Французская художница: «Женщинам пора понять, что рожать им не обязательно» — Bird In Flight

29 Авг

Содержание

«Женщинам пора понять, что рожать им не обязательно» — Bird In Flight

Многие знают вас как художницу, которая читала философские трактаты во время операции. Какие свои работы вы считаете знаковыми?

Я очень горжусь той работой, рада, что когда-то легла под скальпель. Я была первой, кто поднял тему красоты: это не то, что нам навязывают. Я решилась вставить импланты над бровями. Если кто-то будет описывать меня как женщину с двумя горбами на висках, то можно подумать, что я очень страшная. Но если вы меня увидите, то поймете, что это не так.

Эта работа наделала много шума. Ее транслировали в прямом эфире в Центре Жоржа Помпиду. Да, тот перформанс слегка затмил мои предыдущие работы и даже те, которые я делала потом. Но это ни хорошо, ни плохо.

В одном из своих интервью вы сказали, что боль — это анахронизм. Что вы имели в виду?

В современном обществе понятие боли ушло на второй план. В Библии написано: ты будешь рожать детей в страдании — но сегодня есть эпидуральная анестезия.

Боли нет. Я ненавижу боль. Люблю удовольствие. Философия «чтобы очиститься, нужно страдать», мне не свойственна.

Марина Абрамович недавно приезжала в Киев. Она считает, что боль — важная составляющая перформанса.

Мой сценарий — сказать «нет» боли. Я уважаю Марину Абрамович и Яна Фабра, для которых боль является чем-то важным, восхищаюсь их работами. Но для меня это художники, которые продолжают делать так, как делали в 70-е годы, когда расширяли представление о теле, когда игрались с болевым порогом и с тем, что можно делать с телом, а чего нельзя. Это не мой путь.

Некоторым современным художникам помогают целые армии ассистентов, которые создают арт-объекты по эскизам и зарисовкам. Как построена ваша работа?

Моя жизнь очень тяжелая, потому что у меня мало ассистентов. В нашем современном мире так: у кого больше ассистентов, тот больше выставляется. Часто это касается художников-мужчин, у которых иногда по 200-300 «маленьких китайцев».

Сейчас у меня два стажера, которых я обучаю. Если бы не они, я бы упала. Но даже с их помощью я не могу справиться со всей работой. Я занимаюсь не только перформансами, но и создаю много пластических объектов, даю большое количество интервью. Еще нужно работать над статьями. Мы заняты целыми днями. Я постоянно путешествую — в Париже, где находится моя студия, я бываю не так часто.

Французская художница провела мастер-класс для юных астраханцев

Накануне священного праздника в картинной галерее прошел мастер-класс «Рождественские птицы». Его участниками стали ребята из многодетных семей и реабилитационных центров. С детьми работала художница и скульптур из Франции Элизабет Брайнос. За движениями мастера следил наш корреспондент.

На листе одна за другой появляются 6 нарисованных птиц. Позже они станут единой композицией. Полина Писаренко легко справляется с задачей, ведь рисование одно из любимых занятий девочки.

— Мне подарили на новый год два альбома и профессиональный маркер, чтобы рисовать.
— Уже воспользовалась этим подарком?
— Да
— Что рисовала, что обычно рисуешь?
— Акулу рисовала, цветы могу нарисовать.
— То есть что из природы?
— Да.

В картинной галерее собрались порядка 20 юных любителей искусства. Они создавали мобиль — это скульптура с движущимися частями. Звучит сложно, но на деле совсем не так. В основе произведения могут быть разные фигуры, но в этот раз выбор пал именно на птиц.
«Сейчас карантин по всей Европе, в России то же частично. Невозможно куда-то сходить. А птицы — это символ полета, свободы. Мобил — это символ движения. И мы с вами видим с каким увлечением ребята выполняют этот мастер-класс под руководством французской художницы», — отмечает заведующая отделом зарубежного искусства Астраханской картинной галереи Наталья Березина.

Элизабет Брайнос в Астрахани не впервые. В картинной галерее проходили выставки художницы. В этот раз все желающие смогут увидеть новую работу под названием «Нежность». Эта фигура символизирует материнство. Создать такое произведение стоит больших трудов.
«Изначально она была восковая, потом это все отлили в бронзе. Была очень большая работа для того, чтобы все это украсить камнями, чтобы она приняла ту форму, которая была задумана», — рассказывает французская художница Элизабет Брайнос.

Фигура выставляется всего 3 дня, по 7 января включительно. Также посетители в рамках выставки «Вечные ценности» смогут увидеть более 30 произведений: это живописные и графические работы, скульптуры и изделия из фарфора разных лет. Все работы объединены одной тематикой — единство семьи, материнская любовь и духовная привязанность к национальным традициям.

Выставка продлится до 13 января в зале зарубежного искусства Астраханской картинной галереи.

Элизабет Луиза Виже-Лебрен — 75 произведений

Мари-Элизабет-Луиза Виже-Лебрен, также Виже-Лебрён (фр.  Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun; 16 апреля 1755, Париж — 30 марта 1842, там же) — французская художница, мастер светского портрета, автор подробных воспоминаний. Дочь портретиста Луи Виже[en], сестра писателя Этьена Виже[en] и супруга художника Жан-Батиста Лебрена[fr]. Любимая художница королевы Марии-Антуанетты, после революции Виже-Лебрен была вынуждена покинуть Францию. В конце 1790-х годов работала в России.

Училась живописи у своего отца, художника Луи Виже[en]. После его смерти в 1767 году начала заниматься у Франсуа Дуайена, бывшего другом семьи. В 1769 году по его совету начала брать уроки у Габриэля Бриара[fr], которые способствовали её прогрессу. Благодаря тому, что Бриар, будучи членом Королевской академии живописи, имел мастерскую в Лувре, Виже смогла познакомиться с такими мастерами, как Жан-Батист Грёз и Жозеф Верне, которые также помогали ей советами. Уже в конце 1760-х годов она рисовала вполне профессионально: косвенным свидетельством её успеха может служить тот факт, что её мастерская была закрыта властями из-за отсутствия у юной художницы патента.

В 1770-х годах семья Виже обосновалась в доме на парижской улице Сент-Оноре[fr], напротив дворца Пале-Рояль, и к 15-летней художнице начали поступать заказы. В тот период Виже находилась под покровительством двух богатейших дам Парижа: мадам де Верден, супруги генерального откупщика, и, что более важно, принцессы Марии-Аделаиды де Бурбон-Пентьевр, супруги герцога Шартрского, которая была на 2 года старше юной художницы. Виже часто отклоняла заказы портретов от поклонников, которые таким способом пытались найти повод для встречи. Выйдя из семьи мелкой буржуазии, Виже заняла место среди влиятельных аристократов французского королевства, в числе которых был король и его братья и сёстры, а также королева и видные члены королевской семьи; их объединяла принадлежность к одному поколению.

В 1776 г. Виже вышла замуж за художника и торговца живописью Жан-Батиста Лебрена[fr]. Связи мужа, происходившего из семьи Шарля Лебрена, усилили популярность юной портретистки в среде французской знати, и в конце концов Виже-Лебрен была приглашена в Версаль рисовать королеву. Мария-Антуанетта высоко оценила работу художницы и начала давать ей новые заказы. В 1783 году благодаря её влиянию Виже-Лебрен была избрана в члены Королевской академии живописи и скульптуры.

C 1780-х гг. Виже-Лебрен много ездила по Европе (часто вместе с мужем), работая в разных странах. В этих поездках ею были написаны портреты многих царственных особ, государственных деятелей и иных заметных фигур: так, в Голландии Виже-Лебрен писала будущего короля Виллема I, в России в 1795—1799 гг. — последнего польского короля Станислава Понятовского, великую княгиню Анну Федоровну (жену великого князя Константина Павловича) и других членов императорского семейства. В различных странах Виже-Лебрён также избиралась в местные Академии художеств.

Переждав таким образом Великую Французскую революцию, Виже-Лебрен вернулась во Францию по приглашению Наполеона и до 1814 г. жила, главным образом, в своём поместье в Лувесьене, а когда с наступлением войск союзников на Париж поместье было занято прусской армией, вернулась в Париж. Виже-Лебрён оставила пространные мемуары, опубликованные во Франции в 1835—1837 гг., российская часть которых «Воспоминания г-жи Виже-Лебрен о пребывании её в Санкт-Петербурге и Москве, 1795—1801: С приложением её писем к княгине Куракиной» переведена и опубликована по-русски (СПб.: Искусство-СПб., 2004. — 298 с.).

Виже-Лебрен оставила 660 портретов и около 200 пейзажей. Манера письма её ясная и точная, едва ли не наибольшей живостью отличаются автопортреты, которые она писала много и охотно.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →


ещё …

как выглядит студия французской художницы Клер Баслер — Планета Флористики

Думаю, многие видели или представляют, как выглядит студия художников. Зачастую, это просторное светлое место, где повсюду разбросаны материалы для работы, использованные кисти с подсохшей краской, бесчисленное количество холстов вдоль стен, красочные пятна на полу, в общем, выражение «творческий хаос» — точно про них.

Однако не в этот раз.

Потому что Château de Beauvoir по достоинству называют самой красивой студией художника в мире, к этому признанию присоединяется ещё и её не менее потрясающий дом. А причиной этому являются цветы, которые окружают художницу повсюду и находятся в самых разных местах, начиная от холста и заканчивая стеной, вазой, или даже садом.

Французская художница Клер Баслер живет и творит в волшебном месте, которое вдохновляет её на создание цветочных работ. Началось это с того, что около пяти лет тому назад Клер и ее друг Пьер стали владельцами Château De Beauvoir, построенного в XII веке. На протяжении многих лет шато, в котором 40 комнат, оставалось заброшенным, поэтому чтобы восстановить его, они приложили немалые усилия. Когда речь зашла об отделке стен, Клер пожелала расписать их собственноручно. Это решение далось ей непросто, ведь художница понимала, что в случае переезда ей не удастся забрать эти «картины» с собой. Однако она пришла к выводу, что превратит свой дом в своеобразный шоу-рум, где потенциальные покупатели увидят, как они смогут распоряжаться работами Клер.

Расписав стены нескольких комнат, художница заметила, что живопись на холсте и на стенах выглядит и воспринимается совершенно по-разному. Картины, написанные на стенах, показались ей более живыми и наполненными куда большей жизненной силой, таким образом комнаты полностью преобразились. Приятным бонусом стало и то, что помещения перестали выглядеть пустыми, несмотря на минимальное количество мебели.

Навигация по записям

Voglio Bene / французская художница Бенедикт Пикколильо / цифровой арт ,коллажи — Арт

Bénédicte Piccolillo

«Пышные цифровые портреты ,наполненные буйными растениями, амброзийными фруктами, позолоченной лепниной и податливой плотью с татуировками до максимума


Примерно так я представляю себе рай …
Я проделала эту работу очень давно. Это типичный мой стиль работы. Павлин, я всегда работала над павлинами, я работала над ним в течение многих лет, мне нравится его цвет и его изящество
Попугаи, которые очень часто присутствуют в моих животных композициях, статуи и цветы создают среду в ультра-буколическом стиле  Я закрыла сцену красивыми синими занавесками с великолепным золотым орнаментом.
Я представляю свежий и опьяняющий аромат всех этих цветов и звуки этой прекрасной природы. Я назвала эту работу «Рай».


План родился в результате объединения опыта фотографии и графического дизайна
Название их бренда художественного дизайна,

Voglio Bene,

на итальянском означает
«Я люблю тебя, желаю тебе всего наилучшего»
Художники повторно анимированы в  цифровых коллажах.

Мое внимание всегда привлекают религиозные сцены, Мадонны, цветочные композиции и некоторые животные, но особенно мне нравятся женские портреты! Тело объекта — часто женского — должно быть обнажено, потому что я люблю делать им татуировки. Мне также нравится духовность, которая проявляется в некоторых исторических произведениях искусства, а также в поэзии.


Иногда достаточно одной детали, чтобы привлечь мое внимание, например пронзительного взгляда маленькой девочки Петруса Кристуса (в его «Портрете девушки» 1470 года), а также трещин на ее лице.


Обычно у меня уходит всего несколько минут, чтобы выстроить в голове художественную концепцию. После этого создание коллажа на моем планшете обычно занимает от 10 до 15 часов.


В моей работе много женщин, которые представляют меня




Я люблю мир татуировок и получила свою первую татуировку в 18 лет Картины с татуировками на протяжении многих лет были важной частью моей фирменной эстетики — некоторые из моих муз носят цифровые версии татуировок, которые есть на моей собственной коже. Часто татуировки, включенные в мои коллажи, представляют личные и значимые сообщения. Мне нравится сексуальность,  которую они могут придать произведению искусства, имеющему историческое происхождение






Классическая живопись всегда вдохновляла меня, особенно в последние 4 года. Когда я начала создавать цифровые коллажи с историческим искусством в 2018 г


Я стараюсь сохранить суть каждой оригинальной работы,
при этом обновляя ее, чтобы она соответствовала современным представлениям.

Бренд Voglio Bene основан на идее демонстрации художественного почтения великим мастерам прошлого

Художники эпохи Возрождения создавали гиперреалистичные  работы, используя всего несколько пигментов, деревянную доску в качестве опоры и элементарные кисти — вот и все!


Мне просто жизненно необходим творческий процесс. Создавая что-то, я чувствую себя хорошо, и я верю, что с помощью своего искусства могу передавать другим людям положительную энергию.

На данный момент я создала пятнадцать коллажей городского искусства, от маленьких до монументальных. Я буду продолжать делать это.Положительное послание на стене, включающее рисунки и добрые слова, — это меняющий жизнь акт любви, который может поднять настроение другим.»


Website | Instagram | Facebook

Французская художница-сюрреалист Anne Bachelier: vakin — LiveJournal

 Анна Башелье родилась 20 февраля 1949 в Louvigne du Desert  во Франции.   Художница изучала искусство и живопись в École des Beaux-Arts, La Seyne-sur-Mer с 1966 до 1969, затем изучала гравюры в гравюрной мастерской в Valence  с 1974 до 1975. С 1989  она стала выставлять свои работы во Франции и в Соединенных Штатах. Живописец, printmaker, художник постановок балета и иллюстратор, Anne Bachelier  живет и работает около Гренобля во Франции (Grenoble, France).


Mots Sortilèges
Magic Words


Больше двадцати пяти лет современная французская  художница сюрреалист  Anne Bachelier описывает  фантазии и сны на холсте. Она была названна ‘очаровательной Шехерезададой искусства’ (Gallery & Studio). Такая  репутация  у художнины установилась на многочисленных международных выставках , где Anne Bachelier участвовала с её постоянно растущей галереей волшебниц, химер и других мифических существ.

Анна Башелье (Anne Bachelier) — замечательный иллюстратор книг, она иллюстрировала «The Phantom of the Opera / La Fantôme de l’Opéra», Alice’s Adventures in Wonderland /,»Through the Looking Glass and What Alice Found There», «The Princess of Wax «, и эти работы стали событием в художественном мире и получили самые высокие оценки критиков. «The Princess of Wax»- биографическая книга о Маркизе Луизе Казати – культовой фигуре европейского масштаба первой трети 20 в.


Из отзывов об иллюстрациях к этой книге, выполненных Анной Башелье :

«Венеция Маркизы Казати  в этом кошмаре стиля Эдгара По, никогда не была настолько очаровательной и декадентской. Иллюстрации Анны Башелье настолько ирреальны с такими удивительными подробностями, что своею необычностью они помогают зрительно совершить необыкновенное путешевствие в бесконечный мир интриг, гламура, навязчивых идей, роковой любви, жестокости и превратностей судьбы. »

Авторы книги Scot D. Ryersson & Michael Orlando Yaccarino:

«Anne Bachelier была нашим единственным выбором для этого рассказа в живописи о любови, магии и фантастической истории . На самом деле, мы написали всё это для нее. Великолепная работа, которую она проделала, удивила нас, превысив все наши самые лучшие ожидания».

Anne Bachelier:

«Я представляю мир «Принцессы из Воска/La Princesse de Cire/The Princess of  Wax» как вечный жуткий танец, прерванный мнговениями нежности»



Passe le temps sur la belle au bois dormant
Time Passes for Sleeping Beauty<


De l’autre côté du monde
From the Other Side of the World


La Procession des ombres blessées
The Procession of Wounded Shadows


Elle ne peut te voir / Она тебя не  видит.


Les Mondes Chrysalides
The Chyrsalis World


Au delà de la grande porte
To Beyond the Great Door


Ce Monde fait de silence
This Silent World


Les Pèlerins du vent
Pilgrims of the Wind


Je Guiderai tes pas dans le labyrinthe
I Will Guide You Through the Labyrinth


L’Envol
The Abduction


C’est une ile dans la brume
It is an Island in the Mist


J’Irai jusqu’au bout du monde
I Am Going Just to the End fo the World


La Confidence des papillons
The Confidence of Butterflies


Les Regrets
Regrets


Arrivera le grand navire
The Great Ship Will Arrive


L’Ensorcelé
The Bewitcher


 Garde toi des être de la brume
Beware of That Which Inhabits the Mist


Les Veilleurs / Ночные дозорные


A L’Aube
At Dawn


Le Chat sorcier / Хитрый кот


Le Bal des ombres / Бал теней


Le Poids de sa chevelure
The Weight of Her Hair

Источник — Live Memory

Французская художница отсортировала по видам известных персонажей из попкультуры: 11 команд | Modern art & Fun

Линда Будербала – иллюстратор и дизайнер персонажей. Она работает арт-директором в одном из Парижских рекламных агентств. В свободное время Линда рисует потрясающие арты для своего Инстаграм.

Я увлекаюсь поп-культурой настолько, что меня можно назвать настоящим гиком. Самое приятное для меня – это возвращение к героям моего детства.
Линда Будербала

В своей последней серии работ художница решила объединить по видам популярных персонажей животных в одном рисунке. Работы выглядят так, будто персонажи собрались для больших семейных фото.

Для некоторых команд одного рисунка оказалось мало. Сможете угадать, каких, прежде чем начнёте листать статью дальше?

1. Команда Львов

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

2. Команда медведей

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

3.

Команда пандФото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

4. Команда зайчиков

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

5. уток:

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

6. Команда слонов

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

7. Команда лягушек и жаб

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

8. Команда обезьян

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

9. Команда свиней

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

10. Команда черепах

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

11.

Команда крокодиловФото: instagram.com/linda_bouderbala/

Фото: instagram.com/linda_bouderbala/

Какая команда ближе вам по духу и где вы смогли узнать больше персонажей? Напишите в комментариях!
А если вы хотите узнавать больше о креативных людях, поставьте лайк и подпишитесь на канал,чтобы не пропускать наши публикации.

Ещё по теме:

10 известных французских художников, о которых вы должны знать

Помимо изысканных вин и изысканных блюд, Франция была колыбелью изобразительного искусства, где известные французские художники, такие как Дега, Моне, Ренуар и Матисс, оставили неизгладимый след в мире искусство и не только. Но еще до современной эпохи французские художники, скульпторы и архитекторы процветали под королевским и аристократическим покровительством, украшая мир множеством шедевров, которые являются частью истории искусства, о которых до сих пор говорят.

Итак, кто же является одним из самых выдающихся французских мастеров и как они стали широко известны?

Вот наш список из 10 самых известных французских художников вместе с их знаменитыми картинами, которые заняли свое место в истории искусства.

#1 Клод Моне

Отец импрессионистов и, возможно, один из самых известных французских художников всех времен, Клод Моне не стал бы художником, если бы не его мать.Родившийся в семье довольно богатого корабельного торговца, Клод Моне должен был взять на себя семейный бизнес. Однако благодаря огромной поддержке матери он поступил в школу искусств в Гавре и начал изучать живопись.

Хотя поначалу это ему не удалось, после того, как он познакомился с пленэрной картиной Эжена Будена, он предпринял амбициозный ландшафтный проект, чтобы задокументировать все тонкости французской сельской местности. Его Impression, Sunrise , появившиеся примерно в то же время, породили совершенно новое художественное движение с названием импрессионизм, происходящим от самой картины.

#2 Эдуард Мане

Эдуард Мане, родившийся в семье высшего сословия, богатой как материальным богатством, так и политическим влиянием, имел светлое и безбедное будущее. Его родители хотели, чтобы он продолжил карьеру юриста, но у Эдуара Мане были другие планы. Воодушевленный своим дядей, он начал учиться живописи у Томаса Кутюра. Путешествуя по миру или, по крайней мере, по местам, известным своим зрелищным искусством, Эдуард Мане открыл собственную студию и начал серию реалистичных картин, в том числе два своих самых узнаваемых шедевра: «Завтрак на траве» и «Олимпия ».

Уникальный стиль Эдуара Мане состоял из грубой кисти, в которой отсутствовали традиционные детали и переходные тона, характерные для преобладающего реализма того времени. Его работы считались чрезвычайно спорными и послужили основой, на которой был основан импрессионизм. Сегодня Эдуарда Мане повсеместно считают отцом модернизма, первооткрывателем, который не боялся рисковать не для того, чтобы очаровать публику, а ради чистого эстетического удовольствия. Его рекордная картина « Весна » является прекрасным примером этих идей.

#3 Анри Матисс

Анри Матисса часто считают одним из двух самых выдающихся и влиятельных художников 20-го века (второй — не кто иной, как Пабло Пикассо). Несмотря на то, что он добился оглушительного успеха в других областях искусства, таких как рисование и скульптура, в первую очередь он известен своим уникальным стилем, называемым интенсивным колоризмом. Он был пионером в уплощении и упрощении форм, в то же время экспериментируя с высокодекоративными, строгими узорами, украшающими его работы.

После того, как рак приковал его к постели, рисовать и лепить стало практически невозможно. Не имея возможности выразить себя, как раньше, Анри Матисс обратился к новому средству – вырезанию из бумаги коллажа. Располагая фигуры, вырезанные из больших листов бумаги, подготовленных его учениками и помощниками, он смог создать яркие произведения на границе живописи и скульптуры. Развивая эту идею, искусство Матисса стало заполнять целые стены или даже комнаты, не связанные традиционными ограничениями среды. Примерами таких работ являются знаменитые Океания, Небо и Океания, Море.

#4 Поль Гоген

Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем? через Википедию

Произведения Поля Гогена, появившиеся в результате революционных потрясений 1848 года в Европе, должны были быть такими же революционными, как и время, в которое он родился. Совершенно не оцененный и отвергнутый своими сверстниками, он, возможно, был слишком авангардным на их вкус. Теперь он широко известен как один из основоположников экспериментального использования цвета, присущего синтетическому стилю, который позже вдохновил таких художников, как Пабло Пикассо и Анри Матисс.

Уникальный стиль Гогена развивался годами под влиянием его путешествий в экзотические уголки мира, такие как Таити и Мартиника. Он известен тем, что использует аналогичные цвета в непосредственной близости, создавая красивые, хотя и кажущиеся приглушенными картины. То, как он рисовал своих персонажей, напоминает японские гравюры на дереве, приобретая их наивность и грубую форму.

#5 Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек, наиболее известный своими изображениями ночной жизни Парижа 19 века, был плодовитым иллюстратором, художником и карикатуристом, тесно связанным с периодом постимпрессионизма.Благородный по происхождению, он с детства страдал от недостатка здоровья. Это помешало ему включиться в обычную деятельность сверстников, а впоследствии позволило погрузиться в мир искусства.

Анри де Тулуз-Лотрек был мастером показывать людей в их естественной рабочей среде, в основном из тех слоев общества, которые великие художники того времени обычно упускали из виду: проституток и других участников парижской ночной жизни. Мастер массовых сцен, способный изобразить десятки людей, каждый из которых очень индивидуален, он уникально подходил для демонстрации движения и безвкусицы, которые его очень очаровывали.Примером такой работы является знаменитый Марсель Лендер, танцующая болеро в Хильперике .

#6 Поль Сезанн

Работы Поля Сезанна, которые часто называют мостом между импрессионизмом и кубизмом, сразу же узнаются любым энтузиастом искусства благодаря его революционному стилю живописи. Несмотря на то, что он был полностью очарован молодыми импрессионистами своего времени, он не смог установить с ними связь, выглядя грубым, грубым и подавленным. Вместо этого он установил связь с помощью своей работы, в одиночку изобретя экспрессионизм и переместив мир искусства в совершенно новую эпоху.

Несмотря на то, что его часто высмеивают и отвергают современные критики, Поль Сезанн считается одним из великих художников, оказавших глубокое влияние на будущие поколения живописцев. Он смог придать твердую, но податливую форму самой природе. Пикассо часто называл Поля Сезанна своим единственным мастером, прекрасно понимая, что без работ Сезанна современное искусство было бы уже не таким, как раньше.

#7 Пьер-Огюст Ренуар

Один из самых изобретательных и продуктивных художников всех времен, Пьер-Огюст Ренуар был одним из тех, кто породил и оказал дальнейшее влияние на импрессионистское движение.Известный прежде всего своим вниманием к женской красоте и чувственности, он был мастером показывать людей в частных ситуациях, создавая яркие образы с помощью своего командного использования света и цвета.

Его эксперименты со структурой тени вместе с Клодом Моне ознаменовали первый этап стиля Ренуара, который часто хвалили за его блестящее и тонкое смешивание персонажей с их окружением. Он перешел к типично импрессионистским пейзажам, кульминацией которых стало его, пожалуй, самое известное произведение искусства, Bal du moulin de la Galette .

#8 Огюст Роден

Избегая традиционного подхода к подражанию греческой скульптуре, Огюст Роден, пожалуй, самый известный французский скульптор, которого часто называют отцом современной скульптуры. Родившийся в семье рабочего класса, Роден был в основном самоучкой, тщательно и усердно подходившим к своей работе. Вместо того, чтобы сосредоточиться на реалистичных деталях, Огюст Роден пытался воссоздать эмоциональное состояние своих героев, используя текстуру, чтобы создать ощущение незавершенности.

Скульптуры Родена подчеркивали игру света и тени и то, как она отражалась на сущности человека. Пытаясь показать человека в процессе мышления, он усердно работал над тем, чтобы каждая часть его тела передала напряжение, которое акт размышления оказывает на тело. Этот знаменитый французский художник часто заставлял своих моделей свободно ходить по своей мастерской, зарисовывая отдельные части тела, чтобы сделать снимки мышц в движении.

#9 Эдгар Дега

Другой известный французский импрессионист, Эдгар Дега, был тесно связан с ранними днями движения.Происходя из богатой банкирской семьи, он мог свободно заниматься карьерой по своему выбору — художником-декоратором. Хорошо образованный в этом отношении, он продолжил развивать свой собственный уникальный стиль и изображать свою современную жизнь в классической манере. Однако, в отличие от своих современников, Дега был настолько увлечен искусством танца, что сделал его самой распространенной темой своих картин и скульптур.

Позже он пытался дистанцироваться от импрессионизма, часто являясь его самым резким критиком и недоброжелателем.Эдгар Дега хотел представить себя реалистом с как можно меньшей спонтанностью в своих работах. На вопрос он сам сказал, что «в искусстве ничто не должно выглядеть как случайность, даже движение». Это дает хорошее представление о дотошности и усердии, которые он вложил в свой художественный процесс. Хорошим примером этого может быть Хлопковая контора в Новом Орлеане , которую он нарисовал во время своего визита туда в 1873 году.

#10 Ле Корбюзье

Этот знаменитый французский художник, родившийся как Шарль-Эдуар Жаннере в Швейцарии, является довольно противоречивой фигурой.Этот очень влиятельный архитектор и градостроитель стремился объединить утилитаризм и экспрессионизм в гармоничном видении жизненного пространства для множества людей. Суровая среда его детства оказала глубокое влияние на его более поздний художественный выбор. Чтобы удовлетворить свою тягу к аскетизму, он начал использовать грубый бетон, материал, который никогда раньше не использовался таким образом.

Ему было поручено разрабатывать и контролировать создание десятков амбициозных проектов по всему миру, и он неустанно работал над облегчением некоторых недугов современных городов.Несмотря на эти возвышенные принципы, Ле Корбюзье не лишен определенных противоречий. Его критики часто отмечают его безразличие к местным культурным достопримечательностям и его связи с фашизмом и антисемитизмом. Тем не менее, этот известный французский художник, несомненно, является одним из самых влиятельных архитекторов, которые когда-либо жили.

Вам слово!

Известные французские художники, фигурирующие в нашем списке, могут принадлежать к разным историческим эпохам и представлять разные художественные стили, но все они оставили после себя наследие, которое продолжает влиять на художников и сегодня.

Ваши стены нуждаются в косметическом ремонте? Посмотрите наш удивительный выбор художественных плакатов! Повесьте свой любимый шедевр на эту пустую стену и привнесите больше искусства в свою жизнь!

Есть ли еще какие-нибудь известные французские артисты, которые, по вашему мнению, мы должны включить в наш список? Дайте нам знать об этом в комментариях!

Если вы дочитали до этого места, возможно, вам понравятся и другие статьи из нашей серии:

10 самых известных французских художников и живописцев

1.

Клод Моне

Клод Моне, пожалуй, самый известный французский художник всех времен.Его кувшинки известны во всем мире и изучаются в начальных школах по всему миру.

Клод Моне родился в 1840 году и скончался в 1926 году. Он наиболее известен как основатель импрессионизма. Кроме того, Клод Моне был движущей силой этой революции в мире искусства.

Он также был самым последовательным сторонником движения. Название на самом деле взято из законченной им работы под названием « Импрессионизм, Восход солнца », которую часто называют одной из самых известных французских картин, когда-либо созданных.

Клод Моне был известен как мастер света. У него была возможность рисовать один и тот же предмет снова и снова, создавая совершенно разные произведения искусства благодаря своим навыкам.

Он общепризнан как лучший художник-импрессионист, и его работы считаются эталоном, по которому оценивают всех остальных.

Клод Моне наиболее известен своей серией водяных лилий, которую он нарисовал между 1896 и 1926 годами. Он также опубликовал серию, в которой исследовал дым, пар, дождь и туман.В его богатой коллекции около 250 работ.

2.

Эдуард Мане

Эдуард Мане родился в 1832 году и умер в 1883 году. Несмотря на то, что его жизнь была короткой, его имя является влиятельным лицом в мире французского искусства.

Он был одним из первых художников 19 го века, сосредоточившихся на современных сюжетах; однако он не считается настоящим импрессионистом.

Эдуард Мане известен как реалист. Он редко покидал студию, что нашло отражение в его творчестве.

Его самая известная работа называется Le Dejeuner Sur L’Herbe, , которую он опубликовал в 1863 году.

Он считается ключевой фигурой в переходе от реализма к импрессионизму.

Таким образом, творчество Эдуара Мане оказало огромное влияние на художников, пришедших после него; однако его стиль заметно отличается от стиля художников, которые работали в конце 19 и начале 20 веков.

3.

Анри Матисс

Анри Матисс родился в 1869 и 1954 годах. Он известен не только живописью, но и гравюрой, скульптурой и коллажем.

Наряду с Марселем Дюшаном и Пабло Пикассо Анри Матисс известен как одна из самых влиятельных фигур во всем современном искусстве.

Он работал, используя самые разные средства массовой информации. К ним относятся скульптура, вырезки из бумаги и многое другое. Он наиболее известен шедеврами, которые он создал как художник.

Сегодня Анри Матисс известен как мастер цвета.Он был лидером движения фовизма, влиятельного художественного движения, которое просуществовало короткое время в течение его карьеры.

Анри Матисс также известен своим соперничеством и дружбой с Пабло Пикассо, оба из которых регулярно возглавляют список известных художников всех времен.

Они оба вдохновляли друг друга. Анри Матисс известен своим шедевром под названием « Танец, », опубликованным в 1910 году.

4.

Эдгар Дега

Эдгар Дега родился в 1834 году и скончался в 1917 году. Его самая известная работа называется  Любительница абсента , которую он опубликовал в 1876 году. Эдгар Дега считается одним из основателей движения художников-импрессионистов во Франции.

Несмотря на то, что он был тесно связан с движением в начале, он приложил усилия, чтобы дистанцироваться от движения в более поздние годы.

С 1870-х годов до своей кончины он исследовал тему танца.Значительная часть его картин включает изображения балерин, которыми он наиболее известен, многие из которых написаны пастелью.

Его серия балетов содержит одни из самых узнаваемых картин импрессионистов, когда-либо созданных.

Он умел запечатлеть движение, как никакой другой художник той эпохи, поэтому он считается одним из величайших французских художников всех времен.

В дополнение к своей работе Любитель абсента, он также был известным скульптором, его самая известная работа называлась Маленькая танцовщица четырнадцати лет.

5.

Поль Сезанн

Поль Сезанн родился в 1839 году и скончался в 1906 году как один из самых знаменитых художников всех времен. Он самый известный художник постимпрессионистского движения.

Его работы послужили мостом между импрессионистским движением 18 века и доминирующим стилем 20 века.

В течение своей карьеры Поль Сезанн был известен тем, что создавал великие шедевры, используя свой мастихин.Это этап, который привел к развитию современного экспрессионизма.

Таким образом, Поль Сезанн стремился создать меру геометрического упрощения. Он рисовал яблоко в виде сферы и ствол дерева в виде цилиндра.

Самая известная работа под названием «Купальщицы», была опубликована в 1905 году. Многие известные художники, в том числе Матисс и Пикассо, заявили, что Поль Сезанн — отец всех нас.

Говорят, что сложные множественные взгляды, запечатленные Полем Сезанна, привели к рождению кубизма. Таким образом, Поль Сезанн навсегда оставил свой след в искусстве.

6.

Пьер-Огюст Ренуар

Пьер-Огюст Ренуар родился в 1841 году и скончался в 1919 году. Он является одним из самых плодовитых художников всех времен и одним из ведущих представителей импрессионизма.

В то время как он был тесно связан с движением в начале своей жизни, он дистанцировался от движения в конце и черпал свое вдохновение в классическом искусстве.

Пьер-Огюст Ренуар известен своими многочисленными работами, изображающими женщин. Ему нравилось запечатлевать развивающееся парижское общество в дополнение к обнаженной натуре и танцам.

Многие из его работ изображали его близких друзей, которым нравилось все, что мог предложить Париж, особенно на открытом воздухе в выходные дни.

Он наиболее известен своей работой под названием Танец в Мулен де ла Галетт, , которую он опубликовал в 1876 году.

Картины Пьера-Огюста Ренуара известны своей интимностью и откровенностью, а также насыщенностью света и цвета.

Его уникальный и мощный стиль сделал его одним из самых знаменитых художников своего времени.

7.

Огюст Роден

Огюст Роден родился в 1840 году и скончался в 1917 году. Он был известным скульптором. В то время как многие скульпторы черпали вдохновение в классических работах греков, Огюст Роден решил использовать другой подход.

Это был шокирующий отход от многовековой скульптуры, пропитанной традициями.Вместо этого он хотел сосредоточиться на реализме.

В своих работах Огюст Роден стремился выразить эмоции игрой света и тени. С этой целью он использовал детализированные текстурированные поверхности.

Читайте также: Скульптуры Родена

Его шедевр был закончен в 1902 году и называется Мыслитель, который почти каждый видел в той или иной форме в той или иной части мира.

Его сравнивали с Микеланджело и прославляли как отца современной скульптуры, хотя при жизни он подвергался резкой критике.

8.

Камиль Писсарро

Камиль Писсарро был датским и французским импрессионистом, родившимся на Виргинских островах США до переезда в Париж. Он родился в 1830 году и умер в 1903 году. Он известен своим важным вкладом как в импрессионистское, так и в постимпрессионистское движение.

Камиль Писсарро учился у некоторых ведущих художников, которые были до него, в том числе у Гюстава Курбе, и его работы оказали на него большое влияние.

Некоторые из самых известных работ Камиля Писсарро включают «Бульвар Монмартр ночью», , опубликованную в 1897 году, и «Эрмитаж в Понтуазе», , опубликованную в 1867 году.

Камиль Писсарро был известен как мастер масляной живописи, и это нашло отражение в его бесчисленных работах. Чаще всего он рисовал пейзажи и мог запечатлеть их с разных точек зрения в разное время дня.

Его работы регулярно выставляются в Национальной галерее искусств, а также в Метрополитен-музее. Помимо работы с импрессионизмом, он также связан с реализмом и пуантилизмом.  

9.

Поль Гоген

Поль Гоген родился в 1848 году и умер в 1903 году.Его самая известная работа называется « Откуда мы пришли?». Кто мы? Куда мы идем?, , который он опубликовал в 1898 году.

Поль Гоген наиболее тесно связан с движением постимпрессионизма.

Это движение рассматривалось как расширение движения импрессионизма, при этом отвергая многие его ограничения. Таким образом, движение делало акцент на символическом содержании наряду с абстрактными качествами.

Здесь нашел свое призвание Поль Гоген.Он, пожалуй, самый знаменитый художник постимпрессионистского движения. Он переехал на Таити в 1891 году и провел на острове большую часть своей жизни.

Многие работы Поля Гогена были вдохновлены его жизнью там. Одна из его работ под названием « Когда ты выйдешь замуж?», , была продана почти за 300 миллионов долларов еще в 2015 году. Это самое дорогое произведение искусства, когда-либо проданное.

10.

Жорж Брак

Жорж Брак родился в 1882 году и умер в 1963 году.Он известен как один из самых известных французских художников 20 90–129-го 90–130-го века. Помимо работы художником, он также был художником-коллажистом, гравером, скульптором и рисовальщиком.

У него был союз с движением фовизма, которое началось в 1905 году, и он был одним из ведущих художников, которые привели к рождению кубизма.

Одна из его самых известных работ называлась Fruit Fish and Glass, и была опубликована в 1912 году.

В дополнение к его связи с фовизмом и кубизмом, он также связан с рождением движения экспрессионизма.Его работы регулярно выставляются в Музее современного искусства.

9 известных французских художников, которых вы должны знать

Есть бесчисленное множество художников со всего мира, которые сформировали мир искусства таким, каким мы его знаем сегодня. Однако Франция была домом для многих из самых известных и влиятельных художников в западной истории. Искусство было и остается неотъемлемой частью французской культуры, и оно лелеялось с самого начала.

На протяжении веков правители страны, такие как Людовик XIII и Людовик XIV, приветствовали и поддерживали художественные начинания и даже внесли свой вклад в создание Французской академии изящных искусств.Эта богатая художественная среда послужила благодатной почвой для многих революционных художественных движений, известных нам сегодня, таких как французское барокко и стиль рококо 17-го и 18-го веков. Однако эта среда также породила группу художников, позже названных импрессионистами, которые до основания потрясли устоявшиеся художественные традиции Франции и положили начало модернизму .

От художников-импрессионистов, таких как Клод Моне и Камиль Писсарро, до ведущих стилей постимпрессионистов, таких как Анри Руссо и Поль Сезанн, вот наш список известных французских художников, которых вы должны знать.

Художники-импрессионисты

Возникшее во Франции в 19 веке импрессионистское движение было основано на спонтанной практике рисования на открытом воздухе (на пленэре). Он был разработан уникальной группой художников, которые решили отказаться от традиционных подходов к рисованию в пользу безумных мазков и уникальных цветовых палитр, что было невероятно прогрессивным для того времени. В отличие от реализма, навязываемого художественным истеблишментом, их картины запечатлели эмоциональные «впечатления» мимолетных моментов повседневной жизни.

Клод Моне

«Барк в Живерни», Клод Моне, 1887 г. (Изображение с Wikimedia Commons {{PD-US}})

«Водяные лилии» Клода Моне, 1908 год. (Изображение с Wikimedia Commons {{PD-US}})

Можно сказать, что Клод Моне был отцом импрессионизма, поскольку и художественный стиль, и название движения были взяты из одной из его собственных картин; Impression, soleil levant (английский язык: Impression, Sunrise), выставленный в 1874 году. Моне известен тем, что запечатлел французскую сельскую местность и особенно пруды с водяными лилиями.Благодаря четкому стилю мазка и цветовой палитре он смог идеально передать, как солнечный свет влияет на его объекты.

 

Эдгар Дега

«Репетиция балета» Эдгара Дега, 1873 г. (Изображение с Wikimedia Commons {{PD-US}})

Хотя Эдгар Дега называл себя реалистом, он считается представителем импрессионистского движения. Известный своими картинами, скульптурами, гравюрами и рисунками, он был особенно талантлив в изображении красоты танца.Его картины с изображением балерин в движении отражают его мгновенные наблюдения и визуальные переживания во время занятий танцами и репетиций.

 

Эдуард Мане

«Олимпия» Эдуарда Мане, 1863 год. (Изображение с Wikimedia Commons {{PD-US}})

«Le Déjeuner sur l’herbe» Эдуарда Мане, 1863 г. (Изображение с Wikimedia Commons {{PD-US}})

Эдуард Мане был одним из первых художников XIX века, написавших современную жизнь, и новаторской фигурой, возглавившей переход от реализма к импрессионизму. На его картинах, вызывавших споры в то время, были изображены обнаженные женщины, одной из которых была французская художница Викторин Мёран, позировавшая для нескольких самых известных картин Мане, в том числе « Олимпия ».

Самым шокирующим для зрителей в то время была не нагота Олимпия , а несколько деталей, которые заставляют людей поверить, что Мёран изображена как проститутка. К ним относятся орхидея в ее волосах и символы богатства, такие как ее жемчужные серьги и золотой браслет.Не говоря уже о том, что название «Олимпия» ассоциировалось с проститутками Парижа 1860-х годов.

| Тутт’Арт@ | Питтура • Скульптура • Поэзия • Музыка

Архивфевраля 2022 г. (5)январь 2022 г. (22)декабрь 2021 г. (25)ноябрь 2021 г. (11)октябрь 2021 г. (13)сентябрь 2021 г. (16)август 2021 г. (32)август 2021 г. (46)июнь 2021 г. (47)маджо 2021 г. (29) апрель 2021 (30)март 2021 (41)февраль 2021 (30)женнай 2021 (36)декабрь 2020 (45)ноябрь 2020 (32)октябрь 2020 (43)сентябрь 2020 (41)август 2020 (68)август 2020 (52) июнь 2020 г. (36)маджо 2020 г. (55)апрель 2020 г. (66)март 2020 г. (83)февраль 2020 г. (57)женнай 2020 г. (74)декабрь 2019 г. (81)ноябрь 2019 г. (80)октябрь 2019 г. (48)сентябрь 2019 г. (57) август 2019 г. (69)август 2019 г. (77)июнь 2019 г. (67)маджо 2019 г. (54)апрель 2019 г. (89)март 2019 г. (94)февраль 2019 г. (90)геннай 2019 г. (70)декабрь 2018 г. (67)ноябрь 2018 г. (76) октябрь 2018 г. (89)сентябрь 2018 г. (27)август 2018 г. (25)август 2018 г. (38)июнь 2018 г. (45)маджо 2018 г. (19)апрель 2018 г. (32)март 2018 г. (59)февраль 2018 г. (57)женнайо 2018 г. (54) декабрь 2017 г. (63)ноябрь 2017 г. (50)октябрь 2017 г. (50)сентябрь 2017 г. (20)август 2017 г. (43)август 2017 г. (35)июнь 2017 г. (25)маджо 2017 г. (23)апрель 2017 г. (2 8)марцо 2017 г. (39)февраль 2017 г. (48)женнай 2017 г. (38)декабрь 2016 г. (35)ноябрь 2016 г. (39)октябрь 2016 г. (41)сентябрь 2016 г. (48)август 2016 г. (30)август 2016 г. (41)июнь 2016 г. ( 41)маджо 2016 (52)апрель 2016 (59)март 2016 (58)февраль 2016 (69)поколение 2016 (44)декабрь 2015 (39)ноябрь 2015 (55)октябрь 2015 (47)сентябрь 2015 (41)август 2015 ( 55)август 2015 г. (36)июнь 2015 г. (30)маджо 2015 г. (16)апрель 2015 г. (20)март 2015 г. (21)февраль 2015 г. (23)женнайо 2015 г. (20)декабрь 2014 г. (14)ноябрь 2014 г. (28)октябрь 2014 г. ( 11)сентябрь 2014 г. (6)август 2014 г. (12)июнь 2014 г. (17)июнь 2014 г. (18)маджо 2014 г. (25)апрель 2014 г. (16)март 2014 г. (23)февраль 2014 г. (52)женнай 2014 г. (32)декабрь 2013 г. ( 38)ноябрь 2013 г. (42)октябрь 2013 г. (22)сентябрь 2013 г. (20)август 2013 г. (32)август 2013 г. (21)июнь 2013 г. (17)март 2013 г. (34)апрель 2013 г. (12)март 2013 г. (61)февраль 2013 г. ( 38)gennaio 2013 (27)декабрь 2012 (36)ноябрь 2012 (39)октябрь 2012 (38)сентябрь 2012 (46)август 2012 (41)лето 2012 (44)июнь 2012 (26)маджо 2012 (24)апрель e 2012 (53)март 2012 (33)февраль 2012 (35)женнай 2012 (38)декабрь 2011 (43)ноябрь 2011 (37)октябрь 2011 (62)сентябрь 2011 (34)август 2011 (15)август 2011 (26) июнь 2011 г. (11)маджо 2011 г. (14)апрель 2011 г. (24)марцо 2011 г. (20)февраль 2011 г. (12)женнай 2011 г. (12)декабрь 2010 г. (1)ноябрь 2010 г. (1)октябрь 2010 г. (4)сентябрь 2010 г. (3)

Эдгар Дега | Французский художник

Эдгар Дега , полностью Илер-Жермен-Эдгар Де Га , Де Га позже написал Дега , (родился 19 июля 1834, Париж, Франция — умер 27 сентября 1917, Париж), французский художник, скульптор , и гравер, который был видным в группе импрессионистов и широко известен своими изображениями парижской жизни.Основным предметом Дега была человеческая, особенно женская фигура, которую он исследовал в работах, начиная от мрачных портретов его ранних лет и заканчивая этюдами прачек, певиц кабаре, модисток и проституток периода импрессионизма. Балерины и женщины за туалетом будут занимать его на протяжении всей его карьеры. Дега был единственным импрессионистом, который действительно преодолел разрыв между традиционным академическим искусством и радикальными движениями начала 20-го века, неутомимым новатором, который часто задавал темп своим младшим коллегам. Признанный одним из лучших рисовальщиков своего времени, Дега экспериментировал с широким спектром материалов, включая масло, пастель, гуашь, офорт, литографию, монотипию, восковую лепку и фотографию. В последние десятилетия его предмет и техника упростились, в результате чего появилось новое искусство ярких цветов и выразительных форм, а также длинные последовательности тесно связанных композиций. Когда-то маргинализированный как «художник танцоров», Дега теперь считается одной из самых сложных и новаторских фигур своего поколения, оказавших влияние на Пабло Пикассо, Анри Матисса и многих ведущих фигуративных художников 20-го века.

Начало

Родившийся в Париже к югу от Монмартра, Дега всегда оставался гордым парижанином, живя и работая в одном и том же районе города на протяжении всей своей карьеры. Хотя подробные сведения о его семье из среднего класса ограничены, известно, что они поддерживали внешние формы приличного общества и что они были связаны с мелкой аристократией в Италии и деловым сообществом в Новом Орлеане, штат Луизиана, США. достаточно богат, чтобы отправить Дега в 1845 году в ведущую школу для мальчиков, Lycée Louis-le-Grand, где он получил обычное классическое образование.Музыка занимала видное место в доме Дега, где мать художника пела оперные арии, а его отец время от времени устраивал сольные концерты, один из которых представлен на картине Дега 1872 года « Лоренцо Паганс» и «Огюст Де Га ». Мать художника умерла, когда ему было 13 лет, оставив троих сыновей и двух дочерей на воспитание отцу, банкиру по профессии. Хорошо разбирающийся в искусстве, но консервативный в своих предпочтениях, отец Дега помог развить интерес сына к живописи и в 1855 году побудил его зарегистрироваться в Школе изящных искусств под руководством Луи Ламота, второстепенного последователя Ж.-ОБЪЯВЛЕНИЕ. Энгр. Сохранившиеся работы того периода показывают способность Дега к рисованию и его внимание к историческим прецедентам, которые он видел в Лувре. Он также начал свои первые торжественные исследования автопортрета.

Эдгар Дега: Читающая женщина

Читающая женщина , монотипия Эдгара Дега, ок. 1885 г.; в коллекции Розенвальда, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия. 38 × 27,7 см.

Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия, коллекция Розенвальда, 1950 г.16.292

Британская викторина

Полная викторина по искусству

От символики до скульптуры — эта викторина познакомит вас с вашей художественной стороной.

В 1856 году Дега неожиданно отказался от учебы в Париже, используя средства своего отца, чтобы отправиться в трехлетнее путешествие и обучение в Италию, где он погрузился в живопись и скульптуру античности, треченто и эпохи Возрождения.Остановившись сначала у родственников в Неаполе, он позже работал в Риме и Флоренции, заполняя тетради зарисовками лиц, исторических зданий и пейзажей, а также сотнями быстрых карандашных копий фресок и картин маслом, которыми он восхищался. Среди них были копии Джотто, Микеланджело, Леонардо да Винчи и Тициана, художников, которые десятилетиями повторяли его сочинения; однако включение менее ожидаемых работ, таких как работы сэра Энтони ван Дейка и Франса Снайдерса, намекало на более широкие интересы.Те же альбомы для рисования включают письменные заметки и размышления, а также наброски его собственных фигурных картин в различных эклектичных стилях. Вместе они представляют собой грамотного и серьезного молодого художника с большими амбициями, но которому все еще не хватало направления.

Цвет и линия

С самого начала Дега, казалось, в равной степени привлекали строгость линий и чувственное наслаждение цветом, вторя историческому напряжению, о котором в его время все еще много спорили. В Италии он сознательно смоделировал некоторые рисунки по линейной сдержанности флорентийских мастеров, таких как Микеланджело, хотя постепенно признал соблазн венецианских художников, таких как Тициан, и их густо окрашенные поверхности. Характерно, что молодой Дега почти благоговел перед Энгром, защитником классической линии XIX века, и в то же время почти виновато подражал Эжену Делакруа, который был ведущим сторонником лирического цвета в столетии и считался антитезой Энгра. Многие из картин зрелости Дега выросли из противостояния этих импульсов, которые, возможно, нашли разрешение в энергично нарисованных и ярко окрашенных пастелях его более поздних лет.

Вернувшись в Париж в апреле 1859 года, Дега попытался заявить о себе через установленные в то время каналы мира искусства, хотя и без особого успеха.Он написал большие портреты членов семьи и грандиозные исторические полотна, такие как Дочь Иеффая (1859–1860) и Семирамида строит Вавилон (1861), намереваясь представить их на ежегодном государственном Салоне. Каждая работа была тщательно подготовлена ​​в виде рисунков, которые до сих пор считаются одними из самых красивых в его карьере, но ему было трудно завершить сами картины к его удовлетворению. Возможно, униженный своим знакомством с итальянскими мастерами, Дега соскабливал и переделывал части своих собственных полотен, вырабатывая привычку к технической самокритике, которая осталась на всю жизнь.В 1865 году жюри Салона приняло его более простое исполнение « Сцена войны в средние века », но осталась почти незамеченной в переполненных выставочных залах. В следующем году его драматическая картина « Сцена бега с препятствиями: Падший жокей » снова была встречена с безразличием, несмотря на поразительно крупный план современных скачек, который в ретроспективе кажется публичным объявлением о трансформации его искусства. .

Сцена из бега с препятствиями: Падший жокей , холст, масло Эдгара Дега, 1866 г., переработка 1880–81 и c. 1897; в Национальной галерее искусств, Вашингтон, округ Колумбия. 180 × 152 см.

Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция мистера и миссис Пол Меллон, 1999. 79.10

Известный французский художник Бернар Вене бросает вызов закону гравитации

Бернар Вене, один из величайших ныне живущих художников Франции — известен для его персональной выставки Версальского замка в 2011 году и его 60-метровой скульптуры Arc Majeur в Бельгии, считающейся самым высоким общественным произведением искусства в мире, – обсуждает свой шедевр Collapse   в фабричном здании его собственного фонда Venet на юге Франция и его текущая выставка The Hypothesis of Gravity , проходящая в Лувре в Лансе, Франция, до 10 января 2022 года, где 110 стальных балок Corten исследуют концепции беспорядка, энтропии, гравитации и неопределенности.

Опишите скульптурное представление Collapse , которое вы устроили в своем фонде в Ле Мюи прошлым летом.

17 июля этого года я провел Обрушение 30 пятиметровых Дуг в большом закрытом помещении фабрики в Ле Мюи, действие, таким образом мгновенно создавшее 30-тонную скульптуру. Я больше думал о создании скульптуры, чем о художественном перформансе, потому что для меня это было прежде всего вопросом создания произведения, которое подчинялось бы новым принципам в контексте моей работы, определенным возможностям, к которым я сейчас привязан: неустойчивость, неорганизованность, неожиданное, среди прочего.Это правда, что этот жест, метод создания впечатляющий, и что в тот день у меня была публика, приглашенная на мероприятие. Вот почему мой жест был интерпретирован в основном как представление, очень короткое представление, поскольку оно длилось всего три-четыре секунды.

Расскажите мне об элементе непредсказуемости, который является частью этого произведения искусства.

С помощью вилочного погрузчика я толкнул эту группу из 30 арок из кортеновской стали, выстроенных таким образом, чтобы, как костяшки домино, они сталкивались одна за другой и в итоге рушились на землю в нескольких метрах от зрителей.Ранее я провел несколько тестов на модели и не думал, что стальной стержень может отклониться и опасно задеть кого-то, но некоторые люди в зале догадались о моем беспокойстве, потому что ничто не было полностью предсказуемым. Очень зрелищный, мощный и краткий жест прошел с оглушительным шумом: 30 тонн стали рухнули в красное облако ржавой пыли…

Результат оправдал ваши ожидания?

Произошла легкая толкотня среди зрителей, но результат, наличие этих переплетенных дуг, у некоторых разорванных, лежащих друг на друге очень беспорядочно, соответствовал, в целом, тому, что я ожидал.Преднамеренно разные размеры дуг создали достаточно неравенства, так что работа не была слишком регулярной по всей ее длине. Я получил именно то, чего желал: внезапный распад выровненного набора Дуг , воспринимаемый как конститутивный, организационный переход к новой форме и к новому состоянию стабильности.

Выставка «Гипотеза гравитации» в музее Лувр-Ланс

Фото Фредерик Иовино

В чем смысл проведения персональной выставки в Лувр-Лансе?

Я могу сказать так, и все художники так думают: прежде всего символизм слова «Лувр». Больше, чем какой-либо другой музей в мире, Лувр воплощает в себе идеализированный образ этого рая, где навсегда встречаются все величайшие художники в истории. Сезанн, первый, прекрасно понимал это, когда сказал, что немедленно прекратит рисовать, если его работа никогда не попадет в Лувр. Лувр — образ мечты. Войти в него — исполнение этой мечты. Остаться – это огромная задача, которую нелегко заслужить. Скажем так, это последнее испытание для счастья избранных, последнее суждение в некотором роде, в котором только время составляет жюри.

Как возникла идея выставиться в Лувр-Лансе?

Лувр-Ланс – это возвышенное горизонтальное продолжение парижского дворца, выполненное в архитектурном изяществе, где Кадзуё Сэдзима построил пространство, позволяющее мастерски разместить Галерею Времени. Я открыл для себя его в 2018 году по приглашению Мари Лавандье, его директора. В тот день я был ослеплен, когда вошёл в Стеклянный павильон. Она мне объяснила, что он предназначен для временных выставок живых художников. В ходе последовавших разговоров я быстро понял, что мой хороший проект будет приветствоваться и что мы поговорим о нем на нашей следующей встрече.

Выставочный вид «Гипотезы гравитации» со 110 стальными балками Corten

Фото Фредерик Иовино

Какова была ваша первоначальная идея выставки?

У меня было много идей, потому что такое место стимулирует воображение. Но мой опыт научил меня всем ограничениям, связанным с установкой тяжелых, громоздких и объемных скульптур, проблемам доступа и передвижения внутри музея и вопросам безопасности.Препятствий обычно множество, когда человек сталкивается с местом такой важности, почти новым, и где малейшая случайность может принять несоразмерный масштаб. В этом павильоне со стенами высотой около 10 метров из прозрачного стекла безупречно выдержан пол. Препятствия, да, но препятствия быстро стали видимыми из-за решимости Мари Лавандье, которая немедленно призвала меня выполнить то, что мне показалось идеальным жестом для этого места. Был возможен сильный жест: нужно было представить его и воплотить в реальность.

Какие технические трудности были при монтаже выставки?

С помощью и высоким профессионализмом моего друга, перевозчика Пьера Гарроне, который более 30 лет устанавливал мои самые требовательные работы, нам показалось возможным создать очень большой Collapse  более 1000 кв. все пространство Зеркальной галереи, и занять внешний парк, в котором будет установлено 10 групп наклонных дуг  .Теперь предстояла огромная логистическая работа с учетом перевозки более 150 тонн скульптур с юга на север Франции. Потребуется несколько грузовиков с тягачами, огромные краны и телескопические вилочные погрузчики, чтобы установить в наилучших условиях каждый элемент двух моих установок. Кроме того, необходимо было предусмотреть 140 больших пластин из нержавеющей стали, чтобы защитить землю от ударов во время потенциального падения стальных стержней в их часто слишком шатком равновесии. Нам потребовалось четыре долгих дня, чтобы установить этот Collapse вместе с командой Garrone и моими помощниками, специально приехавшими из Le Muy.

10 групп наклонных арок выставлены в садах Лувра-Ланса

Фото Фредерик Иовино

Какие были самые большие проблемы?

Это была физически сложная работа, которая требовала большой концентрации, чтобы избежать несчастных случаев, потому что каждый элемент весом около одной тонны устанавливался, часто в условиях не очень благоприятной нестабильности. Мы можем стать жертвами непредвиденных падений, когда не было ожидаемого дисбаланса…. все виды событий, которые мы не контролируем, но которые имеют то преимущество, что создают сюрпризы и предлагают зрителю более богатые конфигурации, чем те, которые мы себе представляли.

Вы с самого начала знали, как будет выглядеть конечный результат?

При разработке подобной установки невозможно с самого начала и даже при сборке представить результат, который получится. Да, я даю инструкции по расположению каждого элемента, и да, случайность далеко не абсолютна, но я позволяю этим элементам располагаться в соответствии с возможностями, предлагаемыми в конфигурации, которая всегда еще впереди.Эта последняя куча, этот крайний и совершенно необратимый беспорядок больше подчиняется законам гравитации, чем моим ограниченным ориентирам, состоящим из неопределенностей.

Бернар Вене в фабричном здании своего фонда в Ле Мюи на юге Франции

Фото Джером Кавальер

Вы ранее показывали другие негабаритные Сворачивания  в Le Muy…

В 1994 году я сделал большую модель, в которой представил беспорядок линий, состоящий из дуг , углов , прямых линий и неопределенных линий .В то время было невозможно воплотить это в жизнь в идеальном размере, потому что у меня не было достаточного количества доступных элементов в больших размерах, тем не менее я мог показать в разных местах то, что я называю « Collapses ». Самый объемный был впервые создан в 2014 году в Ле-Мюи, на большом заводском пространстве, с 200 тоннами Arcs , конфигурацию которых я менял каждый последующий год. Менее объемные Collapses иногда были представлены в разных местах: в Венеции, Версале или Дюнкерке, например, на выставке Gigantism в 2018 году.Но это всегда были работы, которые с первого взгляда можно было воспринимать глобально, как скульптуру, вокруг которой можно легко повернуться. Таким образом, Лувр-Ланс стал для меня идеальной возможностью, наконец, представить важное Collapse широкой публике за пределами Ле-Мюи. Состоящая из прямых линий , дуг и углов , она была достаточно большой, чтобы ее нельзя было охватить одним взглядом, и внутри нее можно было перемещаться, даже если все эти переплетенные элементы не облегчали доступ .

Ривьера и французские художники ХХ века

«Это так прекрасно, — писал Моне, — так ярко, так лучезарно». Человек плавает в голубом воздухе, и это пугает». Аннабель Маттерсон рассказывает, как юг Франции стал катализатором творчества — проиллюстрировано работами, предлагаемыми в Joie de Vivre , онлайн

Задолго до того, как юг Франции стал синонимом гламура и залитого солнцем обольщения — вспомните Кэри Гранта и Грейс Келли в фильме 1955 года «Поймать вора» или Бриджит Бардо и Алена Делона на пляжах Сен-Тропе Этот уголок Европы привлекал самых разных туристов.

С начала века сонные рыбацкие деревушки и отдаленные городки провансальских холмов манили художников из Парижа и других мест — яркий свет, ослепительные цвета и осязаемое присутствие классического прошлого вдохновляли и оживляли пресыщенные души.

В течение следующих десятилетий Ривьера и ее окрестности станут горнилом для некоторых из самых взрывоопасных художественных разработок 20-го века.

Карлос Надаль (1917-1998), Méditerrané e, 1962.Масло и акрил на бумаге, наложенной на холст художником. 21¼ x 25½ дюйма (54 x 65 см). Эстимейт: 15 000–20 000 фунтов стерлингов. Предлагается в Joie de Vivre: Modern Art and the Riviera, с 30 июня по 17 июля 2020 г., онлайн.

1880-е: импрессионисты видят свет

Именно импрессионисты, Клод Моне и Пьер-Огюст Ренуар, первыми открыли для себя художественный потенциал южного побережья, найдя нетронутый пейзаж, идеально соответствующий их целям. «Это так прекрасно, — писал Моне, — так ярко, так лучезарно». Плаваешь в голубом воздухе, и это страшно».

Винсент Ван Гог запечатлел пейзажи Арля и Сен-Реми и их окрестностей в последние годы своей жизни, в то время как мастер Экса Поль Сезанн использовал суровый ландшафт своего родного Прованса, чтобы радикально переосмыслить саму природу искусства. .

Неукротимый Мон-Сент-Виктуар был одним из его главных героев. В то время как его работа предвещала модернизм, пейзаж, вдохновивший его, стал священной землей для его пылких последователей — Жоржа Брака, Анри Матисса, Роберта Мазервелла и многих других.

Летом 1905 года Матисс привез свою семью в рыбацкий городок Коллиур, недалеко от испанской границы. Фото: APIC/Getty Images

1900-е годы: фовисты освобождают цвет

После плоских равнин и серого света Боэн-ан-Вермандуа на северо-востоке Миди поразил Матисса силой откровения.Летом 1904 года неоимпрессионист Поль Синьяк устроил молодому подающему надежды художнику проживание рядом с его виллой в Сен-Тропе. Поездка положила начало любви Матисса к Ривьере на всю жизнь, а также проложила путь для нового направления в его искусстве.

Следующим летом Матисс и его семья снова отправились на юг. На этот раз их конечным пунктом назначения был Коллиур, крошечный, отдаленный и неизведанный рыбацкий городок недалеко от испанской границы. Именно здесь зародился фовизм.

Матисс был не единственным художником, отправившимся на юг в душные летние месяцы. Анри Эдмон Кросс переехал в крошечную деревушку Сен-Клер, расположенную прямо на побережье от Сен-Тропе, до которой в то время можно было добраться только по воде.Альбер Марке, Шарль Камуан и Анри Манген также последовали примеру Синьяка, ища вдохновения в отдаленных прибрежных городах. Кубист Андре Лот также позже проводил время на юге.

Андре Лот (1885-1962), La Cadière , 1957.Масло на холсте. 13 х 16⅛ дюйма (33,1 х 41 см). Эстимейт: 15 000–25 000 фунтов стерлингов. Предлагается в Joie de Vivre: Modern Art and the Riviera, с 30 июня по 17 июля 2020 г., онлайн.

Осознавая потенциал открытой им местности — терракотово-оранжевые крыши, сливающиеся с искрящейся голубизной неба и сияющей зеленью сосен, — Матисс писал своему молодому другу и протеже Андре Дерену.«Я не мог слишком настаивать, чтобы убедить вас, что для вас поездка сюда будет абсолютно необходима для вашей работы. Вы найдете самые выгодные условия. Поэтому еще раз повторяю, приходите».

Андре Дерен (1880-1954), Les Salins de Martigues , 1913. Масло на панели. 28¾ x 23½ дюйма (73,1 x 59,8 см). Эстимейт: 50 000–70 000 фунтов стерлингов. Предлагается в Joie de Vivre: Modern Art and the Riviera, с 30 июня по 17 июля 2020 г., онлайн.

Дерена не нужно было просить дважды. Вскоре он обнаружил, что его захлестнула сильная, всепоглощающая жара и ослепительный свет средиземноморского побережья, что было поистине революционно для человека, который никогда раньше не отваживался забираться так далеко на юг.

Художники писали здесь пейзаж с радостной энергией. Они освободили цвет от его многовековой описательной роли и упивались его материальностью и выразительным потенциалом. Именно когда эти картины Коллиура были показаны позже, в Осеннем салоне 1905 года в Париже, группа получила прозвище Les Fauves — «Дикие звери».

Пикассо впервые приехал в Жуан-ле-Пен в 1920 году — примерно за пять лет до того, как была сделана эта фотография.Фото: Роджер-Вайолле / TopFoto 

В последующие годы другие новобранцы-фовисты отправились на юг в поисках того же вдохновения. Брак и Ортон Фриез отправились в Ла-Сьота и Кассис. «Именно там я почувствовал весь восторг, всю радость, переполняющую меня», — вспоминал позже Брак.«Представь себе, я ушел из унылых, мрачных парижских мастерских, где ты еще работал с битумом. Там, напротив, какое откровение, какой расцвет!»

Работа Матисса с юга также стала откровением для Рауля Дюфи. Он посвятил большую часть своей жизни рисованию, рисунку и гравюрам, изображающим этот регион Франции, — произведения, которые излучают пышное чувство радости жизни, характерное для этого региона и по сей день. «Надо размышлять об удовольствии», — однажды написала Гертруда Стайн. «Рауль Дюфи — это удовольствие.

Последствия войны

Первая мировая война положила начало расцвету Ривьеры. Его неизведанные прибрежные городки перестали быть секретом, поскольку люди со всей Европы стекались на юг, спасаясь от лишений и сражений на севере.

Точно так же, как Матисс снял номер в отеле в Ницце зимой 1917 года, так и другие бежали в эти теплые края и вели более здоровый образ жизни, что особенно важно в случае быстроживущего Амедео Модильяни, а также Хаима Сутина и Цугухару Фуджиты, которые были увезены на юг в начале 1918 года их торговцем и покровителем Леопольдом Зборовски. Хуан Грис тоже часто ездил на юг, чтобы выздороветь, за годы до своей безвременной смерти в 1927 году.

Хуан Грис (1887-1927), Le pêcheur , 1924. Масло на холсте. 13 х 9½ дюймов (33 х 24,2 см). Эстимейт: 40 000–60 000 фунтов стерлингов. Предлагается в Joie de Vivre: Modern Art and the Riviera, с 30 июня по 17 июля 2020 г., онлайн.

1920-е: Пикассо на пляже

Ривьера 1920-х годов была центром веселья и декаданса, а также творчества.Жан Кокто, Фрэнсис Пикабиа, Серж Дягилев, Эрнест Хемингуэй и Коко Шанель были здесь, а Пикассо и его жена-балерина Ольга Хохлова могли быть найдены на пляже с американской парой «Это», Джеральдом и Сарой Мерфи (вдохновением для Дика и Николь Дайвер в фильме Ф. Скотта Фицджеральда « ночь нежна» ).

Пикассо впервые прибыл в Сен-Рафаэль со своей новой женой Ольгой в 1919 году. Лето спровоцировало почти ежегодное паломничество на юг — в большинстве случаев Пикассо и его возлюбленная переезжали в Антиб, Гольф-Жуан, Мужен. , Канны или другие горячие точки.

Рауль Дюфи (1877–1953), Лепин-а-Гольф-Жуан , 1927.Акварель на бумаге. 16⅝ x 20⅝ дюйма (42,3 x 52,5 см). Эстимейт: 30 000–50 000 фунтов стерлингов. Предлагается в Joie de Vivre: Modern Art and the Riviera, с 30 июня по 17 июля 2020 г., онлайн.

«Я не претендую на ясновидение, но я был поражен», — писал Пикассо по прибытии в Жуан-ле-Пен в следующем году. «Вот оно, точно такое, как я нарисовал его в Париже. В тот момент я понял, что этот пейзаж мой».

Пикассо имел глубокую духовную связь с югом Франции — его средиземноморские корни были не только взращены морем и жарой, но история и легенды этого региона слились с его существующими верованиями и суевериями, чтобы сформировать его собственную уникальную мифологию.

Классицизм, легкость, пьянящее обольщение и истома жизни на юге — все это питало искусство Пикассо в определенные моменты его творчества.От классических купальщиц и линейных рисунков артистов балета в стиле Энгра, дремлющих любовников, нимф и фавнов до керамики Пикассо черпал вдохновение в пейзажах, иконографии, символике и даже материалах юга в качестве вдохновения для своего искусства.

Дом на Ривьере

После Второй мировой войны Пикассо вернулся на юг, как только смог, на этот раз со своей новой возлюбленной и музой Франсуазой Жило.Свет, цвет и неоспоримая радость жизни региона снова наполнили его работы. Лазурный Берег стал домом.

В 1954 году Карлос Надаль познакомился с Пикассо во время живописного отпуска на побережье. Подобно тому, как переезд в Валлорис с его многочисленными традициями и богатой историей вдохнул новую жизнь в Пикассо, так и Средиземное море подпитало собственную каталонскую идентичность Надаля. В последующие годы он продолжал раскрашивать местность.

Карлос Надаль (1917-1998), La Plage à Nice , 1982.Масло на холсте. 28¾ x 36¼ дюймов (73 x 92 см). Эстимейт: 30 000–50 000 фунтов стерлингов. Предлагается в Joie de Vivre: Modern Art and the Riviera, с 30 июня по 17 июля 2020 г., онлайн.

Не он один доживал свои дни на юге. Пьер Боннар переехал в свой дом в Ле-Канне в 1926 году, где он нарисовал свой сад и панорамные виды как насыщенные миражи цвета.«В свете, наблюдаемом на юге Франции, все сверкает и вся картина вибрирует», — сказал он. «Сфотографируйтесь в Париже: синева становится серой».

Зарегистрируйтесь сегодня

Онлайн-журнал Christie’s еженедельно доставляет вам наши лучшие статьи, видео и новости аукционов на ваш почтовый ящик

Подписаться

Марк Шагал жил в живописной деревушке Сен-Поль-де-Ванс, где Матисс счастливо устроился на своей Вилле ле Рев и в своем триумфальном шедевре: Часовне Розэр-де-Ванс.

«Все было фальшивым, абсурдным, удивительным, восхитительным», — сказал Матисс во время своего первого визита в Ниццу. Именно эти качества впоследствии вдохновляли не только его, но и множество художников, которые жили и работали в этом волшебном уголке на юге Франции.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.