Картины как рисуют – Эскиз картины. Как придумать интересную композицию.

9 Окт

Содержание

Эскиз картины. Как придумать интересную композицию.

Приходилось ли вам создавать эскиз картины? Т.е. не рисовать картину с натуры, а придумывать свой сюжет, свою композицию по воображению?

Было? Тогда вы знаете, что когда мы сочиняем картину, перед нами встают две сложности.

Первая - что нарисовать? как сделать свою мысль понятной зрителю?

Вторая - как создать композицию, в которой всё гармонично? как нарисовать "красивую" картину?

Любой художник, прежде чем писать серьёзную картину, создаёт её эскиз.  В этом эскизе он продумывает сюжет картины, размеры и соотношение объектов, расположение персонажей, освещение, что будет главным, а что - второстепенным, и, что немаловажно, как будет двигаться глаз зрителя по картине. 

Создание картины - это долгий процесс, в котором по времени львиную долю занимает именно эскиз!

Стадии создания картины от поисковых эскизов к готовой акварели

Если вы упускаете эту стадию и сразу пытаетесь нарисовать что-то на большом холсте (листе), то вас, скорее всего, ждет разочарование. Какой бы великолепной ни была техника исполнения, картина может оказаться стереотипной, избитой, а то и вообще не гармоничной.

ТЕОРИЯ. КАК СОЗДАТЬ КРАСИВУЮ ГАРМОНИЧНУЮ КАРТИНУ?

Можно ли описать гармонию? Не придуманное ли это понятие? Ведь что одному красиво, другому может быть НЕкрасиво, скучно, пресно, безобразно.

Как измерить гармонию?

История мирового искусства говорит, что это возможно. Существуют определённые законы, правила и принципы, которые позволяют нам создать гармоничное произведение. Они описаны в науке, названной композицией.

Что отвечает за гармонию в картине?

На мой взгляд, это как минимум четыре основных базовых элемента:

1. СООТВЕТСТВИЕ ВСЕХ ЭЛЕМЕНТОВ КАРТИНЫ ВАШЕЙ ИДЕЕ

Это означает, что что бы вы не взяли в картине: образы персонажей, их жесты и мимика, взаимосвязи между ними, тональное и цветовое решение картины, какие-то отдельные детали - всё это должно работать на раскрытие образа, раскрытие идеи картины.

В картине не должно быть ничего случайного, "инородного".

2. БАЛАНС

В картине всё должно находиться в композиционном равновесии.

Если картина асимметрична, то мы должны какими-то элементами восстанавливать баланс, чтобы в целом картина смотрелась уравновешенной и не вызывала внутреннего дисбаланса.

3. ЦВЕТОВАЯ ГАРМОНИЯ

Цвета, которые присутствуют в картине, должны быть созвучны друг с другом и соответствовать идее картины.

4. ЦЕЛЬНОСТЬ

Простым языком понятие цельности картины можно выразить как «ни убавить, ни прибавить...»

В картине не должно быть дробности, второстепенные элементы должны подчиняться главным и работать на общую идею и ясность восприятия.

Пожалуй, это самое сложное для объяснения понятие. Поэтому я расширю его.

Что составляет цельность картины?

Я выделила такие составляющие:

Ритм

Повторение элементов, цветовых пятен, линий, движений. Ритм обязательно должен быть в картине в любом качестве как некое структурирующее начало.

Композиционный центр.

Это фокусная точка, куда взгляд зрителя чаще всего возвращается, и именно в этом месте художник располагает смысловой центр, что непосредственно выражает идею. Очень важно для создания цельности, чтобы композиционный центр доминировал, а все остальные элементы ему подчинялись.

Движение глаз по картине (пластика).

Художник может направить взгляд зрителя, заставить его двигаться по нужной траектории, от одного элемента картины к другому. Эта траектория движения глаза позволяет зрителю воспринимать картину ясно и цельно, "прочитать" её идею.

Обучение композиции - процесс не сиюминутный. Он требует и знания теории, и самостоятельной практики сочинения картин.

Основы композиции мы изучаем в онлайн Школе Изобразительного искусства на протяжении года.  

Передать все эти знания в одном мастер-классе не получится.

Но я попытаюсь объяснить вам самые основы композиции и набросать схему ваших действий при создании эскиза картины.

И давайте сразу совместим теорию с практикой! Так будет понятнее.


ПРАКТИКА. СОЧИНяем КАРТИНу по шагам.

Чтобы разобраться в вопросах композиции, давайте пройдет весь путь вместе.

Я буду рассказывать вам о композиционных приёмах, а вы будете создавать картину, выбирая тот или иной способ.

Сочинять картину мы будем на примере... снеговика.

Это достаточно простой образ, но в то же время он человекообразный и может выражать эмоции. Это даст возможность сделать вашу картину интересной и одновременно не сложной в исполнении.

Возьмите карандаш и несколько листов бумаги. Начнём!

Шаг 1. ИДЕЯ

Прежде чем рисовать эскиз, следует задуматься о том, какова идея картины.

О чем она?  Что будет изображено на картине?

В нашем случае для картинки со снеговиком я предлагаю вам составить список всего того, что может делать ваш снеговик, например, дарить подарки, рисовать, дирижировать, лежать, падать, скользить... 

Не пытайтесь продумывать композицию и вспоминать конкретные картинки, просто "набросайте" десяток глаголов действия.

Остановите свой выбор на том варианте, который более откликается или же сделайте выбор вслепую!

Поиски идеи картины в эскизе Светланы Ланских

Готово? Выбрали?

Тогда идём дальше!

Шаг 2. ВЫБОР ФОРМАТА

У каждого формата есть свои особенности. Выбирая формат для своей картины, задумайтесь, какой из них лучше передает вашу идею?

  • Горизонтальный формат отображает движение вширь. Он хорош для изображения пейзажей с полями и лесами, объектов более протяжённых в длину, чем в высоту.

  • Вертикальный формат показывает нам высокое, подчёркивает движение вверх. И если горизонтальный показывает нам нечто материальное, то вертикальный намекает на возвышенное и духовное.

  • Квадратный формат. В нём пропорции равны, он замкнут сам на себя, никуда не спешит, не торопится или неподвижен. Выражает ощущение стабильности, уюта, покоя.

Продумайте, какой из этих форматов лучше передаст действие, которое вы определили глаголом в шаге 1.

Отделите этот формат на листе небольшим прямоугольничком размером около 10 см по одной стороне. Это удобный компактный вариант размера для эскиза.

В дальнейшем я бы порекомендовала вам не останавливаться на одном виде формата, а сделать несколько эскизов, опробовав свою композицию в разных.

Эскизы Галины Селивоненко

Шаг 3. РАЗМЕР ПЕРСОНАЖА В КАРТИНЕ

Теперь задумаемся о размере изображения в заданном формате. 

Какие здесь варианты?

Маленький объект и много фона.

Хорош, когда важно показать не сам объект, а движение в картине, то, что там проис-ходит, весь рассказ. В этом случае мы не можем подробно рассмотреть персонаж, и детальная прорисовка образа не важна, но важны поза, силуэт и цвет. Очень важен фон.

  • Равнозначный с фоном
  • Укрупнение, обрез

Одинаковые по массе изображения объекта и фона.

В этом случае фона меньше, больше внима-ния уделяется персонажу и, соответственно, мы больше его прорабатываем. Здесь упор будет на позу, пропорции фигуры, элементы одежды.

Очень сильно укрупняем персонажа, фон минимален.

Фактически мы обрезаем персонажа, и это должно быть чем-то обусловлено. Тут важны эмоции, мелкие детали, а фон совсем неважен, его можно задать абстрактными цветовыми пятнами.

Подумайте, какой вариант лучше подойдет для раскрытия идеи вашей истории?

Эскизы Надежды Кораблевой

Шаг 4. РАСПОЛОЖЕНИЕ ОБЪЕКТА НА КАРТИННОЙ ПЛОСКОСТИ

Персонажа вы можете расположить в разных частях картины. При этом восприниматься персонаж и сама картина уже будут по-разному.

Расположение в центре. 

Самое элементарное и логическое - расположение в центре.

Наш взгляд сразу попадает в центр картины. Мы видим персонажа и ни на что не отвлекаемся.

На краю формата. Если мы ставим объект на край формата, то он сразу вываливается из нашего внимания, если в центре есть другой объект. Однако, если в центре пусто, а сам персонаж близок к раме, то это очень сильное положение, он буквально притягивает к себе внимание, потому что эти края стремятся войти в реальность, соприкасаются с ней.

Такой вариант хорош для стенгазет, но в целом такое положение следует избегать, его сложно уравновесить.

Квадранты. Запомните!

Правый нижний угол весит больше, чем левый верхний. Мы должны больше нагружать левую сторону, чтобы создать равновесную картину. В левую часть мы ставим более тяжёлые объекты и двигаем их больше к верхней части, которая для нас более лёгкая.

Золотое сечение. 

Ещё один выигрышный вариант – расположение объекта на линии золотого сечения. Персонаж на линии золотого сечения воспринимается нами как главный, он гармоничен и уместен.

Помните о балансе в асимметрии! Смещая объект от центра, думайте, как его уравновесить.

Эскизы Антонины Нужных

Прежде, чем вы разместите своего снеговика, подумайте ещё вот о чём:

Подсказка! ПРИЕМ, КАК ПЕРЕДАТЬ ДВИЖЕНИЕ В КАРТИНЕ 

  • Диагональ. Любая диагональ в картине уже задаёт движение.
  • Если диагональ идёт из левого верхнего угла в правый нижний, то у вас возникает ощущение, что это движение с горы вниз, по аналогии с движением глаза.
  • Если же диагональ идёт из левого нижнего в правый верхний угол, то получается движение вверх, наш снеговик уже не едет, а идёт в гору.

Линии в целом задают движение. Если их несколько, даже горизонтальных, то будет возникать ощущение движения. Это могут быть не только линии, а объект или элементы, имеющие протяжённость и наш взгляд будет устремляться по движению этих форм.

  • Сгущение-разряжение элементов. 

    Элементы могут выстраиваться в формы, сгущаясь или разряжаясь, тем самым показывая движение.

  • Эффект мультипликации. 

    Когда одинаковые объекты находятся в разных позах и на разных расстояниях друг от друга тоже возникает эффект движения.

А вот теперь, когда вы определились с расположением персонажа, можно смело рисовать снеговика, добавлять детали, фон.

Рекомендую не останавливаться на одном эскизе и сделать ещё несколько вариантов размещения персонажа в листе, его размера и движения.

Помните, что первый эскиз, чаще всего, получается очень банальным и стереотипным. Чем больше вы будете спрашивать себя "а как это можно сделать по-другому?", "а как это может быть выразительнее?", тем интереснее может получиться композиция.

Итак, мы сделали первые шаги в искусстве композиции.  

Буду рада, если вы задумаетесь над вопросами создания эскиза картины и будете больше экспериментировать с вариантами композиции. Изучайте законы, правила и приёмы композиции - это поможет вам создавать ваши собственные  уникальные картины!

Больше информации по композиции:

Поделитесь этим мастер-классом в соцсетях, сохраните ссылку на будущее:

izo-life.ru

Рисуем огромные картины на холсте – мастер-класс для начинающих и профессионалов

Меня зовут Ирина Чезова. Я рисую картины акрилловыми красками на холстах. Мой любимый размер - более метра.

Предлагаю всем мастер-класс по созданию диптиха из двух картин 80см х 130см на тему весны - одуванчики и незабудки.

Каркасные работы предлагаю оставить за кадром. Я делаю все сама и при этом мечтаю, чтобы это делал кто-то другой .

На компьютере в Кореле я нарисовала макет (наброски на бумаге я не делаю уже лет 15, как раз с тех пор как в мою жизнь вошел корел) это существенно ускоряет творческий процесс. Я сразу вижу композицию и цвета.

Начала с того, что максимально подробно перенесла рисунок с макета на холст карандашом. Причем я делаю это просто глядя на экран компьютера. Не всегда готовый рисунок совпадает с кореловским, да это и не нужно. В процессе приходят новые идеи.

Далее по карандашу сделала рельефный контур густой акриловой краской.

И ещё раз загрунтовала.

Нанесла цветной фон - я смешиваю 5-6 красок для каждого мазка.

Расписываю графические элементы, незабудки, тени под объемный одуванчик.

Закрыть картины лаком.

Вот и готовые уже.

www.livemaster.ru

Картины как фото - Топ-25 художников - гиперреалистов

Эти художники удивляют своим талантом и способами, которыми они создают свои гиперреалистичные картины. В это трудно поверить, но это не фото, а настоящие картины, нарисованные карандашом, красками и даже шариковыми ручками. Мы не понимаем, как у них это получается?! Просто наслаждайтесь их творчеством.

Омар Ортиз (Omar Oritz) — художник-гиперреалист из Мексики, бакалавр графического дизайна. Основной сюжет его картин — человеческие фигуры, в основном обнаженные женщины. На картине художник выделяет три элемента: фигуру человека, драпированные ткани, белый цвет. Особенность работ Омара — минималистический стиль, лаконизм в передаче тонких изгибов и линий тела, работа маслом.

Пол Кадден (Paul Cadden) — современный художник мирового уровня из Шотландии. Для своих работ Пол использует лишь белый мел и графит, с помощью которых может воссоздать практически любую фотографию, уделяя внимание незаметным мелким деталям. Как признается сам художник, он не придумывает новых деталей, а лишь подчеркивает их, тем самым создавая иллюзию новой реальности, которую зачастую не видно на оригинальных фотографиях.

Камалки Лауреано (Kamalky Laureano) — художник родился в Доминиканской Республике в 1983 году, в настоящее время живет и работает в Мехико. Камалки окончил школу дизайна и искусств, специализируется на создании гиперреалистичных портретов. Сюжеты сложно отличить от настоящих фото, хотя они написаны акриловыми красками на холсте. Для автора его работы — не просто подражание фотографиям, а целая жизнь, воплощенная на холсте.

Грегори Тилкер (Gregory Thielker) — родился в Нью-Джерси в 1979 году, изучал историю искусств и живопись в Вашингтонском университете. Переезд в Бостон стал отправной точной в его работе над гиперрреалистичными городскими пейзажами, которые сделали его знаменитым на весь мир. Картины Тилкера — это путешествие на машине в холодный дождливый день. Вдохновленный работами художников 70-х, автор создает свои реалистичные картины при помощи акварели и масляных красок.

Ли Прайс (Lee Price) — художница из Нью-Йорка, окончила университет по специальности живопись, занимается фигуративной живописью. Основной сюжет работ Ли — непростое отношении женщин к еде. Зритель словно со стороны наблюдает за женщинами, которые в тайне едят что-то вкусное, но вредное. Сама художница говорит, что в своих работах пытается показать тот факт, что женщины наделяют еду не присущими ей качествами, ищут утешение в неподходящем источнике. На картинах передана абсурдность ситуации, попытка сбежать от реальности, облегчить неприятные ощущения.

Бен Вайнер (Ben Weiner) родился 10 ноября 1980 года в Бёрлингтоне, Вермонт, окончил университет искусств, рисует маслом на холсте. Особенность работ художника — необычный сюжет. Бен рисует краски! Сначала художник наносит краски на рабочую поверхность, фотографирует их, а затем с готового фото пишет картину на холсте.

Ray Hare родился в 1950 году в Северной Калифорнии, известен своими реалистичными акриловыми изображениями на холсте. В детстве автор делил любовь к рисованию с успехами в спорте, но травма спины определила основной род деятельности Рэя. Как признался художник, рисование отвлекало его от постоянных болей в спине. Мастер еще в юные годы получил широкое признание и множество наград на художественных конкурсах.

Алисса Монкс (Alyssa Monks) живёт и создает свои картины в Бруклине, приобрела широкую известность благодаря своим реалистичным «мокрым» картинам. Художница использует такие фильтры, как вода, стекло или пар для создания абстрактных конструкций. Для работы Алисса часто использует фотографии из личных архивов родных и друзей. Женские лица и фигуры на картинах похожи между собой — художница часто рисует автопортреты, так как утверждает, что ей так «проще» создавать необходимый сюжет.

Педро Кампос (Pedro Campos) — гиперреалист из Мадрида, начал писать картины маслом лишь в возрасте 30 лет. Свои реалистичные натюрморты художник создает при помощи масляной краски. Кампос работал дизайнером интерьеров, иллюстратором, художественным реставратором мебели, скульптур и картин. Художник считает, что именно работа реставратором помогла ему отточить свое мастерство.

Дирк Дзимирский (Dirk Dzimirsky) — художник из Германии, родился в 1969 году, получил художественное образование, работает в карандашной технике. Художник рисует картины с фотографий, не вдаваясь в мельчайшие подробности, много импровизирует. Дирк говорит, что работая над картиной, он представляет живую модель, поэтому фото он использует лишь для доскональной передачи заранее установленных пропорций. Своей главной задачей автор считает создание ощущения присутствия субъекта на картине.

Томас Арвид (Thomas Arvid) — американский художник-гиперреалист из Нью-Орлеана, который родился и вырос в Детройте, не имеет никакого формального образования, мастер так называемого «негабаритного» натюрморта. Его серия реалистичных картин «Винный погреб» — это пробки, бутылки, бокалы с искрящимися или густо-красными напитками. Авторитетные критики и издания отметили более 70 работ художника. Картины мастера украшают не только стены виноделен и престижных винных салонов, но и частные коллекции и галереи.

Робин Элей (Robin Eley) родился в Британии, вырос и продолжает жить и работать в Австралии, имеет степень бакалавра изобразительных искусств, награжден Национальной портретной премией Doug Moran. Свои гиперреалистичные картины он создает маслом, а основным «коньком» считает сюжет «люди и целофан». Мастер работает над одной картиной примерно 5 недель по 90 часов в неделю, практически каждая картина изображает людей, обёрнутых в целлофан.

Сэмюэль Сильва (Samuel Silva) — португальский художник-любитель без специального образования, который на личном примере доказывает, что создать шедевр можно из чего угодно. При создании картин художник использует палитру из восьми цветов шариковых ручек от фирмы Bic. По профессии Сильва юрист, а свое увлечение рисованием считает не более чем хобби. Сегодня известный во всем мире художник-самоучка осваивает новые техники живописи при помощи красок, мела, цветных карандашей, пастели и др.

Готфрид Хельнвайн (Gottfried Helnwein) — австрийский художник, автор гиперреалистичных картин на социальные, политические и исторические темы, «мастер неожиданного узнавания», как назвал его писатель У. Берроуз. Автор получил образование в Венской академии изобразительных искусств, относится к художникам высокого профессионального уровня. Славу ему принесли в некоторой степени спорные сюжеты, сюрреалистические композиции. Нередко мастер изображал на своих картинах героев комиксов и признается, что «узнал от Дональда Дака больше, чем во всех школах, в которых учился».

Франко Клун (Franco Clun) — итальянский художник-самоучка, который всем другим художественным техникам предпочитает рисунок графитом. Его черно-белые реалистичные картины — это результат самостоятельного изучения Франко различной литературы по технике рисования.

Кельвин Окафор (Kelvin Okafor) — художник-гиперреалист, родился в 1985 году, живет и работает в Лондоне. Кельвин получил образование по специальности изящное искусство в Middlesex University. Свои картины автор создает простым карандашом, основная тематика его работ — портреты знаменитостей.

Эми Робинс (Amy Robins) — британская художница, которая для своих гиперреалистичных работ использует цветные карандаши и плотную бумагу. Художница имеет образование в области искусства и дизайна, степень бакалавра изобразительного искусства, живет и работает в Бристоле. Про молодого автора известно мало, но ее работы уже успели прославиться на весь мир, поражая своей реалистичностью и техникой исполнения.

Роберт Лонго (Robert Longo) — американский художник и скульптор, родился в Бруклине в 1953 году, награжден легендарной премией Goslar Kaiser Ring. Свои трехмерные изображения ядерных взрывов, смерчей, ураганов и акул художник рисует углем на бумаге. Лонго часто называют «художником смерти». Знаменитая картина Untitled (Skull Island) с изображением волны была продана на аукционе Christie’s в Лондоне за $392 тыс.

Диего Фацио (Diego Fazio) — художник-самоучка, родился в 1989 году в Италии, не имеет художественного образования, начинал с разработок эскизов для татуировок, со временем разработал свою технику рисования. Молодой художник был участником многих международных конкурсов, где занимал призовые места, представлялся на выставках по всему миру. Художник работает под псевдонимом DiegoKoi.

Брайан Друри (Bryan Drury) родился в 1980 году в Солт-Лейк-Сити, имеет диплом об окончании Нью-Йоркской Академии Искусств, создает картины в жанре реализма. Свои картины художник пишет при помощи масляных красок. Как признается автор, в своих работах он пытается фокусироваться на органических качествах кожи, ее недостатках.

Стив Миллс (Steve Mills) — американский художник, который в 11 лет продал свою первую картину. Свои картины художник создает масляными красками, акцентируя внимание на мельчайших деталях повседневной жизни, которые мы зачастую не замечаем в вечной спешке. Художник отмечает, что изображает предметы такими, какие они есть в реальной жизни, без изменения и преувеличения их первоначальной формы.

Пол Лунг (Paul Lung) родился в Гонконге, рисует автоматическим карандашом на листах формата А2. Особенность техники создания картин — принципиальный отказ от использования ластика, все работы рисуются начисто. Главные «музы» художника — кошки, хотя он рисует и людей и других животных. На каждую работу у автора уходит не меньше 40 часов.

Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) родился в Италии, увлекся гиперреализмом в 19 лет, работал в качестве реставратора в церкви Сан-Франческо. Для создания картин использует масляные краски. Мировую славу художнику принесла серия работ, изображающая предметы, характерные для общества потребления. Картины со сладостями, торговыми автоматами, полками холодильника — визитная карточка художника, хотя в его арсенале есть пейзажи, натюрморты и многое другое.

Хуан Франсиско Касас (Juan Francisco Casas) — испанский художник, который создает свои картины обычной шариковой ручкой марки Bic. Касас был традиционным художником, который решил доказать окружающим, что важен не материал для работы, а способ и техника рисования. Первая же выставка креативного испанца принесла ему мировую славу. В основном на картинах Касаса изображены его друзья.

Тереза Эллиотт (Teresa Elliott) – американская художница, которая до создания реалистичных картин маслом, на протяжении 26 лет успешно работала иллюстратором. Тереза имеет степень бакалавра изящных искусств, вернувшись к классическому искусству, стала знаменита во всем мире благодаря своим правдивым до мельчайших деталей портретам.

art-holst.com.ua

Как рисовать модульные картины маслом? Первые шаги при создании модульных картин!

Модульные картины состоят из нескольких частей (из двух и более), связанных общей тематикой или сюжетом. Из-за разделения целостного изображения на части такие картины также называют сегментированными. Модули сегментированной картины вешаются на стену на небольшом расстоянии друг от друга.

Это авангардное веяние искусства, поэтому модульные экспозиции считаются в некотором роде «модерном»: в современных интерьерах они смотрятся замечательно.

Дизайн картины может быть самый разный, поэтому сегментированные экспозиции подходят для многих помещений: дома, рабочего места, развлекательного заведения, и т.д.

Модульные картины уже давно стали модными в Европе, но мода на них в России появилась только в последнее время. Российские художники-дизайнеры быстро и довольно успешно осваивают технику модульного искусства, поэтому основные принципы ими уже выработаны.

Первые шаги при создании модульных картин

Определить количество сегментов. Первое, что делает художник, когда начинает рисовать модульную картину, – это определяет, сколько будет самих сегментов. Делается это исходя из размеров стены и специфики изображения. Форм сегментированной картины может быть предостаточно. Блоков обычно три или четыре, но может быть и больше (3-4 — это самое оптимальное их количество).

 

Разметить холст. Как правило, пишутся модульные экспозиции маслом или акрилом. К началу работы должен быть подготовленный под модули холст, приблизительно размеченный тем рисунком, который впоследствии будет нарисован.

 

Где будет картина? Многие художники во время написания своего творения не задумываются над тем, где эта картина будет находиться, а это на самом деле самое важное. Модульные картины – это в большей степени интерьерные вещи, поэтому необходимо заранее разработать цветовую гамму, которая будет идеально сочетаться с интерьером помещения. Для больницы, к примеру, подойдут небесно-голубые или бежевые тона. А для университета, например,что-то более яркое: оранжевые, красные, желтые, все теплые цвета.

 

Пара слов об исполнении картины. Конечно, картины пишутся также маслом или акрилом. Но иногда при создании модульной картины авторы пользуются обычными принтерами или принтерами для ткани, с помощью которых выводят уже готовые изображения в печать. Если техника хорошая, с первого взгляда будет даже не заметно, что картинка искусственная. Большинство дизайнеров уже после вывода в печать заканчивают свои творения как раз с помощью красок.

 

Кстати: экспозиция, выполненная не на холсте собственными руками, в итоге мало в чем проигрывает. Cуществует мнение, что писать картины – это уже не в моде, что их заменила фотография. Отчасти это правда, но я с этим не согласен. Все же, создание картин — это искусство, которое будет жить вечно. Масло, холст — традиционные благородные материалы, которых не заменит никакая современная фотография.

Что нужно учесть при создании картины

Как уже говорилось выше, перед созданием модульных картин следует подумать, где они будут располагаться.

Специалисты рекомендуют делать сегментированные картины либо темнее, либо светлее основной палитры комнаты. Экспозиции одного цвета со стеной будут теряться. К тому же, должен быть обязательный яркий элемент, который придаст изюминку интерьеру помещения.

Слишком крупный план

Не рекомендуется выбирать слишком крупное изображение. Например, на этом фото (рисунок слева) цветок взят слишком крупным планом. Вблизи может быть вообще непонятно, что это.

 

Более удачная композиция

На этом рисунке можно увидеть целостное завершенное изображение правильного размера. Цветовая гамма картины с оформление помещения и мебелью не сочетаются. Тем не менее, есть диванные подушечки, вместе с которыми модульная картина создает совсем другой вид.

Оформление картины

Примечательно, что модульные картины не требуют багета. Поэтому при написании картины следует продумать, как сделать торцы картины аккуратно. Конечно, можно обрамить картину в небольшую металлическую рамку, которая будет едва видна. А можно наклеить скотч, который удаляется после завершения картины.

masterkrasok.ru

Карандашные рисунки от лучших художников мира

Карандашный рисунок – это один из старейших видов рисования. Рисование карандашом требует от художника не только таланта, но и понимания того, как использовать карандаш для иллюстрации объектов. Оно также требует умения анализировать света и тени на объекте. Сегодня мы представим вашему вниманию чрезвычайно талантливых художников, настоящих мастеров в умении рисовать карандашом, а так же покажем великолепные примеры их картин.


Ниже будут представлены художники, которые знамениты на весь мир благодаря своему умению рисовать обычным грифельным карандашом. У каждого из них, есть свой стиль, индивидуальность, а так же, излюбленные темы для творчества. Кроме того, имя каждого автора является еще и ссылкой на персональную онлайн-галерею художника, где вы сможете более подробно и детально изучить карандашные рисунки и биографию каждого из них.
Просматривая изображения, вы заметите некоторые интересные особенности в картинах каждого. Одни отличаются мягкостью линий, плавными переходами свето-тени и обтекаемыми формами. Другие наоборот, применяют в творчестве жесткие линии и четкие штрихи, которые создают драматический эффект.
Ранее, на нашем сайте, мы уже публиковали изображения некоторых мастеров. Вот список статей, где вы сможете увидеть не менее привлекательные карандашные рисунки.

JD Hillberry

Природные способности и сильное желание привлечь внимание к своему творчеству появилось у JD Hillberry еще в детстве. Стремление и талант сделали мастера одним из лучших художников карандашного рисунка в мире. Еще во время обучения в Вайоминге, он начал развивать свою собственную технику, смешивая уголь и графит, для достижения фото реалистичного эффекта в своих рисунках. JD использует монохроматический свет для привлечения внимания зрителя на игре светотеней и текстуры. На протяжении своей карьеры, он попытался выйти за пределы реализма и экспрессии. После переезда в Колорадо в 1989 году, Hillberry начал экспериментировать с рисунками-обманками. Традиционно, этот вид работ осуществляется маслом, но он успешно передал реалистичность сюжета и с помощью карандаша. Зритель, глядя на такие изображения, обманывается, думая, что объект находится в рамке, или в окне, хотя на самом деле все эти элементы нарисованы. Работая в своей студии в Вестминстере, штат Колорадо, JD Hillberry продолжает расширять восприятие общественности своими рисунками.

Брайан Duey

Брайан один из самых удивительных художников карандашного рисунка, который прекрасно взаимодействует с карандашом, создавая вдохновляющие произведения искусства. Вот, что он сам говорит о своем творчестве и о себе:
"Меня зовут Брайан Duey. Я родился и вырос в Гранд-Рапидс, штат Мичиган. Я посещал государственную школу в небольшой деревне под названием Гранвиль, где впервые познакомился с искусством. Я никогда не думал о серьезности своего увлечения, но обнаружил сильную тягу к рисованию карандашом в 20 лет. Я один сидел в своем доме, и от скуки решил взять в руки карандаш и начать рисовать. Я сразу же влюбился в рисование и хотел делать это все время. С каждым рисунком у меня получалось все лучше и лучше. Я разработал свою собственную технику и оригинальные трюки во время работы. Я стремлюсь создавать реалистичные рисунки и добавлять мои собственные концептуальные идеи. Меня часто спрашивают, что меня вдохновляет, и где я научился рисовать. Я могу открыто заявить, что я самоучка.
Мои иллюстрации были опубликованы в книгах и на поздравительных открытках, на обложках компакт-дисков и в различных журналах. Я занимаюсь коммерческой работой с 2005 года, и за это время обзавелся клиентами по всему миру. Большинство моих заказов поступают из Соединенных Штатов, Великобритании и Канады, но я так же сотрудничаю с заказчиками из Ирландии. Мои картины были показаны в галереях Соединенных Штатов. В 2007 году меня попросили написать портрет Бритни Спирс, который был включен в художественную галерею в Голливуде, штат Калифорния. Это событие было освещено на MTV и я получил мировую известность. Я не собираюсь останавливаться на достигнутом и продолжаю работать. У меня есть новые идеи и планы. Одна из моих целей на будущее это публикация обучающей книги по рисованию.

Т. С. Абэ

Хотя мы не нашли много произведений Абэ, по ее иллюстрациям видно, что это мастер высокого класса. Художница превосходно владеет карандашом и умело изображает сложные идеи, применяя свои собственные методы. Картины Абэ гармоничные и сбалансированные, сложные и в то же время, простые для восприятия. Она одной из самых талантливых художниц карандашного рисунка нашего времени.

Цезарь Дель Валь (Cesar Del Valle)

Художник в своих произведениях использует особую уникальную технику рисования карандашом. Иллюстрации Цезаря не только показывают его талант, а еще и отражают тонкое восприятие автором окружающей среды.

Хенрик (Henrik)

Работы Хенрика представлены в Картинной галерее искусств Deviant. Его рисунки – это интересный пример карандашного искусства. Мастер чудесным образом использует черно-белые тона для передачи оригинальных образов и необычных идей.

Линда Хабер (Linda Huber)

Ее картины отличаются мягкими линиями и плавными переходами между оттенками. Все иллюстрации художницы окутаны неповторимым ореолом таинственности и магии.

Мы надеемся, что вам понравились карандашные рисунки, представленные в этой статье, и они вдохновят вас на создание собственных иллюстраций. Не бойтесь создавать что-то новое. Удачи!

По материалам сайта www.graphicmania.net

Facebook

Вконтакте

Twitter

Pinterest

Одноклассники

cameralabs.org

Как начать писать картины и перестать боятся: 8 заблуждений, блокирующих мозг

Знаете, друзья, я хорошо понимаю, как сложно принять решение учиться рисовать и самому написать картину на холсте. Нас останавливает множество страхов и сомнений, в итоге мы подавляем свои желания, оставляя их нереализованными, а себя —неудовлетворенными и даже где-то несчастными.

 Я хочу вам дать небольшой совет, как написать картину самому: посмотрите страхам в лицо, разберите их по кисточкам и поймите, что для них нет реальных оснований.

 «Ах, я всегда хотела научиться рисовать!» – услышала я такую фразу от молодой женщины. «А что вам мешает начать учиться рисовать, помимо нехватки времени и денег?»  – тогда спросила я. Ответ был прост

Мы  настолько окружены страхами, стереотипами и также заблуждениями по поводу себя и своего места в этом мире,
что просто боимся сделать шаг на встречу неизвесности! 

У многих людей имеются психологические блоки, которые мешают им начать писать картины

 Мне приходилось общаться со многими людьми, которые хотели учиться живописи, и большая часть была не уверена в себе. Хотя все мы разные, оказалось, что у нас одинаковые страхи.

Давайте разбираться, что мешает вам рисовать. И что делать, чтобы все-таки начать и получать от этого удовольствие.

 1. Боязнь чистого холста

 Многих мучает страх неопределенности: с чего начать, что вообще нарисовать? Что делать в первую очередь, а что — после. Поверьте, эта боязнь мучает и состоявшихся художников. Пустота привлекает избыточное внимание, блокируя фантазию.

Вариантов начать, на самом деле, много: сделать подмалевок, рисунок карандашом, просто сделать фон — и холст уже не будет чистым. Такие способы, кстати, выбирают многие мастера, когда решают, как начать писать картины.

Не бойтесь испачкать холст и кисти! Если вы еще не приобрели кисти, то вам поможет статья-подсказка на эту тему

 2. Боязнь не идеально написать картину на холсте

 Страх разочарования от несоответствия результата задумке есть в любом новом деле. Лучше всех по этому поводу высказался Сальвадор Дали:

«Не бойтесь совершенства. Вам его не достичь. Тем более, что в совершенстве нет ничего хорошего.»

 Помните: вы творите для себя, для удовольствия от процесса, для того, чтобы научиться писать ещё лучше. Именно тот холст, который сейчас перед вами, и именно так картина, которая получится, будет лучшей из того, что именно вы сейчас можете сделать.

Поэтому начинайте и посмотрите, что получится. Возможно, методика правополушарного рисование, это то, с чего вам нужно начать? Где нет логики, а есть только ваши чувства….

Проявления креативности может быть в разной форме

3. Страх незавершенности

  Возможно,вы обратили внимание на то, что я люблю работать с большими холстами,.. Но, большие полотна пугают иногда и профессионалов. Конечно, без опыта страшно планировать картину, которой нужно посвятить десятки и даже сотни часов. Но ведь всегда можно начинать с маленьких картин или вовсе миниатюр на нескольких квадратных сантиметрах. А эпическое полотно пишут по частям, прорабатывая отдельные участки. Читайте о быстрой технике Алла прима и ее особенностях, многие начинающие художники, начинают свой творческий путь именно с нее.

 Но даже работа на маленьком холсте, может вызвать чувство незаконченности работы.

Чувство незавершенности  характерно многим — почти каждый художник, разглядывая свою работу, хотел бы что-нибудь туда добавить,… нужно вовремя остановиться и оставить картину в покое … и приступить к следующему чистому, новому холсту

 У меня бывает так, что после нескольких часов работы над картиною , подсознательно я понимаю, что она не закончена, оставляю ее просыхать, отвернув ее к стене, чтобы не отвлекала… А спустя какое то время, развернув ее, я удивленно восклицаю:« Да, ты милая, готова, чтобы поставить тебя в раму!» 

 4. Боязнь рассказать о себе слишком много на холсте.

 Если вам страшно, что подсознание выдаст нечто тайное, о чем никому не хочется говорить, просто не показывайте картину публике. Воспринимайте рисование как целебную терапию, как хобби, которое приносит радость.

Картины разные нужны, картины разные важны

 Позже вы поймёте, что именно ваши чувства, эмоции, впечатления и даже страхи и комплексы — это именно то, что будет отличать ваши картины от картин других художников.

Именно этим и прославились великие мастера: на всех их картинах можно видеть, что мучило или радовало автора при написании. И как хорошо, что эти картины могут видеть все!

5.  Я не умею

 Порой мы зацикливаемся на отсутствии способностей: координации, глазомера, фантазии, вкуса, таланта. Но когда-то мы не умели говорить, писать, готовить…

Запомните: всему можно научиться, и каждый имеет право на обучение. А лучшее обучение — это практика…  Прочитайте статью- мотивашку об художнике без рук, она поднимет вам самооценку и заставит глубже задуматься над данным вопросом

 6. Страх ошибиться и потерять лицо

 По сути это боязнь критики. Не бойтесь быть оцененными! Нарастите панцирь от критики внутри себя и со стороны. Каждый имеет право на ошибку. И о вкусах, как известно, не спорят.

Да и учимся мы и совершенствуемся, как правило, только путем своих проб и ошибок

 Помните: больше всего критикуют самых выдающихся людей! Не бойтесь КРИтикИ — даже в негативной критике можно разглядеть плюсы в вашу пользу

 7. Уже поздно

 Думаете, рисованием нужно заниматься с детства, а для взрослых это постыдно? Но ведь вы состоялись как личность и как профессионал в своем деле! Вам не нужно ничего доказывать рисованием. У вас есть право на самовыражение и вы не обязаны создавать шедевр.

  Ведь поздно никогда не бывает… и потом, вечный вопрос : « А  когда же, если не сейчас?»  Знаю точно, что изъедает и разрушает человека изнутри и не дает ему покоя — это сожаление…

Попробуйте, скажите Да новому начинанию, ведь НЕТ, вы всегда сможете скажать, без сожаления

 К тому же, живопись — это не художественная гимнастика, и именно с возрастом к нам приходят многие качества и умения, которые находят отражение на холсте.

8.  Это только для творческих людей

 Кто-то считает их небожителями, а кто-то — неуспешными, непрактичными или даже порочными. Не стоить клеить ярлыки. Каждый человек — творец, только в своей области. И если вам хочется писать, возможно, вы — тоже творческая личность, но ещё сами об этом не знаете.

В любом случае, рисование может быть приятным хобби. Ведь это не столько результат, сколько приятный процесс, своеобразная медитация. А как доказывает практика, любимое занятие, может со временем приносить доход. Как заработать на хобби узнайте сами.

Рисование одно из самых приятных хобби

 Позвольте себе просто отдохнуть за холстом, писать так, как вы чиркали ручкой в школьной тетради на скучном уроке. А потом, когда свыкнитесь с ощущением, что написать картину на холсте — это не страшно, начнёте делать это более осознанно.

Перед тем как начать писать картины, честно поговорите с собой, чтобы полностью убрать внутренний негатив и оставить для старта только положительные эмоции.

 Если вы очень хотите творить, но не знаете, как самому нарисовать картину, я с удовольствием подскажу, с чего начать. Можете начать свое творчество с моего  бесплатного видео- урока Поверьте, законченный рисунок — это радость, которая навсегда останется в вашем сердце!

На десерт видео-рассуждение: если вы уже разобрались со страхами, то сейчас подходящее время ответить на вопрос «Как развить творческие способности?» 

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

www.viktoria-latka.com

Как животные рисуют картины, или непредвзятая красота

Уважаемые друзья, подписчики и посетители сайта!

На своем сайте я пишу статьи на тему живописи и искусства, а также о разных техниках и художниках, которые привлекли мое внимание. «А как насчет животных, которые тоже рисуют?» — подумала я,.. так и решила собрать самых интересных художников, на мой взгляд, из друзей наших меньших!

Многие люди с большим снисхождением и скептицизмом относятся к идее о том, что животные могут рисовать. Всё-таки, считается, что животные лишены абстрактного мышления, то есть не могут манипулировать образами, а именно это необходимо для создания картин.

И тем не менее, многие животные рисуют и получают от этого настоящее удовольствие. Кто-то скажет: мол, это все не живопись, а просто забава, и животные-художники не вкладывают в свои произведения никакого смысла.

Но быть может именно картины, нарисованные животными, позволяют заглянуть в глубины подсознания, перестать ограничивать себя строгими правилами живописи, взглянуть на творчество братьев наших меньших, как на отображение древних инстинктов?

Многие животные рисуют с огромным удовольствием

К тому же, животные свободны от рамок общественной морали и навязываемых принципов, и потому их картины — это олицетворение свободы чувств и эмоций.

В любом случае, факт остается фактом – животные рисуют и им это нравится, и скажем больше – у них это хорошо получается. Как бы такая живопись ни отличалась от признанной, она состоялась, как явление, и многие животные стали известными и популярными именно за счёт того, что рисуют картины.

Например, человекообразные обезьяны одни из первых проявили себя в живописи. Эти животные рисуют с удовольствием и с большой охотой. Видно, что для них это действительно очень интересно и увлекательно, и некоторые обезьяны рисуют постоянно и занимаются этим, как любимым хобби.

В некоторых странах на Юго-Востоке Азии рисованием занимаются слоны. Если вы были в Таиланде или на Шри-Ланке, то могли видеть таких творческих гигантов.

Более того, склонностью к рисованию отличаются не только сухопутные животные. Те, кто был в дельфинариях, могли видеть, как дельфин рисует картину, наполовину вынырнув из воды. Это удивительное зрелище, которое завораживает и покоряет.

Особенно впечатляют рисующие дельфины, у которых сильно развито чувство интуиции

Рисунки дельфина Каси, проживающего в московском дельфинарии, вызывают восхищение у всех людей, посещающих её представления. Рисование картин входит даже в один из номеров, в которых участвует Кася.

Вообще примечательно, что картины, нарисованные дельфинами, сильно разнятся от одного животного-художника к другому. Одни дельфины любят густые мазки и яркие цвета, другие склонны рисовать только очень контрастным черным цветом и делают это очень аккуратно, тонкими короткими штрихами или вовсе точками.

Да и у одного дельфина картины могут разниться в зависимости от его настроения.
Но это далеко не все примеры: животных, рисующих картины, огромное множество

 Животные-художники, которые создают шедевры

Художницы  Московского зоопарка — самки орангутан Чапа и Лича имеют стаж художника вот уже более 15 лет! Внушительно, не правда ли? Всерьез увлечены рисованием и пишут картины с большим удовольствием.

Получая лист бумаги и мелки, художницы-самоучки самостоятельно выбирают цвета, причём этот выбор зависит от настроения.

После этого приступают к творческому процессу, рисуя очень задумчиво, старательно, не торопясь. Если же настроения нет, к мелкам они не притрагиваются: по-видемому, для творчества нужно такое же вдохновение, как и человеку-художнику.

Над созданием одной работы орангутан может до 20 минут

Шедевры слонов  – это очень необычные сюжеты.  Взяв кисть в хобот, слоны  понимают, что необходимо делать, занятие сильно увлекает животных – так говорят дрессировщики про свою воспитанников.

Наилучшие художники это Тайские слоны. Они поражают своими способностями и демонстрируют экстраординарные способности художника.

Наблюдение за слонами показало, что каждый слон может иметь свою манеру воспроизведения сюжета, от  совершено простых до достаточно сложных соединений

Некоторые  работы слонов  приобретают любители абстракционизма или оригинального творчества, стоимость такой картины может дойти до 12000 долларов

Осознанный процесс работы и прорисовывание картины этап за этапом

Но не только слоны, шимпанзе, орангутаны и дельфины занимаются изобразительным искусством. Живописью увлекаются собаки, лошади, свиньи, вороны и множество других животных — скорее всего, любое животное, которое поддаётся дрессировке, можно увлечь рисованием.

Например, талантливый пес по кличке Сэм радует людей своим абстрактным творчеством, создавая картины с кистью в зубах. Причем сегодня это уже не просто увлечение, а доходное дело: собака рисует картины, за каждую из которых платят до $1700.

Хозяйка собаки взяла  домой будущего художника из питомника в помощь в доме, поэтому посчитала обойтись благородно с деньгами, полученными Семом за свой труд… Она отдает их в тренировочные центры для дрессировки собак- помошников.

Для Сема смастерили специальную кисть с держателем

Конь-художник Чолла из Невады поразил своим талантом весь мир. Он впервые проявил свой талант при покраске обычного забора на ранчо, где, собственно, и живёт. После чего владелица животного купила мольберт, кисти и краски. Удовольствию животного не было границ…

Но главное — животные-художники рисуют действительно занимательные картины. Не все, конечно, и не всегда, но у многих животных-художников получаются такие произведения, которые действительно радуют глаз человека.

Многие рисунки мустанга Чолли посетили даже выставки

Глядя на творчество животных, возникает куча вопросов:  «Понимают ли они нарисованные формы ?», «Чувствуют ли цвет так, как чувствуем его мы?»  И главный вопрос : «Что происходит в голове животного в это время?» 

Тот факт, что цвет играет огромную роль в жизни человека, научно доказан, и что окружая себя определенным цветом, мы становимся или счастливее и здоровее или наоборот, подавленными, раздраженными…. А как чувствует цвет животное?

Человек ведь тоже не всегда был таким, эволюция сделала свое дело и вместе с ним развивалось и художество от первобытных людей до современного человека

Некоторые картины, нарисованные животными, покупают не просто любители, но настоящие ценители творчества. И кто знает, быть может, когда-нибудь в живописи появится целое направление с картинами, создаваемыми только братьями нашими меньшими.

А что думаете вы ? Зачем нужно творчество животным?

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладкахТак вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

www.viktoria-latka.com

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *