Картина нарисованная: Картина «Нарисованная девушка» | Интернет-магазин картин «АртФактор»

12 Июн

Содержание

Сервис объявлений OLX: сайт объявлений в Украине

Сумы

Сегодня 10:53

Харьков, Московский

Сегодня 10:53 Полная занятость Полный рабочий день

Киев, Святошинский

Сегодня 10:53

Iphone xs 64 gb neverlock

Телефоны и аксессуары » Мобильные телефоны / смартфоны

10 700 грн.

Договорная

Винница, Ленинский Сегодня 10:53

Новояворовск Сегодня 10:52

Львов, Шевченковский Сегодня 10:52

Сгенерированная нейросетью картина ушла с молотка за $432 500 / Хабр

«Эдмонд де Белами, из семьи де Белами.

Состязательная нейронная сеть, печать на холсте, 2018. Подписана функцией потерь модели GAN чернилами издателем, из серии одиннадцати уникальных изображений, опубликованных Obvious Art, Париж, в оригинальной позолоченной деревянной раме». — таково описание

лота 363

, который вчера продан на аукционе «Сотбис» за $432 500.


Итоговая стоимость лота оказалась неожиданностью для экспертов аукционного дома, которые первоначально оценивали картину в диапазоне от $7000 до $10 000. Но и это неплохой заработок для программиста нейросети, ведь она способна генерировать такие картины тысячами.

Эту работу выставила на аукцион группа французских предпринимателей Obvious. Лот достался анонимному покупателю, который участвовал в торгах по телефону из Франции.

Искусство — неплохое и потенциально весьма прибыльное применение нейросетей: «Мы хотели бы поблагодарить сообщество ИИ, особенно тех, кто был пионером в использовании этой новой технологии, в том числе Иэна Гудфеллоу, создателя алгоритма GAN, который вдохновил название серии Famille de Belamy, и художника Робби Баррата, который оказал большое влияние на нас, — заявили представители группы Obvious.

— Это волнующий момент, и мы надеемся, что эта продажа привлечёт внимание к восхитительной работе, которую провели наши предшественники и коллеги».

Сам Робби Баррат в своём твиттере приводит некоторые примеры великолепного искусства, которое генерирует хорошо обученные состязательные нейросети.

Here are some AI generated nude portraits I’ve been working on

Usually the machine just paints people as blobs of flesh with tendrils and limbs randomly growing out — I think it’s really surreal. I wonder if that’s how machines see us… pic.twitter.com/tYgzCHGfse

— Robbie Barrat (@DrBeef_) March 27, 2018

Программист и художник Робби Баррат — пионер в генерации живописи средствами нейросетей. Между прочим, после аукциона он

заявил

, что картина «Эдмонд де Белами» сгенерирована с использованием его программного кода, который он опубликовал в открытом доступе более года назад.

left: the «AI generated» portrait Christie’s is auctioning off right now

right: outputs from a neural network I trained and put online *over a year ago*.

Does anyone else care about this? Am I crazy for thinking that they really just used my network and are selling the results? pic.twitter.com/wAdSOe7gwz

— Robbie Barrat (@DrBeef_) October 25, 2018

Группа Obvious

признала

, что использовала код Баррата, но изменила его.

Нейросети в живописи используют и другие современные художники-программисты, в том числе Марио Клингеманн и Анна Ридлер.

В Париже выставят авангардистскую картину, нарисованную ослом — Российская газета

Под сводами великолепного дворца Гран Пале, построенного на Елисейских полях к Всемирной выставке 1900 года, вскоре откроется экспозиция живописи и скульптур под общим названием «Карамболаж» («Столкновение»). На ней будут показаны 185 необычных, даже курьезных работ разных эпох и стилей, созданных знаменитыми мастерами, среди которых Рембрандт, Джакометти, Жан Кокто и теми, что не очень известны, но чей след в искусстве также остался. Правда, по иным причинам.

К таким, несомненно, относится яркое полотно «Закат над Адриатикой», под которым стоит подпись Иохима Рафаэля Боронали. В 1910 году картина выставлялась на престижном «Салоне независимых», участие в котором также принимали Леже, Синьяк, Пикассо. «Закатом» наравне с другими полотнами восторгалась публика, его хвалили критики. Однако когда стало известно, что ее автором был отнюдь не молодой художник с итальянской фамилией, как писали в каталоге выставки, а… осел, разразился громкий скандал.

«Закат над Адриатикой» — один из самых громких розыгрышей в истории живописи. Его устроил писатель Ролан Доржелес, решивший подшутить над набиравшим в ту пору силу авангардом. Идея осенила его на Монмартре в популярном среди парижской артистической богемы кабачке «Резвый кролик». Дело в том, что его хозяин, эксцентричный бородач Фредерик Жерер, помимо всего прочего по утрам торговал на близлежащих улицах рыбой, для чего держал повозку, запряженную ослом по кличке Лоло. Остальное время дня Лоло проводил во дворе кабачка в компании других милых сердцу владельца питейного заведения обезьяны, ворона, собаки и выводка белых мышек. Привязав к хвосту осла кисть, Доржелес и пара его приятелей повернули парнокопытное задом к белому холсту на подрамнике и стали подкармливать Лоло то морковкой, то листьями табака. Время от времени, похохатывая, окунали ослиную «кисть» в краску и подставляли холст. Лоло от удовольствия помахивал хвостом, нанося мазки. Так постепенно рождался «шедевр». При этом действии присутствовал фотограф, фиксировавший процесс, а также судебный исполнитель, которого специально пригласили, чтобы никто не усомнился в подлинности фарса.

Был составлен акт, и его торжественно заверили свидетели. Тогда же придумали имя автора картины: Боронали — это анаграмма ослика Али-Борона из басни Лафонтена. Когда картина была готова, показали членам выставочной комиссии, и возражений у них не нашлось. Фурор, вызванный веселой мистификацией, привлек внимание к «Закату» покупателей. Картину приобрели за 250 франков, деньги по тем временам вполне приличные, которые затейник Доржелес передал в детский приют. «Закат над Адриатикой» с тех пор переходил из рук в руки, пока не оказался в небольшом музее города Милли-ле-Форе, что в 80 километрах к югу от французской столицы. Теперь в течение нескольких месяцев творением Лоло смогут полюбоваться парижане.

Картина нарисованная холодными красками — фанфик по фэндому «Kimetsu no Yaiba»

Набросок из нескольких строк, еще не ставший полноценным произведением
Например, «тут будет первая часть» или «я пока не написала, я с телефона».

Мнения о событиях или описания своей жизни, похожие на записи в личном дневнике
Не путать с «Мэри Сью» — они мало кому нравятся, но не нарушают правил.

Конкурс, мероприятие, флешмоб, объявление, обращение к читателям
Все это автору следовало бы оставить для других мест.

Подборка цитат, изречений, анекдотов, постов, логов, переводы песен
Текст состоит из скопированных кусков и не является фанфиком или статьей.
Если текст содержит исследование, основанное на цитатах, то он не нарушает правил.

Текст не на русском языке
Вставки на иностранном языке допустимы.

Список признаков или причин, плюсы и минусы, анкета персонажей
Перечисление чего-либо не является полноценным фанфиком, ориджиналом или статьей.

Часть работы со ссылкой на продолжение на другом сайте
Пример: Вот первая глава, остальное читайте по ссылке…

Нарушение в сносках работы

Если в работе задействованы персонажи, не достигшие возраста согласия, или она написана по мотивам недавних мировых трагедий, обратитесь в службу поддержки со ссылкой на текст и цитатой проблемного фрагмента.

Картина, нарисованная баскетбольным мячом » BigPicture.

ru

«Для чего нужен баскетбольный мяч?» Казалось бы – ответ очевиден. Но творческие люди готовы находить обычным вещам нестандартное применение. Так молодая художница из Шанхая по имени И Хун нарисовала с помощью баскетбольного мяча портрет известного китайского баскетболиста Яо Мина. Для этого, кроме мяча, девушке потребовалось немного краски и два часа времени…

Смотрите также выпуск – Картины из шнурков, Картины из листа бумаги, Картины из гвоздей

(Всего 6 фото + 1 видео)

1. В Поднебесной художница получила широкую известность благодаря тому, что пишет картины кетчупом, молоком, солью, семечками и даже рубашками.3. Яо Мин – — китайский баскетболист, завершивший профессиональную карьеру. Играл за команду «Хьюстон Рокетс» (НБА) на позиции центрового. На момент выступлений в НБА являлся самым высоким игроком в чемпионате, его рост составлял 2,29 метра.4. И Хун продемонстрировала необычную технику живописи, используя вместо кисти баскетбольный мяч. 5. За два часа работы над портретом девушка лишь несколько раз выпустила мяч из рук, чтобы свериться с фотографией.6. Результат работы впечатляет. Как признается сама художница – занятия баскетболом в средней школе ей очень пригодились.

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Картины, нарисованные словами. Молодой поэт о лирике, любви и жизни | КУЛЬТУРА

Влад Каренин – автор пяти сборников стихотворений, юный тульский поэт. Выступал в переходах. Встретить его можно было и в Москве на станциях Маяковская и Чкаловская. Поэт рассказал нам о поэзии, религии и семье. Парень начал писать в восемь-девять лет. Первое его стихотворение «Конец света 2012» было написано 14 декабря 2012.

Анна Иванова, tula.aif.ru: У тебя стихотворения на разные темы, но что же преобладает в твоём творчестве? 

Фото: Из личного архива/ Влад Каренин

Влад Каренин: Любовная лирика. Просто потому, что это прекрасно. Любовь и подобные чувства можно описывать более красиво и естественно, чем ту же природу, например. «Заявлять миру» о чем-то я не стремлюсь, я просто рисую картины словами, провоцируя людей на эмоции. Какими они будут — каждый решает сам, но своими стихотворениями я стараюсь нести в мир лёгкость и красоту, но иногда не скуплюсь и на негатив. Этот негатив я считаю скорее «назидательным», таким образом, я показываю, как делать не надо. 

— Был ли у тебя переломный момент в жизни, который послужил всплеску вдохновения?

— Да, в моей жизни были такие моменты. Я считаю, что любую эмоцию можно превратить в искусство, важно только сделать это правильно. Писать стихи на более высоком уровне я тоже начал благодаря переломному моменту. Однажды я впервые влюбился. Неудачно. Это была безответная любовь со всеми переживаниями, поисками причины и принятием. Она подтолкнула меня в творчестве, я стал по-другому мыслить начал реализовывать свои грезы с помощью стихотворений. 

«По-настоящему свободно я себя чувствую только в одиночестве».

— А что привело тебя к буддизму?

— Гармония в нашем мире – вещь очень редкая, потому её поиски для меня были затруднительны, а в городской среде просто невозможны. Я искал спасение в буддизме, так как прекрасно понимал, что принципы этой религии близки к моему мировоззрению. Понял, что настоящий Бог не снаружи, а внутри. Кроме того, я всегда верил в карму и сансару, не признавал, что душа смертна. Вообще, согласно науке, материя из которой мы состоим, как и душа, является энергией, которая уже существует, она не была создана намеренно. После нашей смерти она куда-то девается, не исчезает же! Так я создал стихотворение «К черту вашу Сансару!»

Литературные предпочтения

— Какие авторы-классики тебя вдохновляют? Какие современники тебе нравятся?

— Из классиков меня всю жизнь вдохновляет Владимир Маяковский. Я бы даже поменял небезызвестное высказывание «Пушкин – наше все» на «Маяковский – наше все». Он привлекает меня своей бунтарской натурой, титанической мощью, которой пропитано каждое его стихотворение. Из современных поэтов люблю Денис Туманова. Он пишет очень красиво, можно читать сутками напролёт и не замечать, как пролетает время. Гениальный человек. Мой ровесник, кстати.

— Кто привил тебе любовь к литературе?

— Любовь к литературе мне привил брат. Причём сделал он это неосознанно. Он всегда много читал, и в его комнате было просто огромное количество книг. Стащил как-то с его полки первую попавшуюся книгу. Это были «Три товарища» Ремарка. Начал ее читать и понял, что меня просто не интересовали детские книжки.

— А что насчет музыки? Кто твой любимый поэт-музыкант?

— Все музыканты по совместительству являются и поэтами, у меня есть много любимых, каждый хорош по-своему. В детстве я очень любил группу «Король и Шут». Ни для кого не секрет, что все их тексты написаны Андреем Князевым. Он гений страшных и атмосферных сказок. Я вырос на его песнях. Ещё очень люблю Оксимирона, он, на мой взгляд, не просто репер, а успешный поэт, овеянный ореолом таинственности. Его творчество отличается особой техничностью и профессионализмом, в его текстах много смысла, и он, действительно, сильно отличается от других исполнителей. Стоит послушать один только «Горгород», как сразу все становится понятно. Лёва Би-2 в последнее время тоже очень радует текстами. Люблю группу «Нервы» по большей части из-за текстов солиста Жени Мильковского.

— Как сейчас среди такого изобилия литераторов выбрать хороших и воспитать в себе вкус?

— Легко. Верно подмечено, что любой может делиться творчеством далеко не высшего качества, среди такого контента невозможно затеряться, читатель — не дурак, он способен отличить поэта от графомана. Федор Достоевский сказал: «Поэзия — есть внутренний огонь всякого таланта», в этих словах вся суть. Искусство избирательно, каждый выбирает то, что ближе ему по духу, а вкус воспитывается в зависимости от интересов. 

«Я не обременяю себя лишними думами о последствиях, а наслаждаюсь моментом».

О личности поэта и смысле жизни

— Ты считаешь, что избрал правильный путь?

— Я люблю все, что я делаю и создаю, а благодаря этому считаю себя успешным. И знаю, выбрал правильный путь, потому что занимаюсь тем, что мне нравится и это не мешает мне жить. Следую «срединному пути», не впадаю в крайности.

Моя главная цель – прожить жизнь так, как мне нравится, не тратя время на пустые мысли и раздумья. Я хочу жить свою жизнь, получать удовольствие и ничего более. Своим читателям я советую то же самое, ведь жизнь может оборваться в любую минуту. Надо все успеть и сделать, естественно, не теряя голову. 

— Твои стихотворения любят, заучивают, рассказывают и поют. Что ты чувствуешь, когда слышишь это?

— Я чувствую восторг. Мне очень приятно, когда мои стихотворения живут, а не просто лежат мертвым грузом на странице соцсети. Без таких моментов поэзия была бы лишена смысла, ведь она, по сути, является материальным, а читатели, которые заучивают, рассказывают, поют стихотворения, в конце концов, превращают её в нечто духовное, возвышенное. Мир, по сути, так и работает. Бездыханное тело не имеет никакого смысла, зато сразу обретает его, как только в нем появляется душа.

— Фрэнсис Скотт Фицджеральд как-то сказал: «Уметь писать — то же, что уметь плавать под водой, не задыхаясь». Тебе сейчас 18, удалось ли тебе отрастить жабры за 9 лет? 

— Конечно, удалось, но, тем не менее, я не могу назвать свои жабры идеальными. Всегда нужно над чем-то работать и в конечном итоге эволюционировать.

9 холодящих кровь картин, которые считаются проклятыми

«Мученик» 

Эта работа предположительно написана собственной кровью художника. Полотно под названием «Мученик», было создано неизвестным автором, который покончил с собой сразу после ее завершения. Владелец картины Шон Робинсон унаследовал ее от своей бабушки. Сначала он хранил полотно в подвале, но однажды наводнение вынудило Робинсона переместить его в дом. В настоящее время портрет висит в гостевой спальне на третьем этаже. После переезда, по словам членов семьи Робинсона, по ночам до них стали доноситься приглушенные рыдания и странные звуки, будто кто-то скребет по дереву. Жена Робинсона рассказала, что однажды она легла в супружескую постель (не в той комнате, где была картина), и с ужасом обнаружила вместо своего мужа другого человека, незнакомца. Когда она выпрыгнула из постели и собралась звонить в полицию, незнакомец исчез.

 

Картина Здзислава Бексиньски

Здзислав Бексиньский  — один из самых известных польских художников 20 века. Его творческое наследие — это, преимущественно, мрачные постапокалиптические картины, проникнутые эстетикой смерти и тотального разрушения. Темная сторона жизни притягательна, оттого он не был никогда обделен зрительским вниманием. Особой популярностью его работы пользовались в Западной Европе, Японии и США. 

Данная картина Здзислава Бексиньски не имеет названия. Некоторые всерьез верят, что увидевших его полотна ожидает скорая смерть. Впрочем, в настоящее время они выставлены в Польше в музее, который носит имя художника. Тем, кто склонен верить в подобную мистику, напоминаем, что в этой статье нет картин, а только их фотографии, так что никакой опасности нет.

 

«Человек предполагает, а Бог располагает»

Картина Эдвина Генри Ландсира «Человек предполагает, а Бог располагает» (1864) находится в колледже Лондонского университета Royal Holloway. По слухам, в семидесятых годах прошлого столетия один из студентов покончил  с собой после того, как увидел эту работу. Его предсмертная записка была обнаружена в ходе первичного медицинского осмотра. Она гласила: «белые медведи заставили меня это сделать». Из-за этого случая после 1984 года администрация университета стала прятать картину, чтобы никто не мог ее увидеть. Впрочем, реплика под названием «Исчезающий лед: альпийские и полярные ландшафты в искусстве», демонстрируется в настоящее время в музее Гленбоу в Калгари. Мрачные мистические слухи окружают и реплику, подобно оригинальной картине.

 

Картина с человеком без головы 

Художник Лаура П. нарисовала эту акварель с фотографии, сделанной в туристическом городке Тумстон, штат Аризона, профессиональным фотографом Джеймсом Киддом. Если приглядеться, можно увидеть безголового человека, стоящего слева от фургона. Лаура клянется, что она не рисовала его намеренно, и что этой фигуры не было на исходной фотографии. После того, как она повесила акварель в своем доме, начали происходить странные события. Таинственным образом менялось время назначенных встреч, бесследно исчезали важные бумаги, а антикварные часы, висевшие на стене 40 лет, упали и разбились. Более того, различные предметы совершенно непонятным образом летели в хозяйку, будто кто-то бросил их, в том числе сушеные морские звезды, прибитые к стенам гаража в декоративных целях.

 

«Плачущий мальчик»

«Плачущий мальчик» кисти Бруно Амадио — не особенно дорогая картина, принадлежащая британской семейной паре, Рону и Мэй Холл. В середине восьмидесятых годов их дом сгорел. Единственным предметом, который остался после пожара совершенно неповрежденным, была эта картина. В результате на нее была возложена вина за пожар. Существуют несколько репродукций этой картины, и с ними также связаны, как ни странно, подобные истории. В это трудно поверить, но в домах людей, которые имели несчастье повесить их на стену, случался пожар, в котором репродукции были единственным уцелевшим предметом. Другие хозяева репродукций сообщали, что они практически довели их до нищеты.

 

[region:bone:inline_1]

 

«Руки сопротивляются ему»

Билл Стоунхэм создал свою картину «Руки сопротивляются ему» в 1972 году. Люди, которым принадлежало это полотно, рассказывали, что кукла и маленький мальчик на холсте иногда меняли свои позы и местоположение, а порой их обнаруживали даже за пределами картины, например, на стене, где она висела. Согласно пояснению тогдашнего владельца картины, который пытался продать ее через платформу ebay, он надеялся помочь своей маленькой дочери избавиться от мучивших ее страхов, для чего разместил в комнате камеру, реагирующую на движение. Тем самым он рассчитывал показать дочери, что ей нечего бояться. Вместо этого, по его словам, они увидели, как мальчик медленно перемещается в сторону от картины.

 

Портрет Бернардо де Галвеса 

Предположительно, этот портрет, принадлежащий кисти Бернардо де Гальвеса, умершего в 1786 году, является пристанищем призрака художника и не поддается фотографированию, если прежде к картине не обращаются за разрешением. Любая попытка сфотографировать работу без позволения приводит к тому, что фотография получается размытой, независимо от фокусировки объектива.

 

«Любовные письма»

Картина «Любовные письма» висит в отеле Driskill в городе Остин, штат Техас. Согласно утверждениям, она стала причиной того, что четырехлетняя дочь одного американского сенатора упала с лестницы и умерла. Девочка, о которой идет речь, имела поразительное сходство с той, что изображена на холсте. В последнее время люди сообщают, что выражение лица девочки на картине, а также ее местоположение, время от времени меняются. Чрезмерно любознательные зрители, которые слишком долго смотрят на нее, в какой-то момент начинают чувствовать физическое недомогание или головокружение.

 

«Мертвая мать»

Картина «Мертвая мать» была написана норвежским художником Эдвардом Мунком, автором знаменитого полотна «Крик». Люди, которые владеют этой работой, утверждают, что простыни на картине иногда издают шелестящие звуки или движутся, а ребенок время от времени полностью исчезает со своего места.

По материалам

Картина с фото

Раскраски по номерам — Специальные цены

Распродажа

PBN/ЦВЕТОЧНЫЙ ФОНТАН/40X50/WO

Распродажа

PBN/HOTAIRBALLOON/40X50/WO

Распродажа

PBN/HEEARTRAINBOW/40X50/WO

Распродажа

ДБН/ОТДЕЛ ЖАЛОБ/40X50/WO

Распродажа

ДБН/ЗОЛОТАЯ РЫБКА/40X50/WO

Распродажа

ПБН/EAGLEHEAD/40X50/WO

Распродажа

PBN/РЕФЕРАТФОН/40X50/WO

Распродажа

PBN/LIFEOTTRAVELER/40X50/WO

Распродажа

ДБН/ОРКАС/40X50/WO

Распродажа

ДБН/MAJESTICHORSE/40X50/WO

Распродажа

ДБН/БУЛЬДОГ/40X50/WO

Распродажа

PBN/JACKCOKE/40X50/WO

Распродажа

ДБН/ORANGESKYLINE/40X50/WO

Распродажа

ДБН/GOLDENGATE/40X50/WO

Распродажа

ПБН/ДВИГАТЕЛЬ/40X50/WO

Распродажа

ДБН/НАРУТОНИНДЖА/40X50/WO

Распродажа

PBN/БАЛЕРИНАFULLMOON/40X50/WO

Распродажа

PBN/КАРИБСКИЙ/40X50/WO

Распродажа

ДБН/КАТЛИОН/40X50/WO

Распродажа

ДБН/REDLIGHTHOUSE/40X50/WO

150 известных картин, биографий и цитат Пикассо


Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, которые произошли в этот период. До 50 лет испанский художник стал самым известным имя в современном искусстве, с самым отчетливым стилем и взглядом на художественное творчество. До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За долгий период своей карьеры он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации.Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников двадцатого века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном диапазоне стилей снискала ему уважение еще при жизни. После его смерти в 1973 году его ценность как художника и источник вдохновения для других художников только вырос. Ему, без сомнения, суждено навсегда вписаться в ткань человечества как одному из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком стал одним из основателей кубистского движения.Кубизм был авангардным направлением в искусстве, навсегда изменившим облик европейской живописи. и скульптуры, одновременно затрагивая современную архитектуру, музыку и литературу. Сюжеты и объекты в кубизме разбиваются на части и перестраиваются в абстрактную форму. За период Примерно с 1910-1920 годов, когда Пикассо и Брак закладывали основу кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновило такие ответвления, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также приписывают изобретение искусственной скульптуры и соавтора стиля искусства коллажа. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств. Эта революционная форма искусства привела общество к общественным достижениям в области живописи, скульптуры, гравюры и керамики за счет физического манипулирования материалами, которые ранее не подвергались вырезанию или формованию. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом формовать, обычно в трех измерениях.Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптур. произведения искусства, которых мир еще не видел.

Каждый акт созидания есть прежде всего акт разрушения.» — Пабло Пикассо

Молодость Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его имя в крещении намного длиннее имени Пабло Пикассо, и по традиционному андалузскому обычаю в честь нескольких святых и родные.Его отец был художником и профессором искусства, и с раннего возраста его впечатлил рисунок сына. Его мать однажды заявила, что его первыми словами были попросить карандаш. В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное обучение у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руис считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых существ. модели и гипсовые слепки.

В 1891 году, когда ему было десять лет, семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором.Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, пообещал бросить живопись. Хотя картины Руиса, кажется, все еще были созданы спустя годы, отец Пикассо, безусловно, чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в ее Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в возрасте всего 13 лет.В возрасте 16 лет его отправили в передовую художественную школу Испании в Мадриде, Королевскую академию Сан-Фернандо. Пикассо не нравились формальные инструкции, и вскоре после прибытия он решил прекратить посещать занятия. Он проводил свои дни в мадридском Прадо, где были выставлены такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей его жизни, огромен и охватывает период с раннего детства до самой смерти, создавая более полный отчет о его развитии, чем, возможно, любой другой художник.При изучении записей о его ранних работах говорится, что произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры. Эта дата говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В возрасте 14 лет он написал портрет тети Пепы, поразительное изображение, которое было названо одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал свою отмеченную наградами картину «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, укоренившаяся благодаря отцу и его детским занятиям, развилась вместе с его знакомством с символистскими влияниями.Это привело Пикассо к разработке собственного взгляда на модернизм, а затем к первая поездка в Париж, Франция. Поэт Макс Жакоб, друг-парижанин, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где испытали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были в холоде и нищете, сжигая свою работу, чтобы согреть квартиру.

Пикассо преимущественно провел свою взрослую трудовую жизнь во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью развивал сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющую картину. план работ.

Синий период (1901-1904)

Мрачный период, в течение которого Пикассо как лично испытал бедность, так и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется преимущественно монохромными картинами в оттенках синего и сине-зеленый, лишь изредка подогреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства. кульминацией которого стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь».Лави (1903) изобразил внутренние мучения своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

Розовый период (1904-1906)

В соответствии с названием, когда Пикассо, казалось, добился небольшого успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более радостный период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривым миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда тоже была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину.» — Пабло Пикассо

Африканское влияние (1907-1909)

Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, проходившая в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году. Хотя раньше у него был знаком с Сезанна, только на ретроспективе Пикассо ощутил полное влияние его художественных достижений. В работах Сезанна Пикассо нашел образец того, как выделить главное. с натуры, чтобы получить цельную поверхность, выражающую уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры оказала сильное влияние на европейскую культуру. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

«Авиньонские девицы» — первый шедевр Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских расколотых плоскостей и лиц, вдохновленных иберийскими традициями. скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется выступающим вперед зазубренными осколками; яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу плоской, двумерная картинная плоскость.

Когда Les Demoiselles d’Avignon впервые появились, казалось, что мир искусства рухнул. От известной формы и представления полностью отказались. Поэтому ее называли самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в живописи, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи разработаны в этот период ведут непосредственно к последующему кубистическому периоду.

Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло бы быть, и спросил, почему бы и нет.»
— Пабло Пикассо

Кубизм (1909-1919)

Слияние влияний — от Поля Сезанна и Винсента Ван Гога до архаического и племенного искусства — побудило Пикассо придать своим фигурам больший вес и структуру. около 1907 года. И они в конечном итоге поставили его на путь к кубизму, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве эпохи Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и был основан на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их форм. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают сочетание или синтез форм в картине. цвет чрезвычайно важно в формах объектов, потому что они становятся больше и более декоративными.Неокрашенные предметы, такие как газеты или обертки от табака, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Этот прием коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос что такое реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

Обладая непревзойденным мастерством техники и мастерства, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период дани уважения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и рисовал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал сочетать свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистическом такие шедевры, как «Герника» (1937), бешеное и мастерское сочетание стиля, воплощающее отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращения войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом свете. или романтические термины. Ключевые фигуры — женщина с раскинутыми руками, бык, агонизирующая лошадь — уточняются этюд за этюдом, затем переносятся на емкое полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный цветная и монохромная тема использовались для изображения тяжелых времен и страданий, которые они пережили. «Герника» бросает вызов представлениям о войне как о героизме и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или картиной, но и остаются очень мощной политической картиной в современном искусстве, соперничающей с несколькими фресками мексиканского художника. Диего Ривера.

Последние годы

Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины – выразительнее и красочнее. К концу своей карьеры, Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, включая Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Некоторые из наиболее заметных его работ включают « Резню в Корее». после Гойи, Менины после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения до сих пор имеют влияние в мире искусства; и, по сути, благодаря видению и яркому творческому стилю, до сих пор остаются одними из самых новаторских произведений, представленных миру искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаются началом движения неоэкспрессионизма.

Влияние Пабло Пикассо

Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников в истории.Леонардо да Винчи ХХ века, истинное величие Пикассо и значение заключаются в его двойной роли революционера и традиционалиста одновременно. Уникально для 20-го века, он был способен, с одной стороны, к радикальным инновациям, а с другой — к продолжению традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также бесспорно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера длилась 78 лет, за которые он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо был и до сих пор считается писателей и критиков, метафора, которая передает как чувство художника, способного преобразовывать все вокруг себя одним прикосновением, так и человека, который также может преобразовывать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать нас.

Подобно Уильяму Шекспиру в литературе и Зигмунду Фрейду в психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой же степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную универсальность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Известный теперь как отец современного искусства, Пикассо своей оригинальностью затронул каждого крупного художника и направление в искусстве, последовавшее за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и творчество продолжают предлагать бесчисленные научные интерпретации и привлекают тысячи последователей по всему миру.

Интересно, кто сделал эту картину? Есть приложение (или два) для этого

Недавно в галерее Бетти Канингем в Нижнем Ист-Сайде я заметил захватывающую картину: на ней была изображена обнаженная женщина, свернувшись калачиком у окна, спящая, рядом со старым отелем New Yorker и Empire State. В поле зрения здание и рыба над ней, висящая или плавающая. Я открыл приложение для смартфона под названием Magnus, быстро сделал снимок и нажал «Использовать». Через несколько секунд я получил этот захватывающий, приятный щелчок.Приложение нашло совпадение.

Картина была написана Филипом Перлштейном, согласно приложению, известному тем, что он возродил традицию реалистичной живописи фигур. Он назывался «Модель с Эмпайр Стейт Билдинг». датированный 1992 годом, размером 72 на 60 дюймов, и был продан за 300 000 долларов. В 2010 году он был продан на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке за 170 500 долларов, сообщило мне приложение. Затем Магнус поместил эту информацию в папку с пометкой «Мое искусство» для хранения в цифровом формате и на будущее.

Магнус является частью волны приложений для смартфонов, пытающихся каталогизировать физический мир, чтобы мгновенно получить информацию о песнях, одежде, растениях или картинах.Сначала появился Shazam, приложение, которое позволяет пользователям записывать несколько секунд песни и мгновенно идентифицировать ее. Невероятный успех Shazam — его загружают более миллиарда раз и используют 20 миллионов раз в день, а в прошлом году он был куплен Apple за 400 миллионов долларов — породил бесконечные подражания. Есть Shazam для растений или Shazam для одежды, а теперь Shazam и для искусства.

Приложения, ориентированные на искусство, используют технологию распознавания изображений, каждая из которых имеет свои особенности. Магнус создал базу данных из более чем 10 миллионов изображений произведений искусства, в основном собранных с помощью краудсорсинга, и стремится помочь потенциальным покупателям произведений искусства ориентироваться на печально известной информационной арене галерей и ярмарок.

Другие приложения ориентированы на посетителей музеев: Smartify, например, использует образовательный подход, объединяясь с музеями, а иногда и с галереями, чтобы загружать оцифрованные версии своих коллекций, настенные тексты и информацию о художниках. Google Lens — передовая технология распознавания изображений от Google — открывает новые горизонты в мире искусства. В июне Google Lens объявил о партнерстве с музеем де Янга в Сан-Франциско, чтобы показать части музейной коллекции. В июле Google начал сотрудничать с Wescover, платформой, ориентированной на объекты дизайна, общественное и местное искусство, мебель и ремесла, что позволяет вам узнать название этой анонимной картины в вашем пространстве WeWork или кафе.

Существуют определенные препятствия для создания Shazam для искусства. Магнус Реш, основатель приложения Magnus, изложил одну из них: «В мире гораздо больше искусства, чем песен». Каталогизировать отдельные произведения искусства, расположенные в уникальных местах, гораздо сложнее.

Авторское право также создает проблемы. Воспроизведение произведения искусства может быть нарушением авторских прав владельца. Магнус утверждает, что, поскольку изображения создаются и передаются пользователями, приложение защищено Законом об авторском праве в цифровую эпоху.По словам г-на Реша, галереи и конкуренты жаловались на загрузку изображений и данных в приложение; в 2016 году он был удален из Apple Store на пять месяцев, но Apple в конечном итоге восстановила Магнуса после того, как был удален некоторый спорный контент.

Другая проблема заключается в том, что технология распознавания изображений по-прежнему часто отстает, когда дело доходит до идентификации 3D-объектов; даже известная скульптура может сбить с толку приложения своими углами, что приводит к бесконечному вращению технологии, которая «думает» до бесконечности.

Тогда возникает более важный вопрос для этих платформ: какую информацию может предоставить приложение, чтобы улучшить впечатления пользователя от просмотра произведений искусства? Что действительно может добавить Shazam для искусства?

Ответ мистера Реша прост: прозрачность. Галереи редко публикуют цены и часто не предоставляют основной текст на стене, поэтому часто приходится спрашивать название или даже имя художника.

Елена Коэн, бренд-менеджер Colgate-Palmolive, купила свое первое произведение искусства, фотографию, в Frieze после использования Magnus.По ее словам, перед тем, как попробовать приложение, препятствием было отсутствие информации. «Раньше я ходила на эти художественные ярмарки и чувствовала себя смущенной или застенчивой, потому что в списке ничего не было», — сказала г-жа Коэн. «Мне понравилось, что приложение может отсканировать предмет и предоставить вам точную историю его продажи, дату последней продажи и цену, по которой он был продан. Это помогло мне вести переговоры».

Магнус не преподает вам урок истории искусств и даже не дает краткого изложения произведения; как Shazam, это небольшой информационный блик в темноте.Smartify, с другой стороны, хочет дополнить то, что когда-то было прерогативой аудиогида. Поднесите его к натюрморту Гюстава Кайботта, как это сделал я, и приложение предоставит информацию, которая уже доступна на стене, в том числе возможность щелкнуть, чтобы узнать больше. Частью миссии приложения является простота использования и доступность. Люди с нарушениями зрения могут использовать Smartify с собственными настройками звука своих телефонов, и приложение работает над интеграцией звука. Приложение элегантное и простое, а источник обычно цитируется и проверяется фактами.

Основным ограничением Smartify является то, что, поскольку приложение работает напрямую с музеями, оно хорошо работает только в нескольких местах. Лондонская Национальная галерея, где я ее тестировал, была одной из них; он не пропустил ни одной картины в постоянной коллекции. Но в Met, где Smartify загрузил ограниченный набор изображений, я провел разочаровывающий день, размахивая приложением перед картинами, поскольку оно не вернуло даже фактов, которые я мог прочитать в текстах на стене.

Возможно, показательно, что пока эти приложения создают свои базы данных, некоторые музеи сами начинают вообще избегать приложений.Метрополитен-музей, который с помпой выпустил собственное приложение в 2014 году, закрыл его в прошлом году.

«Хотя приложение хорошо справлялось со многими вещами, мы хотели создать что-то более органичное», — сказала Софи Андерсен, исполняющая обязанности директора по цифровым технологиям в Метрополитене. Это приводит к тому, что контент загружается непосредственно в браузере вашего телефона как веб-сайт, загрузка не требуется. Точно так же Еврейский музей представил в июле новый набор аудиотуров, все в веб-интерфейсе.

«Несколько лет назад было повальное увлечение приложениями, и теперь все в музейной индустрии вступают в стадию пост-приложений», — сказал Цзя Цзя Фей, директор по цифровым технологиям Еврейского музея. Она отметила, что подавляющее большинство приложений, которые люди загружают, не используются на их телефонах. «В конечном итоге вы просто используете свою электронную почту и Instagram».

После нескольких недель опробования приложений для искусства в музеях и галереях, на улицах и иногда в кафе я обнаружил, что они не улучшают качество моих визуальных встреч. Хотя уровень информации в Smartify довольно высок, когда он работает, я смог узнать больше о конкретных цифрах в J.M.W. «Улисс, высмеивающий Полифема» Тернера — простое действие поднятия телефона, чтобы сделать снимок, превратило яркую физическую картину в сплющенную репродукцию.Дополнительная информация не стоила того, чтобы опосредовать мой музейный опыт через экран.

Телефоны уже повсюду в музеях, превращая посещение в каталогизацию по ходу дела. Г-жа Фей назвала это «отстойным экраном», и это одна из причин, по которой аудио является предпочтительным средством для Еврейского музея. Как и сам Shazam, приложения лучше всего использовать для быстрых ответов — спасательный круг в бесконтекстной галерее. Это что? Сколько это стоит? Кто сделал это? (Здесь Магнус — лидер.)

Шазамификация искусства — продукт времени, когда информация подавляет невооруженный глаз.Но приложение не должно быть нашим единственным проводником в визуальном мире. Прогуливаясь по Новому музею с приложением Magnus, я обнаружил, что мчусь мимо картин, не всматриваясь в детали, потому что камера искала меня, а приложение знало гораздо больше, чем я. Был тот маленький захватывающий, удовлетворяющий щелчок узнавания. Было трудно остановиться.


Вечеринки с рисованием и глотком вина — Ночное веселье в рисовании

Вечеринки с рисованием и глотком вина — Ночное веселье в рисовании | Живопись с изюминкой

Javascript должен быть включен для корректного отображения страницы

Перейти к содержанию

Забронируйте сейчас на День святого Валентина!

Будь моей.

Я твой. Принесите День святого Валентина!

От свидания с вашим партнером до празднования Галантина с вашими девушками, у вас обязательно будет любовь в мозгу. Присоединяйтесь к нам в студии, возьмите набор для рисования Twist at Home или даже купите подарочную карту.

Устали от сцены в баре? Соберите своих лучших девушек на незабываемую ночь с красками, вином и смехом.

Пропустить ужин и кино! Возродите спонтанность, нарисовав свидание с вашим партнером.

От волшебников и зомби до космических вечеров и викторин в кофейнях 90-х, вы можете найти тематический вечер, который понравится вам и вашим друзьям. Приглашаем вас на небольшое дружеское соревнование!

Ваши пушистые (или чешуйчатые) друзья тоже заслуживают любви! Превратите фотографию своего питомца в портрет с помощью пошаговых инструкций от наших замечательных художников.

Команда Уэзерс

«Нашей команде по недвижимости было очень весело рисовать с изюминкой, наслаждаясь пиццей, вином и открывая свои творческие таланты.Мы обязательно вернемся на еще одну вечеринку сплочения команды.»

Сара Х.

«Мы так прекрасно провели время на нашем двойном свидании, рисуя с изюминкой! Это был наш первый раз, и многие говорили нам, что это более продвинуто, чем некоторые другие предлагаемые уроки, но руководитель класса был таким полезным и забавным! Наши картины превратились в из удивительных и даже висит в нашем доме.Это такая забавная история, когда приходят другие!»

Деррик Дж.

«Еще раз спасибо за потрясающий опыт! Оно того стоило!»

Хочешь повеселиться?

Если вы можете это придумать, мы можем это создать!
В «Рисовании с изюминкой» веселье бесконечно.

  • 300 мест
  • 1000 художников
  • 15 000 уникальных событий рисования

Цель

Присоединяйтесь к нам, чтобы весело и творчески поддержать то, что вам небезразлично.На сегодняшний день «Рисование с твистером» пожертвовало более 5 миллионов долларов местным и национальным некоммерческим организациям, таким как Habitat for Humanity, Фонд рассеянного склероза и Фонд Веры Брэдли по борьбе с раком груди. Если ваша группа или организация заинтересована в проведении сбора средств, свяжитесь с местным отделением Painting with Twist.

Back to top

Commodores – Painted Picture Lyrics

Ты моя нарисованная картина
Ты наполняешь мою жизнь красками
Ты моя нарисованная картина
Ты тот, кого я обожаю

Любить тебя легко
Я никогда не буду пытаться изменить тебя
Ты мое вдохновение
Ты тот, ради кого я живу

Знаешь, девочка
Глядя на тебя, моя жизнь становится такой полной
И ты умеешь смотреть на меня прямо в ответ
Это заставляет меня чувствовать ?]

Посмотри мне в глаза, любовь моя
И расскажи историю
Они просто окно в мою душу
Я вижу красоту редкую и драгоценную
Ты для меня дороже золота любого мужчины

Девочка, у тебя есть способ ослепить меня
Каждый раз, когда я смотрю тебе в глаза
Ты знаешь, как разжечь огонь
Ты знаешь, как поднять температуру
Не обращай внимания на то, что я говорю
Все мои чувства бегут так глубоко для тебя

Ты нарисованная картина моей жизни
Я надеюсь, что я’ м и в твоей нарисованной картине
Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Ты моя
Ты тот, кого я обожаю

Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Ты моя
Ты тот, ради кого я живу

Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Нарисованная картина
Нарисованная картина
Моя иллюминированная нарисованная картина

Ты такой приятный
Когда все остальное не имеет смысла
И когда Я устал пытаться
Ты даришь мне нежность

Ты моя нарисованная картина
Ты наполняешь мою жизнь красками
Ты моя нарисованная картина
Ты тот, кого я обожаю

Любить тебя легко
Я никогда не попытаюсь изменить тебя
Ты мое вдохновение
Ты тот, ради кого я живу

Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Ты моя
Нарисованная картина
Нарисованная картина
Моя иллюминация нарисованная картина

Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Из чего состоят мечты
Нарисованная картина
Нарисованная картина
Моя нарисованная иллюминированная картина

Позвольте мне сказать вам, что
Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Ты моя
Нарисованная картина
Нарисованная картина
Моя иллюминированная нарисованная картина

Яблоко моего глаза
Был в моих мыслях
Нарисованная картина
Нарисованная картина
Моя нарисованная иллюминированная картина

Ты моя жизнь
Ты моя любовь
Ты то, из чего сделаны мечты
Нарисованная картина
Нарисованная картина
Моя нарисованная иллюминированная картина Тибо не поп-исполнитель | Искусство и культура Уэйн Тибо, возможно, больше всего известен своими кондитерскими изделиями, но друзья и критики указывают на его недооцененные глубины. © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк.

Среди знакомых картин Уэйна Тибо, выставленных в Художественном музее Крокера в Сакраменто, — натюрморты с жевательными резинками и сладострастными булочными тортами, ярко одетые фигуры с трезвыми лицами, городские пейзажи Сан-Франциско с их дерзкими наклонностями — была одна загадочная картина. , в отличие от всего остального на выставке. Это был мрачно-комический портрет человека в деловом костюме, который изо всех сил висит на ветке безлистного дерева, а его портфель брошен на траву внизу.Улица в центре города вырисовывалась за маленьким парком, где разыгрывалась эта загадочная драма. Мужчина пытался взобраться вверх или вниз? А зачем он там был? Тибо пытается объяснить: «По сути, речь идет о городской атмосфере и необходимости убежать от нее». Но Человек на дереве иллюстрирует кое-что другое. Датированный «1978-2010» на настенной этикетке, он свидетельствует о неустанном стремлении Тибо к живописи — в данном случае о 32-летнем цикле, в течение которого он начинал работу над картиной, останавливался и пересматривал ее снова и снова, углубляясь в его формы и цвета, свет и тени, даже когда он чувствовал себя таким же застрявшим, как человек на дереве.

Тибо (произносится как ти-боу), возможно, самый трудолюбивый художник в Америке. Этой осенью ретроспектива Крокера «Уэйн Тибо: Возвращение домой» чествовала давнего жителя и совпала с важной вехой — в ноябре ему исполнилось 90 лет. Но живописец кажется на много лет моложе. Легендарный преподаватель соседнего Калифорнийского университета в Дэвисе, он вышел на пенсию в возрасте 70 лет, но продолжал преподавать свои чрезвычайно популярные занятия в качестве почетного профессора. Друзья говорят, что его энергия не иссякает. Действительно, он рисует почти каждый день и играет в теннис примерно три раза в неделю.

В мире современного искусства, завороженном такими трюками, как инкрустированный бриллиантами череп Дэмиена Херста, Тибо удивительно неприхотлив. Он больше принадлежит к классической живописной традиции, чем к поп-революции, которая впервые привлекла к нему внимание всей страны в 1960-х годах. Тогда сладкая повседневность его изображений тортов и пирогов выглядела как двоюродные братья суповых банок Энди Уорхола. Но там, где Уорхол был холодным и ироничным, Тибо был теплым и мягко комичным, играя на коллективной ностальгии по эту сторону сентиментальности.Он продвигал себя как художник, экспериментируя с мазками, цветом, композицией, светом и тенью. Цилиндрические пирожные и рожки мороженого были обязаны скорее таким мастерам натюрморта, как французский живописец 18-го века Шарден или итальянец 20-го века Джорджио Моранди, как указывали критики, чем художественным тенденциям того времени.

На протяжении многих лет Тибо неоднократно брался за одни и те же темы — не для того, чтобы усовершенствовать формулу, а для того, чтобы продолжать исследовать формальные возможности живописи.«Какое разнообразие света может быть в одной картине?» он спросил. «Прямой яркий свет, затем беглый свет, затем зеленое свечение. Это очень сложная задача». Мы стоим в тихой комнате в Crocker перед Bakery Case , написанным в 1996 году, спустя три десятилетия после его первой успешной выставки в нью-йоркской галерее, где была представлена ​​выпечка.

Витрина для пекарни с полупустым подносом с глазированными пончиками, пирогами и украшенным гирляндами свадебным тортом вызывает отсылки к влиятельным художникам, таким как Боннар и Матисс, а также к теории цвета Йозефа Альберса, согласно которой восприятие цвета изменяется цвета вокруг него.Когда Тибо рисует объект или форму, он, как известно, окружает его несколькими цветами, часто полосами или линиями, одинаковой интенсивности, чтобы создать эффект ореола — хотя вы можете этого не заметить, если не присмотритесь. «Они борются за позицию», — говорит он о цветах. «Вот что заставляет их вибрировать, когда вы кладете их рядом друг с другом».

Торты и пироги, самые известные работы Тибо, написаны из его воображения и из давних воспоминаний о пекарнях и закусочных. Но он также рисует с натуры.Он указывает на женщину в короткой юбке в своем номере «Две сидячие фигуры» (1965). «Это очень похоже на колени Рубенса!» он говорит. Он любит говорить, что ворует у лучших. Женщина с розоватыми коленями, как у купидона, — его любимая муза, его жена, которой уже 51 год, Бетти Джин. Другие фотографии шоу отражают их совместную жизнь: сцены из Лагуна-Бич, где у них есть второй дом; уличные пейзажи Сан-Франциско, где у него была студия в 1970-х; пара красивых рисунков их двух сыновей в детстве.(У Тибо две дочери от предыдущего брака.) Проходя по галереям, мы начинаем собирать около дюжины посетителей музея, которые с удивлением обнаруживают знаменитого художника посреди его собственной выставки. Они слушают каждое слово его мини-урока, а двое фотографируют его на свои мобильные телефоны.

«А вот и беспорядок», — говорит Тибо с типичным самоуничижительным юмором, когда мы направляемся к стене с несколькими пейзажами. Они представляют собой новое направление в его творчестве, начатое около 15 лет назад и вдохновленное почти забытым уголком близлежащей сельской местности.К югу от Сакраменто и съезд с межштатной автомагистрали находится старая государственная дорога, которая может перенести человека в прошлое, как в эпизоде ​​«Сумеречной зоны», в Калифорнию, существовавшую задолго до начала XXI века. Поскольку дорога вьется вдоль дамбы, высоко над дельтой реки Сакраменто, берега усеяны причудливыми рыболовными станциями и магазинами наживки и снастей; плавучие дома пришвартованы к скрипучим докам; фруктовые сады и фермерские поля раскинулись, как покрывала, по обеим сторонам серебристой воды. Тибо приходит сюда, чтобы делать наброски, а затем возвращается в свою студию, чтобы рисовать.

С дико меняющимися перспективами и геометрическими узорами, созданными резкими кривыми и резкими краями, картины дельты напоминают его головокружительные городские пейзажи Сан-Франциско. Они выглядят как виды с воздуха — здесь почти нет неба или линии горизонта, — но есть несколько точек обзора. В фильме «Браун-Ривер » (2002) некоторые поля нарисованы в традиционной перспективе, в то время как другие ненадежно наклонены вверх, как вид с американских горок. Тибо иногда рисует клочки полей в неожиданных оттенках — леденцово-розовых или нежно-голубых — с крошечными деревьями и игрушечными фермерскими домиками по краям.

«Я получаю удовольствие от их рисования на стольких различных уровнях, насколько это соответствует узору», — говорит он. «Что интересно в подобных сериалах, так это то, что вы можете увидеть, сколько разных времен года вы можете использовать, сколько разного времени суток, сколько разных источников света». Когда в середине 1990-х он представил картины дельты, многие из его поклонников почесали затылки. Но британский философ и критик Ричард Воллхейм был одним из первых сторонников. «Эти картины демонстрируют сложность, — писал он в Art Forum в 1999 году, — и, прежде всего, старомодную проработку деталей, совершенно без иронического намерения, чего не наблюдалось в искусстве со времен капельных картин Поллока. или славные поздние Ателье Брака.

Раннее утро в зеленом районе Сакраменто. Тибо стоит в скромном одноэтажном здании, которое было превращено в частную галерею для его работ. Одетый в белые брюки, белую рубашку и спортивную обувь, он занят расстановкой около двух десятков картин у одной стены — итогом своей карьеры, которая восходит еще дальше, чем полувековая ретроспектива Крокера. Самая ранняя работа — портрет рыбака в черной шапке от дождя, написанный смелыми выразительными мазками, когда ему было всего 16 лет.В то время Тибо, выросший в основном в Лонг-Бич, штат Калифорния, не думал, что его ждет мир изобразительного искусства. Он любил мультипликацию — он до сих пор ссылается на «Крейзи Кэт», оказавшую на него влияние, — и тем летом он работал в отделе анимации Диснея учеником художника-мультипликатора. Позже он обратился к коммерческому искусству, иллюстрируя постеры фильмов для Universal Pictures и работая в рекламном отделе Rexall Drugs. «В какой-то момент все, чем я хотел быть, — это горячий, высокооплачиваемый арт-директор по рекламе», — говорит он с ухмылкой.«Но у меня был хороший друг, Роберт Мэллари, который показал мне, насколько я был глуп — насколько я был ограничен и сбивался с курса в том, что было важно в жизни».

Тибо никогда не переставал восхищаться коммерческим искусством, но в конце 1940-х годов он начал серьезно заниматься живописью и получил степень магистра истории искусств. Он поступил на факультет Калифорнийского университета в Дэвисе в 1960 году в качестве преподавателя рисования. По словам художника Майкла Томпкинса, который был его учеником и помощником в 1980-х годах, он предпочитал обучать студентов и «неопытных новичков».«Он хотел людей, которые были широко открыты. Без какой-либо иронии он сказал нам, что его работа заключается в том, чтобы разбираться с основными проблемами, как бейсболист, который все еще каждый год ходит на весенние тренировки, чтобы освежить в памяти основы». В преподавании, по словам Тибо, «вы должны постоянно переосмысливать вещи».

В 1950-х годах Тибо, как и многие молодые художники, уехал в Нью-Йорк. Он работал в рекламном агентстве и часто посещал таверну Cedar в Гринвич-Виллидж, где подружился с такими художниками, как Франц Клайн и Виллем де Кунинг.Но его оттолкнуло, как он однажды сказал, «церковное чувство большого количества нью-йоркской живописи» со всеми ее сложными теориями и видом благоговения. Как выразился Скотт Шилдс, старший куратор музея Крокера, «абстрактный экспрессионизм Нью-Йорка не работал так хорошо для жителей Западного побережья — эта задумчивая тревога не подходила». Хотя Тибо добился своего первого большого успеха у критиков в Нью-Йорке в 1962 году в галерее Аллана Стоуна, где он выставлял свои работы на протяжении десятилетий, он так и не стал частью городской арт-сцены.

«Я считаю, что быть американцем — очень важная часть того, что я чувствую и делаю», — говорит Тибо. Эта американскость, наряду с его пониманием коммерческого искусства, пронизывает его работы, начиная с кусочков пирога и бутербродов, автоматов для игры в пинбол и барабанных мажореток, которые были его ранними предметами. Калифорнийские художники также оказали на него влияние, особенно Ричард Дибенкорн, который создавал репрезентативные картины в конце 1950-х годов и чья более поздняя серия Ocean Park отражена в красочных, плоских геометрических плоскостях картин дельты.

Тибо пережил многих художников, которые были его друзьями или коллегами — цена долгой жизни. Но самой большой утратой для него и его жены стала смерть в прошлом году их сына Поля от рака в возрасте 49 лет. Поль Тибо владел частной галереей в Сакраменто и двумя другими, представляющими его отца и других современных художников. «Я очень горжусь им, — говорит художник. «Мы были очень близки. Эта часть позволила продолжить».

Продолжать для Тибо означает идти на работу.«Он выдающийся художник, — говорит Томпкинс, — но он тратит время. Если ты сидишь и ждешь вдохновения, сказал бы он, все, что ты получишь, — это больная задница». Тибо может заниматься искусством практически где угодно. «Я работал в подвалах, гаражах и даже на кухнях, — говорит он. «Я работаю в основном при люминесцентном освещении в сочетании с лампами накаливания, что позволяет контролировать определенный тип освещения, где бы я ни находился». Его жена построила студию на втором этаже их дома в Сакраменто, куда, по его словам, он иногда ходит «в пижаме.А еще у него есть рабочее место в частной галерее.

Прогуливаясь по этому пространству, Тибо останавливается, чтобы посмотреть на элегантную маленькую картинку с мороженым, выполненную менее роскошно, чем другие его оды десерту (лично он предпочитает терпкий пирог с лимонным безе, а не липкий пирог). Музей Моранди в Болонье, Италия, запросил в дар Тибо и думает отправить это вежливое парфе. Он и его жена создают фонд, в котором будут храниться его работы и искусство, которые он собрал — акварель Сезанна, рисунок Энгра, картина Руссо в джунглях, портрет Бальтюса, несколько де Кунингов, гравюры Пикассо и Матисса и другие.Там также могут быть абстрактные картины, которые, по слухам, он рисовал годами, но никогда не показывал.

Сейчас Тибо рисует серию гор. Они кажутся расколотыми пополам — огромные, похожие на утесы, насыпи темной слоистой земли, — и он тяжело рисует землю и скалы, как густую глазурь на своих тортах. Маленькие группы домов или деревьев, как правило, балансируют на вершине этих геологических образований. Картины, такие как Man in Tree , странно зловещие.

«Я думаю, что в его работах есть темная сторона», — говорит художник из Сакраменто Фред Далки, друг Тибо.«Но он не будет говорить об эмоциях в своей работе». Даже его кондитерские картины в пастельных тонах, при всей присущей им жизнерадостности, имеют ауру меланхолии. «Хотя все нарядились, как будто на свой день рождения, — сказал о двух тортах на картине критик Адам Гопник, — они кажутся «жалобными — тоской».

Такие полутона — это не то, к чему Тибо стремится обращаться. Что он делает с поразительной виртуозностью, так это рисует пирог, реку или девушку в розовой шляпе так, как никогда прежде не рисовали.Это все и этого достаточно. И теперь ему нужно бежать. У него свидание на теннисном корте.

Кэтлин МакГиган , живущая в Нью-Йорке и пишущая об искусстве, рассказала об Алексис Рокман в декабрьском номере 2010 года.

«При всей своей яркой современности, — говорит один из кураторов, — искусство Тибо сильно зависит от традиции.На фото жена Уэйна Тибо, Бетти Джин, на картине под названием «Девушка с рожком мороженого », 1963 год. Музей и сад скульптур Хиршхорна, SI, Фонд завещания Джозефа Х. Хиршхорна, Программа приобретения коллекций Смитсоновского института и покупка музея, 1996. Фотография Ли Сталсворта. Тибо, возможно, наиболее известен своими кондитерскими изделиями, такими как Cakes , 1963, но друзья и критики указывают на его недооцененные глубины.© Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. Его пышно выполненные натюрморты почитают знакомые предметы, такие как его Две банки с краской , 1987 год, вместо того, чтобы высмеивать коммерциализацию. «Я не являюсь известным поп-исполнителем, — сказал однажды Тибо. © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. В неустанном стремлении к живописи Тибо начал, остановил и пересмотрел «Человек на дереве» , 1978-2010.© Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. Тибо с незаконченным портретом в своей галерее в Сакраменто. Райан Энсон Ссылаясь на изображение своей жены в Two Seed Figures , 1965, Тибо предполагает, что он позаимствовал его у фламандского мастера: «Они очень похожи на колени Рубенса!» © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. «Быть ​​американцем — важная часть того, что я чувствую и делаю», — говорит Тибо, который превозносит обычную жизнь в Heavy Traffic , 1988 год.© Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. Художники Художники Картина

Рекомендуемые видео

50 известных картин и истории, связанные с ними

50 известных картин и истории, стоящие за ними

Изображение стоит тысячи слов, и, как и тексты, искусство часто предназначено для «прочтения» посредством критической деконструкции. Картины могут быть намного сложнее, чем кажутся на первый взгляд, и их трудно расшифровать, если зритель не говорит на одном языке. Иконография — символический язык данного произведения искусства — может быть изощренной и сложной, отражающей коллективное сознание или опирающейся на личный опыт художника. Зачем кому-то отказываться от письменного слова в пользу красок и холста? Американский художник 20-го века Эдвард Хоппер, похоже, нашел ответ. «Если бы я мог выразить это словами, — сказал он, — не было бы смысла рисовать.

Истории, рассказанные произведениями искусства — и о них — в буквальном смысле составляют романы. «Девушка с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера вдохновила на создание одноименного романа писательницы Трейси Шевалье. Впоследствии по книге был снят фильм со Скарлетт Йоханссон в главной роли. Спустя почти 40 лет после того, как Ирвинг Стоун написал свой биографический отчет о жизни Микеланджело, «Код да Винчи» Дэна Брауна превратил жизнь и работу мастера эпохи Возрождения в суету предыдущих тысячелетий.

Сентябрь 2019 года ознаменовался выходом в широкий прокат новейшего представителя жанра: «Щегла», основанного на романе Донны Тартт, удостоенном Пулитцеровской премии. Книга рассказывает о выдуманной краже одноименной картины голландского художника Карела Фабрициуса после взрыва в нью-йоркском Метрополитен-музее. По иронии судьбы, Фабрициус погиб в результате разрушительного взрыва пороха в 1654 году, вскоре после завершения своей самой запоминающейся работы. Успех, которым пользовалась книга Тартта, возвысил «Щегола» до статуса рок-звезды, собирая толпы, полные решимости мельком увидеть крошечную птичку, привязанную к тонкой цепи.[Примечание: картина Фабрициуса не представлена ​​в галерее Стакера.]

Stacker курировал этот список некоторых из самых известных в мире изображений и увлекательных историй, стоящих за ними. Прокрутите список и узнайте, какие картины возмутили Париж, были разграблены нацистами и вдохновили на создание популярного бродвейского мюзикла.

Вам также может понравиться:  51 женщина, получившая Нобелевскую премию

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.