого мастера. Так формировался уникальный гжельский стиль, который и сейчас остается живым, подвижным и продолжает развиваться, бережно сохраняя традиции, сформировавшиеся за долгую историю промысла.

Стройная художественная система приемов гжельского письма закреплялась в индивидуальных почерках, своеобразных манерах исполнителей. Используя в творчестве один и тот же набор живописных элементов, каждый художник создает свой индивидуальный, узнаваемый сюжет росписи: букет или отдельный цветок, архитектуру, пейзажи, животный и растительный мир, изображения людей. В сочетании с белым фоном рисунок создает ажурный узор на поверхности изделия: в центре — яркое, крупное пятно — изображение цветка, а вокруг легкая россыпь веточек с листьями и ягодками, завитков, усиков, едва различимых, уходящих в белизну фона. Лепестки цветка, выполненные одним закругляющимся мазком с тенями, складываются в пышную, округлую чашу. В ее белой середине рассыпаны мелкие точки-тычинки. Градация синего цвета придает лепесткам выпуклость, цветок словно вылеплен из лепестков-долек. Гирлянды цветов соседствуют с сетчатым орнаментом, выполняемым тонкой кистью. Сетки могут сочетать в себе чередование тонких и широких линий, перемежающихся точками.

В росписи применяется широкий кистевой мазок с его переходами от звучного, насыщенного синего цвета до размытого голубого. Краска наносится на поверхность изделия легким круговым разворотом. Белый фон становится вторым цветом, он также активен, как и сама кобальтовая роспись.

При росписи «одной кистью» каждый последующий кистевой мазок отличается от предыдущего тональной насыщенностью. Густота синего цвета меняется в зависимости от того, как расходуется краска, набранная на кисть: первые мазки получаются сочными, но по мере убывания краски светлеют. Прием чаще используется при изображении многолепестковых цветков. Изображение получает богатое тональное звучание, что придает росписи особую мягкость и объем.

Традиционный мотив гжельской росписи — птицы и петухи, трактуется как орнамент. Хвост может ассоциироваться с пышным цветком с лепестками различной величины и тональной насыщенности, туловище — бутон с волнистыми краями шея, грудь — каплевидные лепестки. Художники и живописцы, создавая свои произведения и украшая их росписью, берут сюжеты и сцены из окружающей природы и создают самостоятельные декоративные запоминающиеся образы. Дополнительные элементы придают живописной композиции своеобразный ритм.

Роспись и форма составляют единое целое в образном решении каждого изделия. Подчиняясь форме, роспись дополняет ее, придавая изделию большую основательность, подчеркивая форму, оживляя лепные детали, порой дополняет то, что было недосказано в пластике.

Художественно-стилевые особенности продукции Гжельского фарфорового завода.

Несмотря на то, что вся гжель расписывается кобальтом и выполняется в едином стиле, продукция завода в Новохаритоново имеет свой оригинальный характер. Отличительными чертами изделий являются декоративность, нарядность, эстетическая и функциональная выразительность, а также разнообразие форм. Роспись изделий отличается яркостью и контрастом кобальтовой краски с белым фоном благодаря использованию ручной подглазурной росписи кобальтом по утилю. Творческие мастера предприятия заявили о собственном лице искусства Гжели и в ассортименте, и в формах, и в росписи, и даже в технологии. Это сочетание орнаментальности изысканных разделок с живописно легким мазком, сгущающимся в темно-синее пятно, полновесная округлость народных форм с выразительно живописной, размашисто-быстрой росписью, строящейся на переходах от темно-синего густого мазка к легкости прозрачно-голубого, где имеет значение система тонких орнаментально-линейных привязок.

Фарфор завода народный по сути, его отличает простота, мягкость форм, функциональность, органично дополненная традиционной для Гжели подглазурной кобальтовой росписью.

Кроме традиционного гжельского фарфора, белого с синим рисунком, на предприятии производят «глухой кобальт» – изделия, полностью покрытые темно-синей кобальтовой краской, на которую наносится более светлый рисунок, а также цветной фарфор с многоцветной ручной росписью. Наши художники возродили многослойную технику гжельской цветочной живописи. Выпускают на заводе белый недекорированный и костяной фарфор, более твердый, тонкий и прозрачный. Изделия из костяного фарфора тоже расписывают вручную, используя для украшения дорогие материалы – золото и платину.

Полезная литература:
«Искусство Гжели», Р.Р. Мусина , 1985 г. Изд-во «Знание».
«Марки российского фарфора (1744-1917)», Р.Р. Мусина, 1995 г. Изд-во «Знание».
«Кузнецовы. Династия. Семейное дело», Е. Галкина, Р. Мусина, 2005 г. Изд-во Галерея «Времена года».
«История художественной керамики», З.С. Федорова, Р.Р. Мусина, 2010. Изд-во «МГХПУ им. Строганова».
«Российская традиционная керамика», Р.Р. Мусина, 2011 г. Изд-во «Интербук-бизнес».
«Иван Емельянович Кузнецов. Новгородский король российского фарфора», Б.А. Кузнецов, 2015 г. Изд-во «Галлея принт».

Чтобы узнать больше об истории и особенностях гжельского народного художественного промысла, приезжайте к нам в гости! Мы с радостью поделимся с вами нашей бесконечной любовью к гжельскому фарфору и людям, которые своими руками создают эти удивительные вещи.  

Вы можете заказать познавательную экскурсию на производство Гжельского фарфорового завода, мастер-класс или организовать полноценное корпоративное мероприятие! Для этого позвоните нам по телефону +7 (903) 107-21-29 (Светлана Николаевна), или пришлите заявку на почтовый адрес: [email protected].

Картины маслом на продажу | Saatchi Art

Всякий раз, когда мы думаем о картинах, большинство из нас часто начинают с воображения знаменитых картин маслом. Вероятно, это связано с тем, что большинство известных художников эпохи Возрождения, таких как Ян ван Эйк, Рафаэль, Тициан, Рубенс и Рембрандт, работали масляными красками. Их гений продолжает влиять на тысячи современных художников (и породил процветающий рынок репродукций картин маслом). Мы рекомендуем вам изучить множество оригинальных картин маслом, выставленных на продажу в Saatchi Art.Наш онлайн-инвентарь картин маслом, выставленных на продажу художником, включает в себя широкий выбор работ, которые обязательно соответствуют вашему личному стилю и пространству.

Яну ван Эйку, известному своими реалистическими портретами, такими как «Портрет Арнольфини» (1434 г.), приписывают освоение ранних масляных красок на холсте. Медленное высыхание среды позволило ван Эйку отточить мелкие, натуралистичные детали, такие как тонкие черты лица и зеркальные отражения, а также смешать вместе различные пигменты. Леонардо да Винчи также использовал масляную краску для создания тонких деталей лица в таких работах, как «Мона Лиза» (1503-1506).Французский импрессионист Клод Моне хорошо известен своей серией картин маслом на открытом воздухе с изображением водяных лилий, стогов сена, тополей и Руанского собора. Моне и другие импрессионисты быстро накладывали несколько цветов краски, чтобы запечатлеть мимолетные моменты как можно быстрее. Точно так же Винсент Ван Гог добавил толстые слои красочной краски в такие работы, как «Звездная ночь» (1889 г.) и «Подсолнухи» (1888 г.). Многие художники-модернисты создавали оригинальные картины маслом, которые подчеркивали материальность самой работы. Такие художники, как Василий Кандинский и Казимир Малевич, свели предметы к плоским, абстрактным формам в своих работах «Композиция VII» (1913) и «Черный супрематический квадрат» (1915). Абстрактные экспрессионисты, такие как Марк Ротко, также подчеркивали материальность и цвет среды в своих картинах с цветовыми блоками, таких как «No. 61 (Ржавчина и синева» (1953). Среди других известных художников маслом Тициан, Рафаэль, Диего Веласкес, Франсиско Гойя, Жан-Оноре Фрагонар, Фрэнсис Бэкон, Марк Шагал, Эдуард Мане, Гюстав Курбе, Поль Сезанн, Пабло Пикассо, Анри Матисс, Люсьен Фрейд, Жоан Миро, Пит Мондриан, и Джексон Поллок.

Художники обычно используют несколько техник масляной живописи. Ранние картины маслом создавались на деревянных панелях, но вскоре стали нормой более дешевые и универсальные холсты. Первоначально художники были ограничены рисованием в своих студиях, так как для использования им приходилось смешивать масляные краски из сырых пигментов. Доступность масляной краски, расфасованной в тюбики в 1800-х годах, облегчила этот процесс смешивания и позволила художникам работать в других условиях. Французские импрессионисты, например, быстро начали рисовать на открытом воздухе.Одной из самых распространенных техник масляной живописи является смешанная техника, при которой художник рисует холст слоями, также называемыми лессировками. Фламандские художники раннего Возрождения впервые использовали эту технику, нанося слой краски, чтобы покрыть и тонировать белую поверхность холста. Художник позволял слою высохнуть, прежде чем рисовать свою композицию на холсте. Затем они окрашивали поверхность серией цветных пятен, прежде чем смешивать пигменты вместе. Художники-импрессионисты часто использовали метод alla prima, или метод мокрого по мокрому.Поскольку они были заинтересованы в том, чтобы рисовать на открытом воздухе в течение более короткого промежутка времени, они смешивали влажную краску, прежде чем позволить каким-либо слоям высохнуть. Другие художники, в первую очередь Винсент Ван Гог, использовали технику импасто, создавая картины маслом, добавляя толстые слои краски на холст. Эта техника добавляет текстуру работе и обычно обнажает следы мазков, сделанных для ее создания. Некоторые абстрактные экспрессионисты и современные художники также известны тем, что смешивают техники масляной живописи для создания глубоких слоев смелых цветов в своих работах.

Масляная живопись зародилась в пятом веке в Азии и Афганистане, где натуральные растительные масла использовались для украшения пещерных комплексов. В Европе масляные пигменты первоначально использовались для лакировки картин темперой на яичной основе. К 15 веку это была любимая краска художников за ее яркость, смешиваемость и долговечность, и она оставалась таковой на протяжении столетий после этого. Фактически, масла постепенно вытеснили другие методы живописи в Европе эпохи Возрождения, в основном в Нидерландах и Италии. Многие великие мастера живописи — от Леонардо да Винчи до Люсьена Фрейда — использовали масло для создания своих шедевров. Даже после изобретения и популяризации быстросохнущих акриловых красок в первой половине 20-го века многие художники по-прежнему предпочитают создавать оригинальные картины маслом из-за неотъемлемых, проверенных временем свойств материала.

Современные картины на продажу | Saatchi Art

Когда искусствоведы и критики говорят о современной живописи, они обычно имеют в виду «модернистские» работы, принадлежащие западным художественным течениям между 1860-ми и 1970-ми годами (время, когда «постмодернизм» начал преобладать).Современное искусство, напротив, обычно используется для описания произведений искусства с конца Второй мировой войны до наших дней. Все работы, представленные на Saatchi Art, являются современными, поскольку они были созданы одними из самых талантливых начинающих художников, работающих сегодня. Тем не менее, поклонники современного искусства найдут на нашем сайте впечатляющий выбор современных произведений современного искусства для продажи, в том числе картины, вдохновленные импрессионизмом, кубизмом, сюрреализмом, абстрактным экспрессионизмом и многим другим.

Современное искусство возникло как реакция на резкие изменения качества социальной, экономической и культурной жизни в Европе, сопровождавшие подъем промышленности в конце 1800-х годов. Художники стремились критиковать традиционные способы изображения, в основном религиозные и аллегорические произведения по заказу правительства, смешивая элементы высокой и низкой культуры и включая в свои работы части недавно модернизированной повседневной жизни. Современные художественные картины, в частности, перешли от традиционных сюжетов и стилей, таких как портретная живопись, натюрморты и реализм, к существованию как искусству ради искусства, без обязательного обращения к объектам реального мира. Искусствовед Клемент Гринберг предположил, что модернизм направлен на демонстрацию уникальных элементов, характерных для каждого художественного средства.Таким образом, современная живопись подчеркивала плоскостность, которую может иметь только пигмент на подложке. Различные художественные течения, связанные с современной живописью, такие как кубизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, стремились к дальнейшему достижению этой цели — созданию чисто оптического мира, существующего только на плоском холсте.

Картины современного искусства делятся на несколько направлений, охватывающих годы примерно между концом 1800-х и 1950-ми годами. Импрессионисты отказались от традиционных методов рисования, заключающихся в наброске запланированных композиций и работе в студии, в пользу рисования на пленэре и нанесения слоев на толстую, влажную краску, чтобы запечатлеть мимолетный момент.Эти художники также больше сосредоточились на уличной жизни, сопровождавшей рост промышленности; странствующие фланеры и изолированные люди в многолюдных городских сценах были популярными героями их картин маслом в стиле современного искусства. Фовисты, такие как Анри Матисс, использовали произвольные, но яркие цвета в своих композициях, в то время как художники-кубисты, такие как Пабло Пикассо и Жорж Брак, делали акцент на форме, а не на содержании, создавая иллюзию пространства плоскими абстрактными плоскостями. Художники-сюрреалисты также отстранялись от внешнего мира, сосредотачиваясь на подсознательных и сновидческих сценах, хотя и с реалистической точностью. Абстрактные композиции, в том числе красочные сцены Василия Кандинского и сетки Пита Мондриана, также были популярны, поскольку они не относились к каким-либо существующим объектам в реальной жизни. Абстрактные экспрессионисты часто ассоциируются с концом модернизма и, согласно теории модернизма Клемента Гринберга, достигли самой чистой формы современной живописи. Их брызги не создавали узнаваемого сюжета, а воплощали в себе все уникальные качества живописи (пигмент на плоской подложке). Такие художники, как Джексон Поллок, также воплощали современную практику соединения низких и высоких форм культуры; он известен тем, что смешивает такие предметы, как песок, битое стекло и гвозди, с поверхностями своих капельных картин.Другие движения, связанные с современной живописью, включают футуризм, экспрессионизм, орфизм, супрематизм и прецизионизм.

Многие считают Эдуарда Мане первым современным художником за его противоречивые сюжеты и стиль. В его работах «Le Dejeuner sur l’herbe» (1862-1863) и «Olympia» (1863) заметно изображены обнаженные женщины, и они основаны на предыдущих картинах, сочетая элементы работ таких мастеров, как Рафаэль и Тициан, с традиционным портретом, натюрмортом и пейзажные стили. Точно так же Анри Матисс играл с этими жанровыми стилями в своем «Le bonheur de vivre» (1905-06).Матисс использовал яркие, произвольные цвета и искаженную перспективу, чтобы создать современную пасторальную сцену. В своих знаменитых современных картинах, таких как «Корзина с яблоками» (1893), Поль Сезанн рисовал широкими плоскими мазками, чтобы создать почти головокружительную композицию с различными плоскостями и плоской перспективой. Пабло Пикассо также играл с множественными перспективами и фрагментированным визуальным пространством в «Авиньонских девицах» (1907). Пикассо объединил низкую и высокую культуры в истинно модернистской моде, сосредоточившись в этом шедевре на группе проституток в публичном доме.Известные современные абстрактные картины включают «Композицию VII» Василия Кандинского (1913 г.), «Рождение мира» Жоана Миро (1925 г.), «Номер 1А, 1948 г.» Джексона Поллока (1948 г.) красная, синяя и желтая сетки. Среди других известных современных художников — Клод Моне, Эдгар Дега, Пьер-Огюст Ренуар, Мэри Кассат, Гюстав Кайботт, Жорж Сёра, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Роберт Делоне, Сальвадор Дали, Пол Клее, Джорджия О’Киф, Диего Ривера, Виллем. де Кунинг и Марк Ротко.

Картины на продажу | Купить картины изобразительного искусства в Интернете

Ознакомьтесь с обширным выбором оригинальных картин, выставленных на продажу или доступных для аренды. В нашей подборке представлены современные картины самых интересных художников, работающих сегодня, от картин маслом до акварели, от пейзажей до акриловых картин. Просмотрите нашу онлайн-коллекцию и откройте для себя новые картины, идеально подходящие для вашего дома.

Купить современные картины

Воспользуйтесь нашими фильтрами, чтобы найти современные картины в различных техниках и стилях художников из Великобритании и других стран.Если вы ищете яркие работы Котаро Матиямы, нежные акварельные пейзажи Тоу Тоа, смешанные портреты животных Луизы Макнот или что-то среднее, у нас есть что-то для художественных коллекций всех типов.

Мы храним беспрецедентную коллекцию картин. Мы не только предлагаем произведения искусства, воплощающие передовые эксперименты в живописи, такие как сюрреалистические работы Майкла Тирни в смешанной технике, но и с гордостью представляем ряд художников, черпающих влияние из далеко идущей истории этого искусства. Эндрю Крейн и Филип Тайлер черпают вдохновение в экспрессионизме 20-го века, в то время как Та Бирн и Стелла Капезаноу используют более традиционные репрезентативные техники, чтобы заставить нас еще раз, более глубоко взглянуть на их реальные и воображаемые предметы.

Узнайте больше о наших художниках здесь.

История современной живописи

Хотя рисование было развлечением для людей на протяжении всего нашего существования, абстрактные и концептуальные произведения искусства, которые мы сейчас видим как вневременные примеры практики, относительно современны.До 20 века художники ориентировались исключительно на репрезентативные изображения: натюрморты, портреты или природные и религиозные сюжеты. Мы видим эту тенденцию в той или иной степени в творчестве Моне, Ван Гога и других художников, определяющих эпоху. С тех пор художники проверяли пределы среды, экспериментируя с расширяющимся диапазоном сред и предметов. Тенденция к геометрическим абстрактным картинам, например, идет от пионеров, таких как Мондриан и Мартин, к современным художникам, таким как Хетти Хаксворт и Криспин Холдер. Художники, которых мы отбираем вручную, находятся в авангарде эволюции современной живописи в 21 веке.

Живопись уже давно рассматривается как средство общения, хотя и более легкое и косвенное, чем устная или письменная форма. Эдвард Хоппер однажды сказал: «Если бы вы могли выразить это словами, не было бы причин рисовать». Это все чаще происходит с появлением новых стилей и методов живописи, которые раздвигают границы репрезентации, от импрессионизма до сюрреализма и экспрессионизма.Каждое из наших произведений было выбрано потому, что оно передает в своих нюансах что-то, что недостаточно осязаемо, чтобы передать его другими средствами — от прямо репрезентативных до абстрактных и концептуальных.

Узнайте больше в нашем Путеводителе по картинам.

Картины собак на продажу | Rise Art

Откройте для себя картины собак, выставленные на продажу онлайн сегодня. Исследуйте фигуративные картины собак или сюрреалистические картины собак. Купите картины с собаками сегодня и найдите талантливые изображения лучшего друга человека, которые отражают яркую историю собак в искусстве.

Работа D13EGO Любовь Любовь Любовь размещает мопса в центре холста. Морда собаки смотрит пустым взглядом поверх банальностей в стиле граффити, как будто она полностью оторвана от своей новообретенной славы и людей, которые поклоняются этой породе.

Как и D13EGO, Стелла Капезаноу исследует абсурдность отношений человека и собаки. В своей картине с собакой, Greener Grass , художница вызывает и переворачивает традиционную сцену пикника. На фоне яркой утопической цветовой палитры у женщины нет другой человеческой компании — только ее далматинец для компании.

Картины с собаками в истории искусства

В 15-м и 16-м веках многие богатые женщины держали собак в качестве компаньонов, превращая существ в символы статуса. Когда голландский художник Ян ван Эйк включил маленькую жилистую комнатную собачку в свой культовый портрет Арнольфини , изображающий итальянского купца с женой, эта собака была намеком на высокое социальное положение пары. В «Портрете дворянки » Лавины Фонтана конца XVI века аналогичную роль играла маленькая коричнево-белая комнатная собачка.Царапая свою хозяйку, собака служила еще одним символом статуса, наряду с экстравагантным платьем няни и изысканными драгоценностями.

В последующие века роль собак в живописи изменилась, поскольку они стали символом спорта. На протяжении 1800-х годов многие картины с собаками были посвящены фоксхаундам, а произведения искусства изображали стаи гончих, несущихся над британскими пейзажами. Известные спортивные артисты, включая Джона Фернели и Генри Томаса Алкена.

В то же время другие художники отводили собакам новую и ведущую роль в своих работах.Английский художник Эдвин Генри Ландсир был известен своими картинами и портретами собак. Собака ньюфаундленда, изображенная на его фотографии . Выдающийся член Общества защиты животных , очевидно, была выжившим после кораблекрушения, который самостоятельно добрался до столицы, где он заработал репутацию за спасение людей от утопления в Темзе. В результате своего героизма он стал почетным членом Королевского общества защиты животных, вдохновив Ландсира на творчество.

Картины рыб на продажу | Rise Art

Ознакомьтесь с нашим выбором картин с изображением рыб, выставленных на продажу.С искусством, начиная от смелых и красивых работ маслом, заканчивая абстрактными картинами, готовыми повесить, у нас есть постоянно развивающийся выбор современных произведений искусства от некоторых из самых интересных художников, работающих сегодня. Откройте для себя нашу онлайн-коллекцию произведений искусства и изучите картины, отобранные нашими кураторами для вас. Если вы не знаете, с чего начать, просмотрите наши импрессионистические, иллюстративные и абстрактные картины.

Если вам нужна абстрактная картина, Виктория Хоркен накладывает масла, чтобы создать текстурные картины с экстремальным движением и направлением.В наборе «Исследование бабочки» Хоркен запечатлела мимолетный момент, в котором она скрупулезно изображает цвет рыбы и отражение света в воде. Использование Хоркеном импасто оживляет движение картины, добавляя выразительности предмету.

О картинах с рыбами

Картины с изображением рыб изображают морскую жизнь в воде или на суше и обычно сосредоточены на их физических качествах или их символическом значении. Хотя рыба и не является самым доминирующим предметом в искусстве, она остается постоянным и давним мотивом в живописи и дизайне.Изображение рыб в искусстве восходит к древней практике, когда рисунки и формы рыб были обычными чертами египетского искусства и ценились за их декоративность и мифологический оттенок в греческой и римской живописи и скульптуре. Рыба даже стала важным религиозным символом раннехристианского искусства в создании монограммы имени Иисуса, а также в представлении происхождения жизни. Рост светского искусства привел к тому, что рыбы стали популярными предметами для натюрмортов в эпоху Возрождения, где они часто появлялись в самых разных контекстах на протяжении масляной живописи 17 и 18 веков.

На рубеже 20-го века рыб рисовали современные художники, в том числе Пикассо, Матисс и Магритт. Иногда искаженные, преувеличенные и переосмысленные, а иногда детализированные и несколько идеализированные, рыбы приобретали новые формы, контексты и образы. В настоящее время изображение рыб в современных картинах часто восходит к японским и китайским рисункам рыб, где подробные изображения рыб существуют в причудливых условиях. Художник Rise Art Саймон М. Смит иллюстрирует этот сложный и узорчатый подход к созданию завораживающих картин, которые приобретают цветочные и декоративные качества.На картине Смита «Задумчивый гольян» одинокая рыба изображена на пастельном фоне, чтобы добавить повествования к этому тонкому и увлекательному произведению.

Голубой мальчик Гейнсборо: Частная жизнь шедевра

После того, как Голубой мальчик прибыл в США, он стал известен, появившись на керамике, текстиле и тысячах репродукций. То, как его интерпретировала новая принимающая страна, также зависело от ветров культурных изменений. По словам Хедквиста, формирующим эпизодом стала так называемая «лавандовая паника» в 1950-х годах, когда геи и женщины воспринимались как угроза национальной безопасности и изгонялись из государственных учреждений.Распространенные стереотипы о поведении геев, которые теперь смешны в своем невежестве, такие как кружевные манжеты и модная обувь, были названы признаками этих «внутренних врагов».

Визуальное сокращение

Это привело к появлению зловещих комедийных пародий на предполагаемое поведение геев в популярной культуре, в том числе в виде мультяшных лент. В журнале Mad Magazine за сентябрь 1970 года в одном из мультфильмов фигурирует персонаж по имени Присси Перси, которого дразнит группа спортивных американских мальчиков — финальная сцена показывает, что Перси — Синий мальчик.Скрытое послание и настроения мультфильма носят гомофобный характер; Хедквист считает это первой «прогулкой» Blue Boy. В мультфильме Денниса-угрозы, опубликованном в 1976 году, также фигурирует Голубой мальчик, где его снова назвали «неженкой».

«Появляющиеся идеи о том, как люди видят геев, очень важны для того, чтобы Синий Мальчик стал культовым образом, — говорит Хедквист, — прежде всего как источник насмешек, а затем как повторное присвоение».

Повторное присвоение произошло в форме журнала для геев, впервые опубликованного в 1974 году, под названием «Blue Boy».На обложке первого номера была фотография Дейла, боксера из Огайо, в знак уважения к шедевру Гейнсборо, хотя и без брюк и в удобно сдвинутой шляпе. Журнал, детище предпринимателя Дона Н. Эмбиндера, продолжал издаваться до декабря 2007 года и рекламировал товары и услуги, постоянным символом которых был Голубой мальчик. Он рекомендовал отели и бары, дружественные к геям, и способствовал развитию чувства общности. «Первое туристическое агентство для геев называлось Blue Boy», — объясняет Хедквист.«У них были круизы и отели, где мужчины могли быть открытыми геями, носить футболки с надписью Blue Boy и нести дорожные сумки с надписью Blue Boy. Это было полное присвоение и празднование того, что Blue Boy был геем». В период после беспорядков в Стоунволле это был вдохновляющий символ, оставивший в наследство множество гей-баров Blue Boy по всему миру.

Среда Дэмиена Херста — это арт-рынок

Присоединение Херста к мании NFT было, безусловно, разумным делом. Он продюсировал проект «Валюта» с HENI, компанией по оказанию арт-услуг, основанной Хейджем.Они заработали около 18 миллионов долларов от первоначальной продажи и, по словам Хейджа, получают еще 5 процентов от выручки от перепродажи NFT.

«У меня около 2000 человек в сети постоянно говорят о «Валюте», — сказал Херст. «Он торгуется все время: он идет вверх и вниз, в одну минуту он имеет ценность, а в следующую — нет».

«Это как быть в культе, а я лидер культа», — добавил он.

Но прибыльное увлечение Херста цветочными картинами и системами финансовой оценки превратило его в художника, который сильно отличается от провокатора, который в 1990 году загипнотизировал мир искусства «Тысячей лет» — витриной, наполненной размножающимися мухами, которые бьют над головой отрубленного теленка. голова.

Айвор Брака, частный коллекционер и дилер из Лондона, приобрел протравленную моторизованную формальдегидную работу Херста «Этот поросенок пошел на рынок, этот поросенок остался дома» на первой выставке Херста Гагосяна в 1996 году примерно за 150 000 долларов. Вскоре после этого он продал скульптуру Чарльзу Саатчи, который включил ее и «Тысячу лет» в знаменательную выставку «Сенсация» в Лондоне в 1997 году, которая представила Херста широкой публике.

«Дэмиен был одним из самых радикальных художников послевоенной Британии и как скульптор, и как мыслитель, — сказал Брака.Но последующая стратегия Херста «получить максимальную сумму денег в кратчайшие сроки не была лучшим решением», добавил он.

Под руководством предыдущего менеджера, бухгалтера Фрэнка Данфи, Херст стал мировым брендом. Он добился огромных сокращений от своих галерей, сотрудничал со своим дилером White Cube в 2007 году, чтобы выставить на рынок инкрустированный бриллиантами череп почти за 100 миллионов долларов, а затем в следующем году вообще обошел систему галерей, продав 223 работы на Sotheby’s за 200 миллионов долларов.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *